張清泓 2026.03.11
「過去，在罅隙之中苦苦追尋那一束指引流光；如今，它學會了在那道斷裂的紋理中，開出一朵婉約如釋的蓮花生」。
「隱藝術」的光影帷幔 （ 拍攝 筆者 ）
在藝術的漫流長河，台灣極少有人能如藝術家 張國治先生，能將詩人的敏銳感知與畫家凝視深淵的哲思，如此緊密且互為表裡地交織在一起。作為一位橫跨文學、攝影、繪畫的集散之家，其作品的核心母題始終離不開故鄉「金門」—那個承載了他少年時光、戰地記憶、邊緣身份以及歷史情愁的原鄉。他無時不刻，能讓人深刻感受到，一位人文主義者的創作溫情，亦是一位感受生命持續流動的觀照者。
張國治 《 斷裂詩境 》2026 （ 拍攝 筆者 ）
近日，國治先生發表了他在繪畫上的最新力作，以「斷裂詩境」為題，延續一年半前在Ｍ畫廊的「穿越罅隙之光」，於桃園「隱藝術」空間展開了另一場生命的延異。他以「斷裂」之名，開展自我對話的同時，我們可以思考到，「斷裂」（Rupture / Fracture）在哲學、社會乃至於藝術創作之中，都是一個極具張力的詞彙。它不只是物體上的損耗、崩裂，更是一種存有狀態的跳躍或不連續。從存在視角，斷裂是個人與「日常慣性」的脫離，當原本賴以維存的社會角色、價值觀突然失效或面臨崩解之時，人會感受到一種深淵般的跳脫感，這雖然帶來了焦慮，卻也是反射「真實自我」的深刻體察。
如果生命是一首樂曲，斷裂就是樂章之間的空白，它讓你無法再依賴過去的成就經驗或行為模式，自然逼迫你停下來檢視原有的核心。在意義的剝離上，這是一種「本質還原」，當我們與外界的聯繫斷裂之時，才有機會看見那個不依附於任何職稱、或者已取得的成就。雖然，面對斷裂是痛苦，因為它正打破長久以來自我認知的偽裝，尤其，在藝術創作中，許多大師的轉變期都伴隨著生活遭逢巨變的斷裂感。這也代表「舊」的我，已經不足以承載當下的生命體驗，必須透過斷解分裂，才能生長出新的邏輯，而「斷裂」是重新縫合的開始，亦是轉化契機。
國治先生提及，本次的展覽新作，對於「斷裂」意旨，自有一番不懈的人生體悟。這一故事，源自於他中學時代對金門老家「柑仔雜貨店」木製門板拼合的深邃記憶。金門或台灣鄉間早期柑仔雜貨的店面，正門是以「木板門擋」（又稱拆卸式門板、排門板）作為正堂大門。營業前，店家一片片拆下卸除，靜夜之後，再一片片拼湊合攏，這種門框結構與商號經營，與國治先生早年的內心狀態有著深刻的隱喻關係。
（ 雜貨店門擋示意圖 ）
在藝術家自身的觀察中，柑仔店的門擋縫隙不僅是木板，它是「保護」與「阻絕」的二元概念。雖然，這是一種強迫性的閉合，將戰地金門的物質匱乏與動盪隔離在外，對國治先生而言，這層木板代表了在封閉的成長環境中，於金門成長、後來離鄉赴台，此種「被木門阻隔」的經驗，轉化為他藝術創生中對「邊緣與主體」的長年辯證。他試圖透過作品呈現去拆開這些沈重的木板，從罅隙中窺探新世界，將青春的壓抑轉化為藝術爆發力，而門擋，自是他作為面對現實與詩境畫意的臨界線。
《斷裂詩境》探討的是如何面對縫隙之後的破碎。如同，他寄養家庭的雜貨店木門，被「拆卸—重組」的過程，在他眼中與藝術創作的過程不謀而合。破碎即是結構，就像柑仔雜貨店，每日清晨拆下門擋，晚上重新組裝，日復一日的無意識循環。然而，面對日後生命中的低谷（如：喪親、理想、體傷），拼組的過程中，也會是一場強制性的回歸整理。藝術家以門擋作為記憶，他不試圖去「修補」那些痕跡，而是像「金繼」修復技巧一樣，將斷裂處視為新的紋理（亦如皴擦法運用在繪畫中）。更可以聯想到，他與養父母在青春歲月階段，不間斷地一起協同把家門重新拼裝。由此，門擋的隱喻，殘缺與磨損之間，在國治先生眼中自是「時間留下的包漿」，他將這些日常物件的斷裂，視為拒絕主流、以尋回自主思考的宣言，他不再追求完美，但另生的是，在「斷裂之處」與自己和解。
審視國治先生近年的創作軌跡，我們得以窺見一種深刻的生命辯證：他從早先面對不可控時代災難時（Covid-19），透過外向追尋以渴求救贖的「罅隙之光」，演進至後來因身體病痛的生活沉澱，轉向內在安頓、擁抱不完美的斷裂跡痕。這種從「追尋」到「接納」的轉變，並非簡單的情緒更迭，而是一場生命主體性的流變凝鍊。
