電影解讀｜《電影音效傳奇：好萊塢之聲》－當你讚嘆魔法，是否聽懂了咒語？

英文原名：Making Waves: The Art of Cinematic Sound
中譯片名：《電影音效傳奇：好萊塢之聲》
導演：Midge Costin
腳本：Bobette Buster
長度：94分鐘
上映年份：2019年

｜　人物：4　｜　敘事：4　｜　視覺：4　｜　音效：5　｜
總分：17／20
爽度：2
適合對象： 想要學習幕後新知的影迷

　　本片為淺顯易懂的紀錄片，運用如同交響樂團配置的「人才圈」（circle of talent），將音效組成劃分為三大類－－口白（voice）、音效（sound effects）、配樂（music），進而解說聽覺元素在電影產業內如何一步步崛起。

　　一開始，從歷史的角度切入－－以默片時代的結束作為背景，先是留聲機的發明，愛迪生欲將音軌結合影片畫面而意圖失敗，戲院不得不仰賴對白師與現場奏樂；後來，磁帶變得能夠與放映機同步，使得『口白』（voice）成為電影表演的重要部分。

　　口白元素中，又有三個子分類，分別是「錄音製作」（production recording）、「對話剪輯」（dialogue editing）、「同步對嘴錄音」（ADR, for automated dialog replacement）。自此，音效剪輯師（sound editor）成了一項新興的工作。

　　此後，為了盡全力捕捉演員的情緒，對電影聲音的要求愈來愈細膩。不論是降噪，還是捨棄單聲道、選擇立體聲（包含雙聲道、六軌聲道以上的環繞設計）的走向，或可歸功於新發明的硬軟體，以及音效的分工複雜化。而本片在講解音軌規格時，電影院裡的音響設備搭配大螢幕上聲波環狀擴散的示意圖像，對觀眾理解聲音如何移動十分有幫助。

　　此外，用實力派唱功的芭芭拉史翠珊（Barbra Streisand）當例子，她早已具備在拍攝現場演唱的能耐，直至主演《星夢淚痕》（A Star is Born, 1976）更是堅持使用立體聲技術，顯示出演員的遠見也可能對幕後決策產生影響。然而，重視角色對話的結果，就是口白以外的聲音皆用各家電影公司素材庫裡的罐頭音效，導致了另一種安逸的停滯狀態。

　　幸運的是，歷史上總會有那麼一群人不滿足於現狀，使音效設計師（sound designer）成為一項新專業；這部紀錄片中，藉由影迷們熟知的當代導演，帶出與他們合作的音效設計師們，如何共同實驗、打造出電影體驗的新境界。

　　本片主要以訪談形式，聚焦在三部作品上－－喬治盧卡斯（George Lucas）與本貝爾特（Ben Burtt）的《星際大戰》（Star Wars, 1977）、法蘭西斯柯波拉（Francis Coppola）與沃爾特默奇（Walter Murch）的《現代啟示錄》（Apocalypse Now, 1979）、約翰拉薩特（John Lasseter）與蓋瑞雷斯同（Gary Rydstrom）的《頑皮跳跳燈》（Luxo Jr., 1986）及《玩具總動員》（Toy Story, 1995）。

　　不論是替虛構角色（例如金剛、星際大戰系列的丘巴卡、皮克斯動畫工作室的跳跳燈）量身打造出生動的形象，或是用猛獸吼叫增加戰鬥機引擎聲的震撼感，他們為了挑戰不同的故事題材，以及其更真實、更具變化性的聽覺呈現，聯手打造出『音效』（sound effects）的領域。在那之下，則包括了「擬音」（foley）、「特效」（SFX, for special sound effect）、「環境音」（ambience）。

　　那些乍聽之下沒有溫度的物品聲響，透過剪輯交疊跟遠近變化，譜出難以察覺的旋律與節奏；本片以《星際大戰》的機器人角色R2-D2為例，說明無機的聲音也能仿造出人類談話的語調，成功用創意突破觀眾的既有認知。

　　然而，電影製作階段充滿了不確定性，使得音效的革新往往必須仰賴市場反應。針對這一點，《現代啟示錄》的音效設計師默奇便曾在奧斯卡論壇（Academy Conversations，暫譯）提到，音效工作屬於電影製作過程中，相對容易被壓縮預算的一環，其最終受到重視的程度，將取決於導演的職業背景及偏好的表現手法。

