文字／李欣恬
問：歌劇演唱和藝術歌曲演唱有什麼不同的技巧嗎？漢普森：哈哈，你們有人打網球嗎？以網球來比喻，草地、硬地、紅土，確實是三種不同的遊戲。但說到唱歌，我認為把歌者分成「歌劇歌者」、「藝術歌曲歌者」或「音樂會歌者」是不健康的，這是在浪費時間。我一直反對這種分類。如果你想成為專業歌者，就應該什麼都唱，什麼都試試。
就像我的老師告訴我的：「你的曲目就是你的世界。」年輕時，應該盡量探索所有音樂類型。歌劇和藝術歌曲的音樂語言當然不同，比如莫札特和波特（Cole Porter）的作品，創作目的和表達方式完全不一樣。我唱莫札特時，希望聽眾感受到角色的深度；唱波特時，則希望帶來輕鬆的愉悅。但核心是，用你自己的聲音去唱，忠於音樂的本質。
藝術歌曲對年輕歌者尤其重要，因為它們要求文字和音樂的連結非常緊密，情感表達更直接、更親密。這能幫助你找到聲音的精髓，進而應用到更具戲劇性的歌劇中。總之，別把自己侷限在某個類型，找到文字和音樂的關係，這才是關鍵。
問：您指導不同文化背景的歌者在學習演唱時，會有哪些差異嗎？比如亞洲和西方的歌者，有什麼不同？
漢普森：這是個很棒的問題！不同文化對「自我」的理解會影響演唱方式。在亞洲，特別是你們的音樂傳統非常旋律化、優美，你們容易被音樂的美感吸引，但有時可能忽略了背後的文化符號或哲學意涵，比如德國浪漫主義中的「浪漫反諷」（romantic irony）。這種美感不只是為了好聽，而是有更深的意圖。
我對教學很有興趣的一點是，快速理解學生唱歌的「動機」來自哪裡。比如，當你學習德國藝術歌曲時，我會試著了解你的文化背景如何影響你的詮釋。最終，聲音、語言和文化就像稜鏡，讓人性之光透過它們綻放。就像詩人托尼·莫里森（Toni Morrison）說的：「我們之間的相似之處遠多於不同之處。」這是音樂的普世價值。
尤其在當今世界，政治和視覺文化主導了太多話語，但音樂和藝術能提醒我們人性的本質。我們作為藝術家，應該在公共場合大聲傳遞這一點。文化差異是學習的一部分，但最終，唱歌是關於如何用聲音觸及人性。
問：在舞台上詮釋激烈的情緒，比如演了三個半小時的邪惡角色，下了台怎麼回到正常生活？
漢普森：這是個很實際的問題！簡單來說：「舞台上的留在舞台上。」比如：《漢賽爾與葛蕾特》中的巫婆，或《托斯卡》中的斯卡皮亞。這些角色自大、虛偽，甚至殘忍，但在舞台上表演者得完全投入。好比斯卡皮亞，他聰明、操控一切，表面上帶著微笑，但內心冷酷無情。有一場戲，他對托斯卡說了可怕的話，唱到高音時崩潰，而他把手插進口袋，彷彿說：「我贏了。」這一刻非常震撼。
但下了台，我和搭檔會擁抱彼此，確保對方沒事。排練時，我們會反覆練習這些情緒，直到能自由進出角色，不被它影響。音樂和表演有時會深深觸動我們，讓我們幾乎無法承受，但這就是為什麼要「練到爛熟」。
作為公開表演者，你必須保持一顆溫暖的心，同時學會在舞台上「假裝」。這就像劇場大師約翰·吉爾古德（John Gielgud）說的：「劇場是自願暫停懷疑。」你得讓自己相信角色，但也要能抽離。
回到生活，我有我的「基地」。對我來說，每天需要見到、觸摸、交談的人很重要。我從一個人開始，現在變成四個孩子和五個孫子，確實越來越複雜！但這是平衡的關鍵。無論舞台上多激烈，回家後我還是那個想讓家人舒服的自己。
