方格精選
會客室▕ 打造「大白鯊恐懼」的關鍵 ─ 漫談電影配樂藝術、默片與米老鼠
即使過了幾十年，人們依稀記得大白鯊帶來的恐懼
巧妙的是，大白鯊的凱旋之戰，沒有尖牙利齒，只有越走越緊湊的樂符，就在此刻，觀眾還有劇中人物形成意識之外的連結，共享了恐懼的滋味，而這之所以可能，全有賴於電影作曲家約翰威廉斯的一雙巧手。由此，本文將從電影配樂來切口，以默片做為起站，細數電影配樂的發展史，以及節奏、旋律與音色如何打開人的耳朵，並佐以相關案例，談談《哈利波特》、《俘虜》、《刻在你心底的名字》、《親愛的房客》還有《異星入境》等作品，如何運用高超的技法，透過音樂堆疊出豐滿的電影層次。
備註：本文將涉及劇情討論
電影配樂的起源—默片其實「擲地有聲」
你是否想過，電影少了音樂會變成什麼？比如《金剛》攻頂帝國大廈時，沒有氣勢磅礡的管弦樂？又或是《洛基3》少了熱血激昂的〈Eye of The Tiger〉，你的心還會跟著劇情而躍動，甚至開始搖擺身體嗎？答案顯然是否定的，就算理智上明白，劇情的發展與走向，但少了音樂這個催化劑，我們的感性無法被點發，電影之於人的共鳴與共振，就像鹽酥雞少了九層塔，總是有一點不來勁！
在《電影配樂傳奇》中，作曲家將音樂比喻成情緒乳液，意即潤濕觀眾的情緒感官，提升劇情的吸收力，並且運用鮮明的樂符、節奏與旋律，將感知到的情緒印入心底，促使相關感動被穩固保存，以利後續推展、延伸與變化。由此可知，電影配樂，不是因為要避免沉默、尷尬，才被拿來填充空白，更有它的藝術性與用意。所以，電影配樂不會反客為主，將電影當成推銷歌曲的MV，樂曲意境還要能襯映電影的詩意，以構築出立體的觀影。
因此，如同主演《超人》的克里斯多福所表明的：「少了強而有力的配樂，超人可飛不起來！」，但電影配樂到底如何出現，並且成為第八藝術中不可或缺的環節呢？
按照《電影配樂傳奇》的說法，一八九五年電影誕生之時，配樂就同步誕生了，如同雙生子一般。換言之，默片時代的電影，就已經有配樂，而默片也從來不是無聲的，但在一開始，電影配樂，確實是因為要掩蓋放映機的吵雜聲響，一種因應限制、缺陷而來的應變手段。
默片時代的戲院通常會聘請樂手駐點，再按情節，應用鋼琴或劇院管風琴即興演出。至此，默片電影，不是在拍攝完底片就完成，而是要到播放時，疊加現場的演出才算真正完工；本因技術限制而產生的應對措施，行之有年，變成風靡世界的藝術亮點，即便是最小的戲院，都有合作的樂手，高檔戲院還以現場管樂團做為行銷賣點。
有趣的是，即興演出的方法，使得每一次的電影播放，都有不同的感官體會。然而，即興演出的美好，對應著風險，意即樂手的能力，將會大幅影響電影配樂的呈現，若其創意有限，可能導致不同的電影，聽起來都是同樣的樂曲在輪流更換。再者，相較於鄉村，都市更容易招募到優秀的樂手，創意靈活多變，樂曲的知識也相比豐厚，並且有技術去實踐，例如彈奏蕭邦的〈Nocturne Op.9 No.2〉來為電影帶出層層堆疊的憂鬱、黯淡與寧靜。最終，鄉村跟都會的資源差異，促使電影欣賞於藝術層次上，具有明顯的落差。
所以，為了確保電影品質均衡，不少戲院會採用固定化的樂譜來演出，好比綜藝節目常有的【罐頭音效】，結尾、開心、難過、刺激或是滑稽都有專屬的旋律。想當然，若資本俱全，當時的電影公司，同樣願意為電影打造專屬的配樂，再由現場的樂團或樂手來按譜演出，進而在高貴的大戲院，提供高貴的觀影旅途。其中，電影《吉斯公爵謀殺案》就與知名作曲家聖桑合作，聯手打造出史無前例的電影原創樂曲，依樂評人李永忻的說法，這實屬「歷史第一曲」丈量電影劇情而成的音樂作品。
回首來看，這個歷史第一，或多或少具有商業考量，但也確實打開電影配樂的大門，讓音樂的主體性被凸顯，不再只是電影製作上的次等公民。
