整個展場都像是一個建構中的遊戲場景，木板製作的假草叢，營造出劣質的RPG遊戲感。一塊塊細碎的行走空間被木板切割開來。木板上刻意留著去背後的灰白方格，彷彿在暗示每個板子都是圖層的疊合，使得整個空間更加擬真、又非真。

音樂藝文

創作

在展覽的論述裡頭，陳伯義寫了一句「人不過是無足輕重的影子。」我想這能作為理解《石人》系列作品的一大出發點。
觀看作品時，絕不會將其中的「人影」想成一道影子，儘管我們都清楚，它徒有輪廓，和似是而非的動勢，但它主導了整個畫面，一切戲劇張力和版面勾劃都因其而生，又順應它的線索，群起舞動。

在李旭彬有意建構的這座肖像「墳場」中，這一趟趟往復的旅途，他以黑白底片攝影的媒介將「一路上的風景」大肆收進底片中，拍攝紀錄影片中所見之團隊跋山涉水的艱辛，在成品中被刻意忽略了，攝影的主觀性被吞噬，景色如博物館式地陳列，藍得清澈、藍得毫無情緒，在讚嘆其美妙的同時，卻不禁冷汗直流。

水、不鏽鋼和光都是這個展覽中相當搶眼的元素，並且構成了整個展的氣氛、想像、似是而非的過度感，若將村上春樹《海邊的卡夫卡》中的「limbo」概念挪到這個展覽中討論的話，能夠抽離原先虛浮於空中的無措感，轉而對生命、存在和本質進行探討，可惜目前對物質的執念太深，我也只能在這裡停筆了。

《超出建築》的理想，或許需要由非建築生產領域的一般民眾參與其中，一同感受生活中理所當然存在的建物，經過展覽的編排，是如何融洽地與生命產生連結。此展的藝術家不帶有高高在上的作態，反而是將生活的赤忱剖開，邀請觀眾一同踏於其上。

它 — — 萬物的終焉，鐵軌無可避免的末站，死寂的必然。龔卓軍形容此次展覽是以死亡為終點倒退回來思考。在這個脈絡下，回望楊茂林過去的作品，以及七十歲的現在，仍然創作不輟的身影，不由得帶起感性的有色眼鏡。楊茂林的靈魂仍年輕、澄澈無比。

觀看和邊界這兩個主題，是可以統合起來做結的：藝術家展現自己在展覽中的權力。觀眾和藝術家何嘗不是《打獵》中競逐的兩者？觀眾的眼睛恣意地搜尋自己想看見的，藝術家拚命敘述自己想呈現的，當這兩者產生交集時，這個展覽便在觀眾心底印下一個赭紅的印記。

藝術家的書這一媒材在觀念藝術裡如此重要，是因為觀念藝術的主張之一就是反對傳統藝術機構的權威，而書本作為一種容易流通的媒材，可以作為一種「另類空間」存在，提供藝術家除了提供藝術家除了傳統的美術館和藝廊以外的展示方式，能夠以更民主的方式，將創作想法更廣泛地傳播出去。

這個展覽中的細節大多由周遭人們的互動而來，卻也有很大一部分是來自於忠泰美術館本身的建築構造。王德瑜的巧思和整座美術館融為一體，將整座建築物的細節都無疑地表露，觀眾得以最直觀地感受整個現場，感受發生中的知覺。

「冥想」已蔚為風潮，許多繁忙於文明的人們也藉此尋覓一絲慰藉。但當這一切搬到展場中，又套上「乩童」這一文化框架，此種類似的體感意義也完全迥異。「冥想」僅僅是追尋內心的平靜，可藝術家希望觀者能追求的是另一層次：非物質存有的凝視。這是一種不仰賴視覺的「看見」。

主要在台北看展覽，以藝術大學理論組學生的身份做一些簡單的評論。希望能跟喜歡看展覽的人一起交流！