彩筆下的獨白對語 （ 攝影 筆者 ）
國治先生的創作，始終是「詩意」與「視覺」的共生體，可以說是，詩性與畫意的互文。作為詩人，他擅於以高度濃縮的意象構築世界；作為畫家，他則以肌理、色彩與結構將抽象情感具象化。在他的作品中，文字與畫筆從來不是兩條平行線，而是互為註腳的對話。當他拿起畫筆，是在書寫一首關於視覺的詩；當他提筆撰詩，則是在繪製一幅靈魂的地圖。這種跨媒介的交互作用，賦予其評論一種獨特的維度，即在時空碎裂的當下，探尋主體安身之所的哲學途徑。
筆下自由的漫步 （ 拍攝 筆者 ）
回溯2024年的《穿越罅隙之光》系列，我們看到的是一面在幽暗之中極力捕捉微光的透鏡。此時期的藝術，是對人性集體焦慮與對渴望出口的深刻回應。就社會現象學層面而言，當時的「光」呈現出被動性與指引性，對於被隔離、封控所籠罩的世界而言，「光」不是創作者主動創造的華麗色彩，而是他在坑道與都市叢林之中「發現」生存契機。在深邃的暗部比例中，光束的強行切入打破了空間的窒息感，這是一種典型的心理防衛機制—國治先生透過對光的捕捉，尋求向上的騰挪空間，指向後疫情時代的集體救贖，而微弱曙光，終究會迎來生命的餘脈。
此時的「罅隙」既是阻礙，也是連結；而光，則是穿越後的終極。這種對外部救贖的依賴，構成了該階段藝術創作的核心動力，然而，這其中也潛藏著脆弱性：若光消失，主體是否會再度陷於黑暗？這種對空間邊界的敏銳感知，卻無意間成為了他日後邁入「斷裂詩境」時，最關鍵的切入。若《穿越罅隙之光》是一場激昂的遠征，那麼隨後的退休生活與發生體傷的骨折意外，則是一次面對生命節奏趨緩的漫步。當肉身的崩解逼迫藝術家從對外物的追尋，也必然使他再次轉向面對自我的省思。
於是，他可能不再執著於光束指引，隨著繪畫筆觸之慢，他的手感變得沉著與悠遊，如同莊子所說的「虛室生白」，無意之間，畫作中所保留的裂縫獨白，這些不再是等待救贖的缺口，而是讓「斷裂」本身作為主體存在，靜默地呼吸。或許，國治先生將身體的傷痛過去，定義為生命的「必經之途」，這種通透，讓他完成從「主體掌控客體」到「與世界和解」的生命跨越，從《 斷裂詩境 》之作，內心火山之苗，已然為他日後引吭高歌。
張國治 《 斷裂詩境 》2026（ 拍攝 筆者 ）
當我們將2026年的《斷裂詩境》之作與兩年前的作品並置時，可以試探差異顯而易見。2024年，《穿越罅隙之光》自有一種暗淡的輝光，轉瞬之間，2026年的作品，不再有明確的光線指引，取而代之的仍是層層堆疊、交錯，且在碎片中達成平衡的構造，而色感突出，更能感受到藝術家迎向新生的一種純厚。畫面將斷裂視為結構性之美，色彩與筆觸如同地層剖面與時光積澱，形成了一種「靜默的共處」。藝術家不再嘗試逃離，而是選擇浮出，這一種碎裂不再是痛苦的傷口，而是一種經過消化後、具備禪意的生命質地，完美地體現了道家「物化」境界，不必再執著於「光」是否照進，而是讓裂痕成為光最美麗的歸宿，體現出結構的自足與靜謐的安頓。
綜觀國治先生這兩、三年的創作歷程，他完成了一次從對抗「病噬無常」到「擁抱常在」的深刻躍遷。在台灣當代藝術脈絡之中，他佔據了一個極為特殊的坐標：以詩人的敏感度，打破了傳統繪畫對敘事完整性的追求，並將這種對空間的翻譯轉化為台灣在後疫情時代的心靈集體寫照。 如今，在他六十耳順後，七十從心所欲不逾矩前，他仍奮力不懈地持續創作，與自我心靈的原初對話，提供一種帶有人本溫度與哲思性的生命意境。或許，藝術不必然要為市場服務，但從國治先生的藝術起始路徑，可以明證到，藝術不必然是救贖工具，但它本身就是具足的生活，即便在生命拼湊的破碎之中，他仍能構築出一座自由的堡壘。他作為詩人與畫家，所留下的不僅是畫布上的層次，更是一份面對變動時代的生存勇氣，一種承認生命終究會「斷裂」，卻依然負重前行，找尋生命況味的泉源，為藝術而藝術的自然優雅與重建意義的詩性姿態。
對他而言，創作生命，自是一場人生不斷流動的饗宴，“ 天意昭炯，咀嚼獨行，天地雖不容意，心安即是歸處“。 或許，此願生足矣也。