以此來說，回溫卓別林系列，特別留意音樂的話，就會發現整部作品非常熱鬧，豐富的肢體語言搭配多層次的配樂，情緒與故事交織交纏，捕捉住觀眾的眼珠與耳朵，也緊捉住口袋中白花花的鈔票。
由此可知，電影配樂的出現，其屬無心插柳，但也讓電影製作看見音樂與影像的加乘效果，為此，影與音不只一拍即合，還總是如膠似漆，後期像是黑膠、留聲機，同樣都可以從電影工程中看見其身影。隨後，因應科技的進步，一九二零年代，有聲電影的技術越來越成熟，直到一九三零年代，儼然成為全球風潮，這讓電影配樂的製作，又朝著更加精緻的路徑來前進，並且不再受限於場地限制。
綜前所述，關於電影配樂的起源已有足夠的爬梳，讓我們邁入下一個階段，繼續撥開電影配樂的神秘面紗，包含米老鼠之於電影配樂的影響，以及樂音的高低走勢，怎麼影響人的脈搏起伏。
電影配樂的應用—跟著米老鼠一起跳舞
時間快進到一九三零前後，如前所述，有聲電影慢慢成熟，但要如何操作，從業人員彼此還沒有共識，直到迪士尼經典動畫【威利汽船】，才有了具體的參考標竿；做為有聲動畫的開拓者，迪士尼將畫面與音樂完美地揉合在一起，使配樂就像一面鏡子，映照出畫面的意涵、表達與輪廓。從此之後，匹配畫面來表現的配樂技法，就被稱為「Micky Mousing」，如此方便、具體、易懂且還能帶來增強效果的技法，一瞬間蔚為風潮，一九三零至四零年代，就是米老鼠技法的全盛時期，並且以《金剛》最為突出且經典，其配樂幾乎全程都匹配著畫面在走。
通常來說，米老鼠技法帶有卡通、滑稽感，讓它不只適用於動畫或遊戲，還時常搭配喜劇電影來呈現，但也因此，米老鼠技法不完全適用於每部電影，好比說懸疑電影，過度填充配樂的話，反而會有反效果，干擾觀眾的投入與情感醞釀。
來到一九五零年代，米老鼠技法的使用大幅銳減，一是因為技法實在太過單純，難以突破原有的框架，假若畫面本就一團糟，配樂不僅無法加分，還會放大作品的劣勢。再來，受限於匹配這個目的，作曲家的創意被圈地，創作的空間被限縮，丟失了靈魂的樂符，自然無法動人心弦。最終，壓倒米老鼠技法的稻草，還有觀眾，多數人都對單調的配樂感到厭膩，談情說愛就放浪漫的音樂，失落難過就播悲傷的歌曲，讓影像作品失去了活力，還讓觀眾沒了興趣。
即使米老鼠技法不再像以往一樣流行，這卻不代表它消失了，而是轉型成更為細緻的存在，現今仍然可以從不同的作品中發現它，《天外奇蹟》的開場就以艾莉的主題曲來貫穿，綜合旋律、節奏與音色的變化，引領觀眾緩緩走過卡爾的一生與跌宕。
除了米老鼠技法之外，電影配樂當然還有各種門派與招數，就算不像米老鼠一樣穩坐時代龍頭，不代表其藝術表現有半分縮水，甚至不斷推陳出新、更勝以往，百花齊放之下，一九三零至六零年代的好萊塢，又被後世稱為電影配樂的黃金時期。
參照音樂家梁啟慧的整理，接續往後，五、六零年代，電影配樂承襲了古典浪漫，還因應潮流走向，擺入搖滾樂與爵士樂；七、八零年代，則順應流行樂壇，引入迪士可與電子音樂，眾多知名配樂作品，像是約翰威廉斯的《星際大戰》、《大白鯊》、《法櫃奇兵》或是《E.T.外星人》，皆於當時誕生，直到現在，世界也都還耳熟能詳這些經典旋律；九零年代之後，電影製作人員意識到流行音樂的侷限性，於是又重回古典音樂的懷抱，再加上電影產業的蓬勃發展，編組百人的交響樂團來錄製配樂，根本家常便飯，諸如《神鬼戰士》、《魔戒》或是《英雄本色》都有磅礡的音樂表現。
千禧年開始，地球村的概念漸漸浮現，有賴於網路與科技的進步，除了古典樂與流行音樂，各個民族、文化或區域的特色音樂，都有機會在電影中展露頭角。舉例來說，由小勞勃道尼主演的《福爾摩斯：詭影遊戲》，配樂操刀手漢斯季默就放入了吉普賽音樂，進而在聰明、優雅或機敏的框架上，也為電影注入奔放與歡鬧的調性。