　　儘管觀眾不一定能意識到音效是多大的功臣，聽覺帶來的感動卻非常直觀；本片特地選了幾部經典電影的盛況，藉以說明它們整體上的成功，並非巧合。就結果而言，若是票房好，投資者自然樂於支持幕後人員的堅持與熱忱。電影作為娛樂商品與擬真藝術間的平衡，著實奧妙。

　　最後一塊聽覺拼圖，是配樂（music）。它作為主觀情感的表現工具，透過旋律起伏去形塑觀眾的喜怒哀樂，效果最為顯著。私認為，這一類別已算是最容易被注意到的部分，負責配樂的名作曲家在商業上往往會單獨出專輯。

　　單就營造電影氛圍而言，配樂的時機非常重要，有時是醞釀緊張感的警示，有時是釋放情緒的救生筏。本片以希區考克的《鳥》（The Birds, 1963）為例，說明必須懂得保留空間，好與音效相互配合。

　　另外，本片稍微提到的電影角色主題曲，幾乎成為了現今商業娛樂片的慣例。尤其是超級英雄角色，在群像故事裡，擁有各自的主旋律已是必要的條件，顯示出配樂不只是為特定一段劇情服務，還有跟人物本身形象連結的多重功能。

　　整體而言，口白、音效、配樂三大類別，經由混音師（sound mixer）結合成我們聽見的電影聲音－－用交響樂團來比喻的話，這份工作就是操縱樂器聲部的指揮家－－而混音的協調程度，奠基於所有音效工作人員的心血上，最終將影響畫面呈現、甚至是決定電影的成敗。

　　這部紀錄片內採訪的業界人士，除了前述的三位音效大師外，也有意識地選擇了多元化的面孔（導演在受訪時，坦承比業界的實際男女比例要來得平衡）。

　　那些社會結構下較易遇阻的性別與族裔，電影不僅是聯繫了他們的生活經驗，更代替他們傳遞了心聲－－這種講述方式很聰明，不但在一堆學術名詞裡增添了知識的溫度，從感性的角度來說，讓觀眾明白幕後工作人員亦有血有肉、會與作品產生強烈的個人共鳴，自然能學會欣賞他們對這一份工作的熱忱與貢獻。

　　由於導演本人也是音效剪輯師，當她在奧斯卡論壇上被問到「音效工作的目的，究竟是要讓觀眾注意到，還是不要注意到」時，這麼回答：

（We don't do sound for sound's sake. We are doing it with picture. And you want it to work with the picture so well that you don't realize what we're doing.）

　　儘管他們不論在鏡頭內外皆一向謙遜，也許熱愛電影的人都有職責去認知幕後人員的成就。畢竟，對創作者或受眾來說，坐等藝術憑空發生是一件不切實際的事。

　　人們談論那些留名影史的作品時，經常注重在演員表現、敘事及世界觀上，卻忽略了聽覺是如何重現創作者的想像力。而本片正是我們所需要的一記鐘鳴。這也是為何我在走出影廳後，立刻決定將其化為文字，期盼在下檔前讓更多人有機會認識它（姑且不論我寫作的速度是一項悲劇，這份心情是貨真價實的）。

　　為了說明基礎詞彙，同時又讓觀眾保持興趣，這部紀錄片偶爾穿插知名電影、導演、演員的趣聞，藉此讓真正的主角－－音效工作者、電影聲音得以站上舞台。對不熟悉幕後工作的觀眾來說，或許資訊量有點多，且難免侷限在互有交情的幾位人物身上，但若是放鬆心情跟隨敘事節奏，記得一兩個電影冷知識，也是不錯的體驗。

　　老實說，評論關於專業知識的紀錄片有一定的難度。需要保留多少知識量？要不要乾脆寫成講義？但正如同劇情片，觀眾是否喜歡其題材跟風格，終是因人而異－－這也是我在開頭列出「適合對象」的原因。

　　作為千禧世代的影迷，我的資歷尚淺，對許多經典電影僅略知一二；當得知精闢的電影研究，被激起想看更多電影的興奮感之際，難免有股無法體會當下時代氛圍的遺憾，但換個角度想，能夠獲得前人的豐碩見解，也是一種幸福。