〈敬啟者─後篇〉

02【宇宙】

02.1〖腳本與構圖〗

　　在這個章節中，我將先後說明聲音彼此在「空間中」與「時間中」的關聯。又我認為，雖然依照工作流程中的先後順序，「編曲」先於「混音」，然其二者在許多的概念上是無法拆分的。

　　但是，我認為聲音彼此在空間中的關聯較傾向於混音範疇，在時間上的關聯則傾向於編曲範疇；前者屬於靜態的畫面設計，後者則屬於動態的，時機與動機的具體表現。

　　若從電影製作的面向剖析，將一首歌視為一部電影；那麼混音可以說是每一顆鏡頭的「構圖」，編曲則像是「腳本」吧！

　　通常在撰寫腳本的時候，著重的內容可能是「對白」、「動作」、個別鏡頭「銜接」還有整體的「劇情架構」，但當下腦中常常也自然地浮現「分鏡畫面的構圖」。

　　這顆鏡頭中出現的「角色」、角色所「說的對白」與「做的動作」，甚至是不說也不做的靜默；而更重要的是，角色被安排好在某個特定時間點所發生的那些舉止想要傳達什麼？為了達到什麼樣的目的？

　　就在這樣的理解下，讓我們延續上一章的尾聲。

02.2〖宇─目光、磐石、鳥獸〗

「萬物皆散發光輝，便再也無一處閃耀。」

“Everything glows, then nothing shines.”

　　根據主從關係與功能性，我把空間中的聲音分成：

　　　　(1)自然地投入最多注意力的主要角色──目光

　　　　(2)穩定視聽並提供立足點的──────磐石

　　　　(3)襯托主角、使畫面更加豐富的────鳥獸

　　以現代流行音樂來說，在流行音樂之中的「主角」，通常為主旋律人聲(Lead Vocal)；因此若要將人聲置入空間之中，通常會直覺地擺在中間，因為它常被當作流行歌的焦點。而如果人聲合聲(Backing Vocal)加入，我們則習慣將他們擺在側邊，因為它們被訂定為陪襯的角色。 因此，我們可以很快地得出第一個結論：

「主旋律(Lead)在中間(Mid)、合聲(Backing)在旁邊(Side)。」

　　再來，依照「功能性」，我們經常性地將低頻與節奏樂器置中：

　　(1)低頻較為「沉重」，平移至左右其中一側會造成失衡。(2)低頻穩定的特性作為其他頻率的基礎，於中心守恆的低頻使整體更加集中，同時為其他樂器留出了兩側的位置。(3)以建構節奏為功能的樂器，如：大小鼓(Kick&Snare)、貝斯(Bass)通常會擺在中間；原因是綜合(1)、(2)兩點中提及的恆定與平衡。

　　作為配角功能的聲響在英文中稱作「Fills」，他們通常為中高頻率的聲響。但要如何判斷這個東西是不是「Fills」呢？只要將它從歌曲中抽離，看看它對整體影響的程度，是否形成歌曲主結構巨大的缺口。許多只有一把刷和弦的木吉他與一軌人聲的民謠歌曲(Folk)就是沒有Fills的。

　　最後強調，並沒有規定什麼樂器只能擔任主角、什麼樂器只能作為配角。我認為只要聽起來適當、平衡，便可以依照設計讓某個聲音待在安排的位置，讓它在限定的時段中扮演主要的領導角色。

　　在這裡作一個小小的結論，在空間之中：

　　　　．負責穩固基礎的是低音與主要節奏創造者

　　　　　　如：大小鼓、貝斯……等。

　　　　．負責填滿空間、具襯托功能的是「Fills」

　　　　　　如：具較長聲音延展性的銅鈸、副節奏的吉他單音……等。

　　　　．負責敘事、具焦點功能的是「Lead」

　　　　　　如：主旋律的人聲或吉他、單音合成器……等。

　　我想要在此打住，對於「空間的」不再更深入地說明；理由是，若要繼續探究下去，勢必會牽連到「時間的」。如02.1〖腳本與構圖〗中所提及二者之間的關聯，我將第二章〈敬啟者〉視為「概論」。所以關於空間，我們先談論到這裡，接下來是關於動作與對白，時間與動機的。

02.3〖宙─微觀的決定〗

「世界遵守著一種規律。是當你踏進擁擠的電梯，

而在開口要求之前，旁人已為你空出了位置。」

　　編曲行為是你必須決定

　　「(2)具有某聲音特性的(1)數個聲音在(3)特定時間點出現。」

　　如果從電影腳本中的元素「誰（們）」、「何地」、「何時」來看，那麼「誰（們）」就是我們要安排的數個聲音；基於這些聲音具備著不同的特性，自然地會出現在空間中的某個地方，也就是「何地」；選定了這些聲音後，至關重要的就是它們「什麼時候出現」，也就是「何時」。

　　而在安排這些聲音出現的時間點時，出現了第四個元素：

動機（Motivation）

　　你或許有能力不加思索地將所有聲音都安排在適當的位置，而不曾考慮過它們存在於此的「動機」，一切憑感覺行事。

　　若你能夠將聲音們一次到位地放置，也許是過去時常有意識地聽音樂，將注意力放在許多微小的細節上，這是一種非常好的練習。當然，如果我現在說「編曲就是靠感覺！」，這個專題就到這邊結束了吧。

