繪畫的過程，是重新認識色譜的旅程。輕重深淺如何堆疊層次，看平面如何延展出前後、左右與上下的維度。
昨日選了一張自認為極度簡易的畫面來練習，正當我把握可以在兩小時內完成畫作時，卻沒想到在樹幹姿態與練瑜珈的肢體動作的筆觸上，栽了跟頭。
．藍天、海水與沙灘的漸層易於掌握，佔據了大部分版面，給了我一種順遂的錯覺。然而，當畫面來到那棵風格本該「減壓」、「不繁複」的樹時，挑戰才真正開始。老師要我從沙灘上開始扎根、往上延伸，我卻來回塗抹了無數遍。主要的樹幹該如何挺立？延伸的枝條該如何順應自然？那一刻，驚覺扎根扎得深，耗時萬分。
畫面裡的樹枝本就是走一個「減壓」、「不繁複」的風格，但當老師要我從沙灘上開始扎根往上延伸時，我卻來回無數遍。所謂主要樹幹、延伸樹枝，要自然的，還是不按規則的？
樹幹的顏色讓我琢磨許久。深咖啡基底，混入些許紫與深藍，試圖與背景呼應，但那種自然的混色感始終難以捉摸；樹幹的粗細更是兩難——太細顯得單薄不合理，太粗又怕搶了主角的風采。
最終，我們選擇了留白。留出空間，讓畫面呼吸，學著用「非邏輯」去對抗「過度描繪」的執念，這才與老師點頭定案。
至於那個渺小的瑜珈人物，展現的是「勇士二」指向前方的堅定。 老師指導我從頭、身、腳依序勾勒輪廓。沒想到，小人物的手臂該抬多高？腿部的線條粗細與角度該如何拿捏，才能表現出她腳踩薄墊、施力於軟沙灘上的抓地感。這真的需要素描基礎與空間結構的支撐，我一度想放棄，因為那看似靜止的動作，其實充滿了力學的細節。
這次的畫作練習讓我重新思考兩件事：
一是樹枝、樹幹與樹冠之間的共生關係。
二是人體結構的展現，以及如何讓肢體在畫布上「說話」。
課後，天色已晚，提著畫作回家。一路上風大得快吹散畫布，我盡力抓緊畫框，一方面固定著作品，一方面感受著風阻以及自身抵抗的力量。而我問自己，自然界中這種最無形的話語，那些拂過皮膚表面的力量與氣息，又如何在靜止的畫裡流動呢。
