「藝術4件」爆爛諧音梗之選物大會 feat.台中藝術博覽會

　　每到藝博又是我攀親引戚的時節，2020台中藝術博覽會是疫病爆發後，台灣第一場大型藝術博覽會，是否能帶給我們滿滿的感動呢？以觀賞者的角度選出藝博中4件我覺得有趣的作品，雖然還是口袋淺淺，掏不出任何一毛錢，沒有要幫誰廣告，因此文章等藝博結束後發（燦笑）。

　　畫廊協會與學院的合作，預示著商業性提前降臨到新生代藝術家身上，四場平行展演交錯是產官學三界共同結晶。我認為重要的是藝術家該如何去平衡自身理念與市場價值兩者，通常來說學院中能做高度實驗性的作品（除非你選錯學校）。進入市場後，大多都必須依循著資本邏輯來執行，就是作品能不能賣出，能不能維繫並推動整個產業，使之良好運作。藝術家開始要去思考自己在圈子內的路數，藝廊雖然能給予給藝術家更符合商業的途徑，但尋找與自己的理念契合的藝廊也變得極為重要，這關乎到未來藝術家自身發展（看過不少不歡而散的案例）。

　　大膽預測之後飯店博覽會的形式會迎來重大變革，飯店既有的空間型態很難作為巨型作品良好的展演空間。這種方式考驗著藝廊是否能端出具有吸引力的作品，當重複的東西不停被玩弄之後真的會鬆掉，我是說注意力（彈性疲乏）。從學院直接抓人或許是構造改革的一環，除了是增加創新作品，其價格也能打中甜蜜點，吸引年輕藏家入手，一起期待台中藝博未來的發展。

廢話太多，先來看看作品（以下無業配，無工商）。

　　完全能從作品中感受到上班族心裡幹到爆的無奈，固定在台座的木雕人偶散發陣陣陰鬱氣息，有種無法擺脫命運束縛的無力感。台座被賦予的意義是用來展示商品，將人視為物件放置其上，是段商品化的過程，木雕人類終究是資本主義的魁儡。坐在上面的男人——喬治，氾濫的名字成為大眾群體的代名詞。紅燈的運動模式代表著異化勞動，不斷且持續的重複動作，機械式地宰制著人們生活。

　　看到他的作品不禁聯想到卡斯巴·大衛·佛烈德利赫（Caspar David Friedrich）《霧海上的旅人》浪漫主義與自然崇高的代表作品。這幅畫具有截然不同的兩種觀點，一種是面對自然的無可名狀之感，帶給人類的震撼與強烈孤寂；另一種是人類征服自然，將群山採於腳下，睥睨世界的雄壯心態。李曜丞也承接類似的邏輯，將石雕山景微縮到方塊中，成為人類再製的山景，試圖將自然收納於作品中。但巧妙之處在於，放上的模型人物卻又將自然與人拉出一條鴻溝，利用人物比例尺，迫使我們懾服於自然之下，產生兩者互為主體的矛盾狀態。

　　喜歡她的東西其實沒有任何原因，可能就是我對於星際大戰（Star Wars）中「死星」（Death Star）的迷戀，死星的正確名稱是DS-1軌道戰鬥太空站，是銀河帝國（Galactic Empire）的終極武器。有什麼東西是把一顆星球改造成大型武器，更具致命性的吸引力（或更中二的）。不知為什麼何日本人對於末日場景的詮釋擁有高度敏感度，從動畫阿基拉、超世紀福音戰士、攻殼機動隊等，後人類時代的設定融合廢城市廢墟與賽博朋克風格，在其背後都是毀滅的欲力。戰後剩下的殘破軀殼，如同她使用金屬工藝經過火煉融化又重生的場景，建構出獨特的廢墟美學風格。

　　真的很愛伊日挑選作品的眼光，加上展場的超讚薰香基調，舒服（躺）。大幅畫作《Sweet dream 3》讓我感覺回到敢曝美學（Camp）的懷抱。她融合了東西方視角，進行一系列的溶接，青花瓷花盆卻插著熱帶植物，上面懸著人臉燈籠，像是變裝皇后（Drag queen）般的女性/男性躺在其下，腳化成噴火的蛇，而被珀爾修斯（Perseus）砍下的梅杜莎（Medusa）頭顱落於身旁，整個場景充斥著戲劇性。蘿拉‧ 琳伯格的作品不像是大衛·霍克尼（David Hockney）那種理性的情慾詮釋，張牙舞爪的強烈風格被模糊不清的暈染邊界柔化了，我們無法看清人與物的真實樣貌。偏暖的用色，讓整個展場充滿療癒感。事物的本質在整個畫面顯得不是那麼重要，重要的是整體氛圍的渲染。

蘿拉‧ 琳伯格 （Laura Limbourg）的另一件作品《Gril with tiger》是我此次私人大愛（想收，但被金主老媽婉拒）。