　　所以馬上來討論以上諸多考量的「目的」：

表達

02.4〖宙─宏觀的決定〗

　　電影中的一個動作或是一句對白，它可能直接地表達了淺顯的意思，也可能是為了後續而鋪陳，或是一種貫穿整部戲的隱喻。同樣地，音樂中的每一種聲響存在的時機、調性與音程建構出什麼樣的情緒，或是它出現的時間點剛好與另一個聲響產生了呼應。每一種聲音皆蘊含多元的面向與詮釋的發展性，端看你將它刻畫成什麼樣的角色。

　　一部電影可以蘊含一個很深的哲理或情緒，而在音樂中也是如此。又或者說，「情緒」可能就是音樂的核心與目的。而能不能夠百分之百無損地傳達這份情緒最原始的樣貌，不僅是依靠詞曲創作，編曲也是達成此目的的利器。編曲編得好，即便不去聽懂歌詞，也能夠充分地感受到音樂中的氛圍感。

　　在開始編一首歌的時候，我的腦袋會有一張這個：

◎圖2.4.1〖情緒線範本〗

　　依照每個人寫歌的習慣不同，流程也不一樣；所以你未必會在一開始就在腦袋裡產生了一張情緒線範本。因為對我而言，情緒線範本並不需要如此具體，但心裡要掛念著它。

　　有人會先寫完詞曲並且設定好所有段落之後才開始編曲，而也有人（比如我）不理會詞曲，直接開始編曲，隨心所欲地寫完一段再寫另一段，兩種模式有各自的好處與盲點。

　　比如，對我而言，先寫完詞曲較容易被已完成的主旋律所牽制；在經驗不足或是對於實驗的嘗試還不夠大膽時，較容易侷限合聲的發展、導致節奏型態過於單調，或者自己最後發現每一首歌聽起來都好相似，跳脫不出框架的感覺。

　　而先編曲後填詞曲，時常容易加入過多的樂器，導致主旋律最後根本無容身之處。但因為我自己很習慣同時編曲跟寫詞曲，所以會在編曲的同時替我要唱的內容預留位置；也會先想好下一段想要切換的主角。之後的番外篇〈大獨裁司令〉裡會和大家分享我平時寫歌的一些習慣和小技巧。

　　回到主題，為什麼要有情緒線？目的是什麼？

• 設定情緒最高點與最低點、建構段落之間的情緒落差

　　─當所有段落情緒強度皆相等，那麼就沒有所謂強烈，反之。

• 設計情緒的流動

　　─根據想要表述的內容來決定在哪一個段落呈現

　　好了！走到這裡，讓我們再做一個小小的結論吧！

「『編曲』是指對於不同聲音出現時機的設計，其設計以個別聲音之特性、功能性及其存在之動機為考量，目的在於完善地『表達』情緒（或其他內容）。」

02.5〖宙─領導、恆定、嬉戲〗

　　現在你可以隨意挑選一首歌，閉上眼睛聆聽，並且抓到這首歌中最重要的元素、最穩定的元素，以及用來填滿空間的元素。接著嘗試在腦袋裡像Tony Stark一樣，想像它們依序地以VR投影的方式現身於你所在的空間。

　　以U2的〈With or Without You〉為例。這是一首角色十分鮮明的歌。可以聽到前奏出現「Keys（Arp）」、「Kick」、「Snare」、「Tambourine」，再來出現了「Bass」以及襯墊的另一組「Keys（Pad）」，然後是「Vocal」與「Electric Guitar」。

　　不論一首歌使用的樂器是什麼，根據他們自身獨特的音色而擁有一些基礎的功能；不過，這些功能不會因此受限，僅端看你想「以什麼方式呈現」使其「成為什麼角色」。比如，我能夠讓人聲「唱」一段旋律，那麼我肯定也能夠用任何一種其他樂器「唱」一段旋律。

　　雖然絕大多數的流行音樂中，人們耳朵最傾向接收的主角是人聲，但這並不代表一首歌的主角只能夠是人聲。所以，你也可以選擇在歌曲中的某個橋段轉換主角。

　　而什麼樂器應該在什麼時候出現？為什麼？

　　如果這樣的問題在一開始過於龐大，可以試著問自己：

　　　　–這首歌曲／段落中誰是主角？

　　　　–我所設定的主角是為了表達什麼？

　　　　–我要如何讓這個表達更OO？（任何形容詞）

　　　　–其他樂器如何達成該目的？

　　表達的方式有許多種，目的也各不相同；這邊先以概論的方式引導，讓大家對於這件事有初步的理解。由於本人樂理也十分地差勁，在這邊推薦大家去看好和弦。

　　聲響於空間與時間的編制中，並沒有什麼樣的設計是絕對正確的；僅僅是因為「通常」這樣子做，並不代表「一定」得這樣子做。而這兩件事情的目的其實都是一樣的。那就是！

平衡

03【結】

　　一切的出發點都是為了「表達」某種「情緒」。而「樂理」、「編曲」、「混音」，這三項工具，皆是為了讓我們能夠忠實地表達我們想表達的情緒，且在聽覺上以平衡為準則，呈現一首音樂作品。

　　下一章會開始針對「平衡」這件事情做更詳細的說明。

_{2023/11/12 20:38, do nothing, Taiwan}