至此，透過這趟簡單的時光旅行，壟罩電影配樂的迷霧，因應歷史輪廓的清晰，有所退去，但這無法解釋，為何作曲家能有魔力，動動手指，在樂譜上勾畫幾個小黑點，就能拉扯、攪拌人的情緒。
這得從人的心跳速率談起，普遍來說，人的心臟每分鐘約會跳八十下〔80BPM〕，若將速度轉成節拍，則會有相應的情緒反饋（參考自Filmmaker IQ），以下對照，筆者另外挑選了幾部知名電影配樂做為案例，歡迎點擊連結，用耳朵一起來體會。
- 50-80.......BPM，經驗到平靜、莊嚴與昏睡，猶比《雲端情人》。
- 80-100.....BPM，感到放鬆、自在與舒適，彷彿散步一般，如《神隱少女》。
- 100-140...BPM，會有熱鬧、輕快或愉悅的感受，舉例來說，《星際大戰》。
- 140-160...BPM，催發興奮、緊繃與刺激，就像快跑一般，好比《神鬼奇航》。
- 節拍跳躍或是異常緩慢，給人空靈、虛幻或是驚悚不安的感覺，像《小丑》。
如前所述，節拍，就是電影配樂魔力的第一個環節，作曲家以此編組出不同的節奏，確保樂曲發展出飽滿的層次，但光考慮節奏還不足夠，還得扣上第二個環節，旋律。什麼是旋律？簡言之，由不同樂符所組成的系列結構，並有其專屬的節奏，可能由慢至快，或倒過來，甚至忽快忽慢。換句話說，若把音樂視為一種溝通型態，旋律就是由單詞、抑揚頓挫與句子所構成的意義對白。
依照醫學觀點來看，調性能夠激活不同的情緒體悟，小調讓人悲傷，大調則是愉快。除了調性，和諧與否，往往是另一個影響情緒的關鍵，越和諧就越能安穩人心，這也是為何國片《陽光普照》，劇情如此悲傷、黑暗，依然讓人反覆咀嚼出寧靜的原因；相反的，若旋律組成越不和諧就越令人汗毛豎起，最讓筆者難忘的，當屬驚悚動畫《藍色恐懼》，長久以來，宗教人士更將不和諧的組合稱為【惡魔的樂音】。
再來，旋律中的高低音，同樣也會令人感到不同的份量，越高感覺就越輕盈，越重則越慎重或說沉甸。若拿知名系列《哈利波特》來分析，比較不同集數的片頭樂，就會發現，前面的集數，因應劇情充滿著希望，滿溢著清脆的生命與奇幻感；來到後面的集數，為了呼應魔法世界的危機，片頭音樂變得沉重且濃稠，彷彿要把觀眾拖入烏暗的情緒染缸。最終，〈死神的聖物上〉主題曲音樂變得非常薄弱，〈死神的聖物下〉甚至把貫穿系列的標誌主題曲給拿掉，以渲染魔法世界毫無希望這件事，畢竟主題曲代表著希望，直接拿掉就是最強而有力的宣告，而這又跳脫了單純的旋律編組，相關說明，則留待後續段落再分享。
不過，參考《哈利波特》這個案例，可以發現除了高低音之外，不同的樂器，也會勾起不同的感受，而這正是緊接著要帶出的第三個環節，音色，包含了樂器的選用，還有呈現的方式，試想看看，同樣的段落，好比說《權力遊戲》的開場，選用交響樂跟鋼琴獨奏，即使旋律完全一樣，其撥動的情緒，必然大大不同。
音色的差異，除了樂器的不同，比如恐怖片常用弦樂，戰爭片常用管弦樂之外，更還要考量音色的細緻程度，越是粗糙，感受就越糟，參照Fandor所言，《黑暗騎士》就蓄意使用生鏽的刀片刮弄大提琴，模仿尖叫聲一般，以表現小丑的人格特質，成功挑動觀眾的神經，混亂、躁動如暴風一般襲來，連續的音節卻讓人無處可躲，受困的大腦緊繃肌肉與杏仁核，催產出源源不絕的焦躁與忐忑。
回過頭來看《哈利波特》，第七集的片頭，同樣也以非常粗糙的音色來表現，藉此讓觀眾親身體會佛地魔為魔法世界帶來的恐慌感。
如前綜整，電影配樂的三個基本元素，就是節奏、旋律還有音色，交融在一起，其所凝鍊出的，不光只是匹配時間、地點與動作的訊號，更能視為電影的定錨，或說引路明燈，破題出電影的主軸。故此，誠如漢斯季默所述，電影配樂開拓出嶄新的路徑，彷彿通往不同維度的蟲洞，讓人得以穿越、造訪一座座樂音飛揚的宇宙，任何的五光十色，通通都被賦予了翅膀，翱翔於偌大的影像殿堂。
