這個疑問是怎麼來的？
這個問題在我求學的後半段困擾我好久，對，也是因為在荷蘭唸完藝術學院後，我想通了，一直想追求的自我表現和突破，對失敗的容錯低，在亞洲的產業和培育系統中相對貧乏，畢業後沒有相對應的生態和產業鍊能持續創作，所以毅然決然婉拒了系主任的讓我多待在荷蘭做創作的邀請。在台灣的求學過程裡，從念設計史，藝術史，到開始動手做設計，有個最主要的匱乏，我們接觸到的設計方法，沒有最前端探索未知的方法論。概念的形成，都是透過技法，臨摹產生，如果要設計一個音響，那就看市面上有哪些自認為很好的喇叭設計，拆解後，試著轉化成自己的草圖; 我們可以臨摹參考的，只有工廠和為了實用性質建造製作的物件，也難怪，很難有原創性的概念產生，尤其這個部分很難教，因為環境和思考方法都是線性的思維，看到最多原創的概念，都帶著小清新，描繪一個人沈浸在自我的世界裡，我很訝異，20年後我回到母校，在幾個學弟妹作品中，還是看到熟悉的影子。
當我還在學校念書時，我也很常沈浸在自溺的空間裡，可是飢餓和不足讓我一直往外面探索，不是為了解決問題的設計是什麼? 不是為了他人的設計是什麼? 這時，有個字進入我的眼簾：藝術，它在我的記憶都是油畫，水彩，那些充滿古早風情的繪畫，別誤會，我念設計的第一堂實作課，就是立體基礎，要用鉛筆畫石膏像，畫靜物，學會光和物體之間的關係，這兩者的根源其實是一樣的。在偶然的機會下，我發現了雕刻，發現了裝置，發現了許多立體的藝術創作，發現了當代藝術，意外打開了對這門學問的好奇，原來藝術可以不是平的，不是傳統的，不需要具象，不用替他人解決問題，但有一個點沒有變，就是藝術還是得感動他人，讓別人思考，啟發他人，就這個點，它就還是有受眾，得替讓他人產生情緒價值，如果想要在世的時候，活得好一點；但如果以此為出發點創作，那就失去了真誠 (authenticity)，慢慢喪失了藝術性。
當一個藝術家，不一定要讓所有人都產生共鳴，作品也不需要大家都喜歡，甚至很少有藝術家的作品能滿足所有人，或是感動全部的人，然而，有人欣賞;我想這是最低的門檻，有人願意展出;有人看得懂;有人願意收藏，這樣的培育和過程，至少要10年，而且還不一定能養活自己，這也是為何從事藝術創作的人很少，而在世的時候，能被所有人認可，更是困難，超越當代的創作，有時候還得忍受世人異樣的眼光，不過，這些以創作和靈感，不斷表現自己獨特的觀點的人，很難以忘懷那種極端專注、創造出作品的時光，那是一種非常安靜的時刻，心中的意念和手以及五感完全結合的狀態，而和內心對話的場景不會結束，直到製作出的東西，呈現自己內心理想的樣貌，而只有自己知道，對，就是這樣！
至今回想起來的那段生活，儘管獨自一人在異地，但所有的時間和空間都是自己的，常常覺得自己不屬於騎腳踏車經過的運河街景，可是又執著於這種抽離感，好像全身感知都打開一般，和環境合而為一。另外，也很喜歡藝術學校對於材料和技術的尊重，但更期望創作的人專注在自我探索和表達，每個工坊，陶瓷，金屬，織品，木工..都有技術人員，協助創作者學會怎麼將想法實現，但不是代勞，像我就學會骨瓷的材料特性，加工特性和製造特性，施作方法，因為我想要呈現的細緻、簡約、俐落感，可重複結合材料、和它在每個製作過程的變化，符合我想要表達的，堅硬與柔軟的衝突，所以我選擇了素燒的骨瓷作創作的基底，選擇石膏模具來塑形，並且在材料可改變的狀態下雕刻，最後燒結後縫製上皮革。這些都是反覆實驗產生的結果和過程，這時候還帶有一點設計的屬性在裡面，喜歡可複製，規律的元素，但開始想賦予每一個單元(每一片磚)不同的表現意義，這個靈感有和偶然見到，乾涸的茶漬產生了連結，不規律和規律的融合，一樣是矛盾的意向，而我喜歡這種脈絡。
2007 嘗試在瓷土上雕刻和縫紉
為何在台灣比較難產生靈感？
左下: 不同角色對創作的感受; 右上:藝術品和商品的價值關係; 右下: 靈感是如何產生的
靈感的來源很多時候，都是透過刺激物，這些刺激都是從外部產生，感知到，進入了淺意識，重組，成為了記憶或是夢境，各式各樣的刺激，這些解構；重組；融合或是裂變在腦裡不一定是序列式或是邏輯化的生成。如果刺激物都是不同的複製，那它的差異性不高，獨立程度不高，自然很難產生碰撞或是改變。
光影的變化: 去了法國，第一次從荷蘭做跨境巴士到巴黎，看著同樣的農田和樹木，還有城市中因為陽光照射角度而生光影變化，我秒懂了為何，藝術和美，在法國或生長在這片土地上的人會比較有感，連樹木的姿態，建築的稜角都有這麼多細小的變化和漸層。
藝術展和各種展覽的更新速度: 除了純藝術的典藏，像是荷蘭Rijksmuseum的林布蘭、英國的Saatchi Gallery、Tate Modern，法國的Musée du Louvre等。各式各樣的當代藝術展覽，音樂劇，演奏表演，大大小小的藝廊，對於新的東西接受度高，變化也快，每個禮拜都能夠接受到新的刺激，產生新的想法。
產生創意的方法: Design Thinking 就不說了，其實藝術創作有很多方式去做前期研究，譬如Image Collage, 透過圖像分類、整理、標籤、提煉出抽象的形容詞，加以聚焦情感的分類中，所有可能表現形式，找出方向，藝術創作的一開始不會有方向，沒有要解決誰的問題，創作者必須自己定義往哪去，範圍在哪，哪邊能有意義，哪些是想表達的，這些方向，也是在唸了藝術學院才學習到。觀察力也是很重要的一環，如何看，如何解讀抽象的元素和脈絡，然後如何表達它。
海島國家的桎梏: 人與人思考方式差異不大的國家，被海洋隔離的地理位置，外加出口導向的經濟模式，島嶼上生活的人民確實差異化不大，加上彼此溝通較微婉，很多隱藏的含義，這也導致了大家的思路都比較單一，也沒有太多碰撞和批判性的思考模式，自然每個人的創作理念都很容易從同樣的源頭產生。
最後附上一小段，創作論文裡面，比較設計和藝術的差異，有興趣的人讓我知道，我可以分享這篇帶著作品的論文。
那我最後做了什麼？
The Peer David’s Deer 2009
The Sketch of Peer David’s Deer 2009
現在回頭看到自己在art school 的最後一個作品，真的覺得那時的義無反顧和純粹為了追求自我表現的動機好強，怎麼畢業後回了台灣，到現在變得很市儈了呢? 社會化真的很可怕。
