我總是希望人們在看我的作品時可以看仔細點，我希望能帶來的是仔細觀看的欲望，而不是我把它們清楚展示出來。
——安妮華達
「法國電影新浪潮教母」之譽的安妮華達（台灣早年翻譯：艾格妮娃達）於2019年因癌症去世，而《安妮華達最後一堂課》則成為了她的為世人們準備的最後一部作品。縱橫影壇數十年的華達奶奶，總是給人親民，甚至是「潮」的形象。她的「潮」，除了晚年的酷炫棕紅漸層髮色之外，她總是願意去嘗試新事物、新觀點、新媒材、各種新的可能。
關鍵詞－「靈感」、「創造」、「分享」
《安妮華達最後一堂課》(Varda par Agnès, 2019)作為一部紀錄自己的紀錄片，她將重點聚焦在她歷年的作品上，而非她的個人生平或私領域。在創作上，她毫不藏私地分享了三個關鍵詞，也就是「靈感」、「創造」、以及「分享」，三位一體，缺一不可。她認為，先是有了生活上的啟發，接著思考運用何種方式將靈感具現化，完成之後也要不吝於與觀眾分享，貼近大眾，這樣的創作才有意義。對於不熟悉法國電影新浪潮流派的影迷，或許會有新浪潮等於晦澀難懂的刻板印象，進而望之卻步，但安妮華達的作品，除了題材、敘事、和呈現手法勇於創新之外，往往是溫柔且平易近人的。
劇情片－現實與意象的結合
對於年輕一代的觀眾，提到「安妮華達」這四個字時比較常聯想到她的紀錄片，例如《艾格妮撿風景》或較新的《最酷的旅伴》，因為她後期創作專攻紀錄片領域，早期劇情片的範疇反倒是進而研究才會接觸到。然而這並不代表她的劇情片遜於紀錄片，或是會因年代久遠而過時，而是各有各的風采。或許是因為沒有接受過傳統電影學院的訓練，才能造就出她獨特的洞察力，以及不被既有框架侷限的創意。
像是她早期最為知名的劇情片《五點到七點的克萊歐》(Cléo de 5 à 7, 1961)裡，大膽地將主觀時間（現實時間）與客觀時間（故事發生的時間）結合，使觀眾彷彿真的親眼見證了主人翁克萊歐得知罹癌後心境轉折的90分鐘。另外，在她許多電影中，也開始試著運用近似紀錄片的形式捕捉群眾最真實的面貌，或是請演員融入自己所飾演的角色之中。從劇情片時期，就可以看出她擅於將現實融於虛構作品之中的習慣和手痕。
紀錄片－紀實也寄情
雖然安妮華達在劇情片時期就已有紀錄片創作了，例如紀錄自宅街道生活的《達格雷街風景》(Daguerréotypes, 1976)和紀念同樣也是導演的亡夫賈克德米的《德米吾愛》(L'univers de Jacques Demy, 1995)，但讓她專注拍攝紀錄片的契機是一部眾星雲集但票房評價都「不太成功」的電影百年紀念影片《101夜》(Les cent et une nuits de Simon Cinéma, 1995)，使得她開始思考更多的面向。她提到，許多紀錄片導演習慣邊拍邊思考，自己則傾向先擬好架構，在搜集她想要的素材，雖然是紀錄片，但她有時也會運用劇情片的思維和情感，藉由影像傳遞出她想訴說之事。
在《艾格妮撿風景》(The Gleaners and I, 2000)中，她利用千禧年崛起的新科技——便於攜帶且較為親切的數位攝影機來記錄當代「拾穗者」的生活哲學，並從中反思當代撿拾與捨棄食品、物品背後的階級和環境議題。同時也受撿拾到的「心型馬鈴薯」啟發，創作了美術館錄像作品《馬鈴薯烏托邦》（此作曾來台展出，而華達奶奶本人也曾應2004年台灣國際紀錄片雙年展之邀來台）。在她的紀錄片中，不單單只是旁觀人、事、物，也能看見她對於這些東西的觀察和思考，並運用己身的溫暖和累積的智慧將它們型塑成一部部風格獨具的紀錄片。
安妮華達・最終章
從攝影師起家，再轉換跑道到短片、劇情片、紀錄片，甚至是美術館展品創作，安妮華達總是不斷的創造生涯的新可能。但不論作品或是人生，總是會有結束的時刻，以最後一堂課回顧並總結數十年創作生涯似乎再適合不過了。
作為最終章，《安妮華達最後一堂課》是一部新粉、鐵粉都適宜的一部作品：
對於對每部片都如數家珍的影迷，本片是華達奶奶對於從業生涯數十載的第一手剖析，可以了解個作品所賦予她的意義和軼事，看完可以更加了解她和她的作品；從未接觸過她任何作品的人也別擔心，一如華達奶奶的一貫風格，深入簡出之外，也極具親和力。在時長114分鐘的影片中，她對生涯、生命的回顧絕非枯燥的說教，而是可以看出一位資深電影人如何展現她對電影創作數十年如一日的熱忱、對創新的擁抱、以及對社會的細微觀察，進而得到補完多數作品的動力。
延伸觀影：
除了《安妮華達最後一堂課》外，Giloo本月推出了安妮華達的紀念影展，經典作品如《五點到七點的克萊歐》、《無法無家》、《艾格妮撿風景》等等，劇情片、紀錄片、短片作品都有一些，之前北影沒看到的話，這次可別錯過！