電影配樂的結晶—價值連城的藝術寶窟
討論至此，希望大家的腦袋還能夠負荷，接著，最後一大段落，就讓我們來細數讓人耳目一新的經典配樂與絕妙巧思。首先，就從熟悉的《哈利波特》開始，每個角色都有自己的主題曲，但在《哈利波特》中，主題曲不只伴隨角色出現，更用來呼應情節主題，這使得《哈利波特》不僅有趣、好玩且新穎，還是動人的情感史詩。
我們都明白，石內卜深愛著莉莉，電影就此將莉莉的主題曲，扣合著石內卜的情感面貌來浮現，無論是他跟哈利道別，又或是真相揭曉時的回憶情節，電影都高明地捏揉音樂與畫面，一口氣傾倒出石內卜的愛與真摯，甚至在莉莉出現之前，就曾以石內卜搭配莉莉主題曲來開場。當時的觀眾，還不知道幽美的旋律專屬莉莉，但如此細膩、巧妙的精工作法，將莉莉還有石內卜縫合在一起，為此，誠如Good Blood所言，就算我們理智上還未領悟石內卜的心意，卻懵懂知曉，這當中藏有無以言喻的情愫。
若再從音樂的象徵意涵來看，莉莉的主題曲，不只用來襯托莉莉或是石內卜的情感，還裹藏著「愛與奉獻」的精神價值。如前所述，《哈利波特》最後的開場，拿掉了原有的系列主題曲，而替代的正是莉莉的主題曲，一首歌頌愛與奉獻的樂曲，藉以暗示在昏暗的世界中，愛與奉獻就是找回光芒的穿雲箭，而這當然緊緊相稱著哈利後續的自我犧牲。換言之，在情節到訪之前，配樂就揭示了故事的走向。
這種音樂先行，後續再回收利用，以照應情節的手法，同樣出現於《羅根》中，電影一開場，就運用孱弱的鋼琴聲，勾勒金鋼狼的衰老。爾後，快展劇情到埋葬X教授，相仿的旋律又再次出現，隨著羅根的咳嗽、蹣跚來烘托，這促使我們不只感到憂傷，還翻攪出人面對衰亡時的無可奈何。
另外，跳脫出既有音樂框架這點，同樣能從《俘虜》中發現，不過，作曲家坂本龍一嘗試擺脫的跟《哈利波特》不一樣，他挑戰的是另一部電影《現代啟示錄》建立起的高牆，意即戰爭電影之於交響樂的連結與雄壯印象，並以具有聖誕氣息的鈴聲旋律來破場，創造意外然後點發好奇，扼要有力地讓觀眾意識到電影調性，明顯不同於過往戰爭片，談的是愛、理解與包容。用心的是，坂本龍一選用東方樂器演奏西方感十足的樂曲，這正好再次豐塑電影主軸—東西文化的交流與共處。
前述案例都以歐美為主，回到臺灣，從去年金馬獎出發，比對皆有獲得入圍或肯定的《刻在你心底的名字》與《親愛的房客》，其敘事焦點都放在同性戀群體上，但電影還是有兩處明顯不同，一為時代背景，二為主題述求。
先以《刻在》來說，解嚴初期的臺灣，對於同性戀抱有強烈的敵意，再加上就讀基督學校，主角的同性之愛，雖然美麗，卻是不被允許的禁忌。故此，電影配樂不少是以管樂為基底（如名字、呼喊或關於愛），以襯托莊嚴感，甚至以此提醒觀眾，少年的愛、渴求、身份認同或性慾流動，就算再暗潮洶湧，都是不能曝光的秘密。
再以《親愛的房客》來說，時間軸拉到近代，就算仍飽受偏見、歧視，同性戀群體的權利卻有重大的挪步，飽含著滿滿的希望。為此，相較《刻在》，法蘭操刀的配樂，明顯較為輕靈，甚至有一種快要起飛的感覺，而這不光是要回應時代氛圍，更在呼應電影主題，救贖與重生，也因此，就算故事充滿悲歡離合，法蘭的〈在夢裏〉讓希望感總是相伴相隨。除此之外，交錯兩部電影的配樂使用比例，《親愛的房客》明顯是較為克制的一方，畢竟其敘事、節奏與演出，都相應更為內斂。
不過，電影配樂的運用，不會僅有補充，還能拿來擴充，例如《鐵達尼號》就是絕妙的例子；沉船之際，整個畫面充滿著慌亂、不安與恐懼，然若搭配上弦樂重奏，情緒層次則會再衍生出悲傷、心疼與不捨，就算這是考察史實所做出的安排，還是奏響出震撼的情感回饋，特別是〈Nearer My God To Thee〉這首歌，本身就帶有信仰的色彩，讓觀眾彷彿回到1912年，從旁見證到樂團的偉大與不朽—奉獻生命去演奏，即使害怕，也選擇利用優美的音樂，安撫一個個躁動、迷惘的靈魂。
最後，談到備受讚譽的電影配樂，必定得提《異星入境》這部作品，由於電影主軸為外星入侵，太空船的主題曲要能讓人感到陌生與科技感，可若有看過電影，就會明白電影講述的是溝通，而非戰爭，外星人其實沒有侵略性。故此，其配樂同樣不能讓人感到不適。為了滿足前述的設定，作曲人約翰約翰森利用循環錄音與剪輯，創造出「從小至大，再從大至小」播放的對稱樂曲，就像是一種圓潤嗡嗡聲，難以辨識它到底是什麼，卻又不會喚起惶恐，反而帶有一種和諧的禪意，讓人想到宗教樂器頌缽。
爾後，因應劇情發展的明朗化，女主角開始破譯外星人的語言，並解開規則與文法，同時，配樂開始發生變化，本來難以辨識的太空船主題曲，聽起來彷彿是人所發出的歌唱聲。若參照幕後花絮與Listening In的分析，太空船主題曲的主結構，原本就以聲樂為基底，再去混雜其它的樂器，換言之，陌生的嗡嗡聲，其實就是人聲的變形，只不過它以人們聽不懂的方式來呈現。
然而，我們突然聽懂，或說發現埋藏的人聲，則是因為電影在印證女主角的語言學習歷程，甚者，透此搭建出極度親密的共感，讓觀眾跟著女主角一同經歷語言的頓悟。除此之外，熟知電影結構的話，電影的開頭跟結尾，其實是貫穿在一起的，意即觀眾開場見證到的回憶，是指向未來的地圖，而當時選的音樂，則是馬克斯李希特的〈On the Nature of Daylight〉，其中大半的音樂結構屬於回文設計，就算倒過來聽也一樣，這正好完美契合《異星入境》的敘事結構。
再者，馬克斯李希特是以伊拉克戰爭與兒時經驗來打造〈The Blue Notebooks〉這張專輯，其中的代表歌曲，意即前面提到〈On the Nature of Daylight〉，宗旨正在透過藝術來倡議，鼓勵人們以音樂這種和平的形式，沉思暴力的徒勞與代價，以響應全球化反戰行動的訴求。同樣的，回到《異星入境》這部電影，其核心概念也是在強調溝通與交流，而非武力與侵略，猶如電影的經典台詞。
戰爭創造不了英雄，只會有更多的孤兒
我想，透過《異星入境》的例子，已足夠驗證電影配樂的力量與意義，它宛同電影的血肉。若拿掉配樂，就好像壓扁電影的維度，從三維變成二維，即使能夠經由演出與攝影來摸索故事，卻不見得能體悟到更深層的光影、立體與奧妙。
結語
在攝影技術發明前，音樂就已駐紮在人的心底，音樂的影響力不證自明，甚至能跨越種族的藩籬，化身成世界共通的語言；隨著樂符的一進一出，人的情緒潮起潮落，這些被科學家稱為空氣振動的現象，就是如此神奇，能夠幫助人甩開語言的禁錮，深潛至情感的殿堂。也因此，要讓人對於大白鯊感到恐懼，不用血盆大口，只要兩個緊湊的樂符，就足已繃緊人的頭皮。
歡迎大家一起分享你的經典電影配樂😆😆😆
參考文獻
- 《談電影音樂及當代原創配樂大師》──梁啟慧
- 《PAR 表演藝術 》──11月號/2017 第299期
- 《音樂與情緒反應》──蔡振家
- 《WIKIPEDIA》──〈Mickey Mousing〉
無主會客室由小毛小姐、癮君子、嘎拉嬉皮與歪文系共同經營，每周輪流發布文章，希望綜合影劇、生活、動漫、教育、臺灣文學等要素，開創出多元的日常關懷，本篇文章即為因應本月主題──【職人】而來的電影配樂探討，若想了解更多主題內容，例如前兩期主題寂寞與療癒，歡迎點擊以下連結。
【本月主題：職人】
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