#91 那些旅行社不愛排的地方系列||MOA美術館(3)-鎮館之寶

鎮館之寶:一座城、一只茶壺、一面屏風

MOA美術館的館藏以東洋文物為主，包含了繪畫、墨寶、各種工藝品、佛像雕刻等，不僅收藏種類廣泛，且保存狀態都非常良好。在眾多的收藏品中，最常被他們拿出來說嘴的大概就是三件國寶了，分別為一座城、一只茶壺、一面屏風。

1.一座城:手鑑《翰墨城》

先說說我最沒有慧根體會、最沒感覺，但好像很珍貴的國寶《翰墨城》吧。所謂的《翰墨城》其實不是一座真的城，而是一本網羅自古至今書法高手書帖的葵花寶典。你可以想像過去在我爸媽的年代會蒐集明星的剪報一樣，日本在室町到江戸時期，開始流行將自己欣賞的書法家字帖蒐集起來，並將其剪貼成一本葵花寶典，以便隨時翻閱與欣賞，而這樣的書就被稱為「手鑑」。《翰墨城》則是由江戶時代的古筆名家古筆了仲，匯集了許多自奈良時代以來的名帖所製成的「手鑑」，因為整本書的內容就像以翰（筆）與墨所築成的城堡一般，故將其命名為《翰墨城》，是日本現存的古筆三大手鑑之一。如果對書法有研究的朋友，建議可以到現場去看看真跡，也歡迎與NANA濕婦分享這本手鑑的厲害之處喔。

2.一只茶壺:《色絵藤花文茶壺》/野野村仁清

首先我們可以先看一下這只茶壺的外觀，在壺的上方開口旁有四個像掛勾一樣的地方，由此推測壺口上原本應該是有蓋子的設計，而這四個像掛勾的東西則是用來穿過繩子以固定蓋子時使用。這樣的壺早期在中國是用來裝運辛香料時使用的，傳到日本之後則改用來裝盛磨製抹茶粉之前的茶葉使用，所以才會稱之為「茶壺」，是日本茶道中不可或缺的茶具之一。

在江戶時代之前，製作這種陶器的技術者多是從中國或朝鮮來的歪國人，所以在國內流通的陶瓷器也多為舶來品。到了江戶時代之後，日本的技術逐漸純熟，慢慢也研發出陶器上釉的技術，起初多以藍、紅色為主，後期則仿造漆器的蒔絵（まきえ）技巧，開始在陶器上使用金箔、銀箔等，因此陶器上的圖騰與花樣也越來越趨華麗，這種在陶器上上色釉的作品，我們又稱之為「色繪」。

我們眼前這只《色絵藤花文茶壺》，顧名思義就是彩色版畫有紫藤花紋的茶壺，燒製這只茶壺的人，是出生於京都的野野村仁清。他曾經到名古屋附近的瀨戶學習古窯瀨戶燒的燒製技巧，後來回到京都之後，就在京都的仁和寺附近開設自己的工作室。原名叫做清右衛門的他，取了自己名字中的一個字「清」，加上「仁和寺」中的「仁」字，組合成自己用來闖蕩江湖的藝名「仁清」，並且在自家出廠的作品底部都印上了自己的藝名「仁清」兩字。這樣「屬名」的動作，在當時是非常創新的，在這之前從來沒有人這麼做過，也表示從他開始，陶藝界開始有了職人的品牌意識，除了表示對自己出品的東西有信心之外，同時也是一種行銷的手法。當然，現代的考古學者應該也非常感謝他，因為不用花這麼多的力氣去考究到底哪個東西是誰做的XD。

或許你會問，那這只茶壺到底厲害在甚麼地方呢?目前，在日本的國寶清單中，只有五件是陶製茶壺，而這五件國寶裡頭，又有兩個是出自於野野村仁清之手，然後其中之一，現在就在你眼前，這樣講完好像就覺得它厲害了不少吧?仔細看看茶壺上的花紋，從紫藤的花苞、藤蔓到綠葉，即使是分布在這個曲面的茶壺表面上，但無論從哪個角度看都讓人覺得比例勻稱合理，且以當時來說，在同一個茶壺上同時使用了紅、紫、綠、金、銀等多樣的色釉，是豪厲害的傑作啊。據說MOA美術館的創辦人岡田茂吉一直都非常想要這只茶壺，用盡了畢生的力氣尋找並將其弄到手，終於，這只茶壺在他過世的前兩天總算寄到了他的眼前，算是沒有留下遺憾了。也因為如此，相較於其他的館藏，這只茶壺除了是國寶之外，對於岡田茂吉以及MOA美術館來說，可說是別具意義。為了讓更多人可以欣賞到這只茶壺，MOA美術館特別給了它一間獨立套房做展示，也就是上一篇我們提到，新素材研究所以四面黒漆喰牆面所設計的小房間。同時，其它的展品會隨著換展而不斷輪換，但這只茶壺則是唯一、無論你何時到MOA美術館都能看到的國寶。

3.一面屏風:《紅白梅図屏風》/尾形光琳筆

在MOA美術館的三件國寶當中，讓我最感興趣的可能就是這一面屏風了，原因很簡單，因為這幅作品的靈感，來自於一面能不斷在不同時代觸發創意的屏風《風神雷神図屏風》，甚至到現代都還有不少藝術家在這面屏風上做文章(註1)，真的是非常有趣的作品。因此，在介紹這面《紅白梅図屏風》之前，NANA濕婦想先跟大家簡單地介紹《風神雷神図屏風》與其畫派。

大家可以先看看上圖的《風神雷神図屏風」們，你會發現，怎麼每一幅好像很像，卻又有點微妙地不同?沒錯，這一系列的屏風繪都是由「琳派」的繪師所繪製而成。「琳派」這個畫家集團最早開始於江戶初期(17世紀)，但其實「琳派」這個名詞是近50年來大家為了方便稱呼這個畫派的作品而命名的，在當時並沒有一個很確切的名稱。上圖中左上角的俵屋宗達被認為是這個畫派的開山祖師，換句話說，最早的《風神雷神図屏風》正是他畫的。

江戶時期比較廣為人知的畫家集團，應該是幕府與達官貴族們的御用畫家集團「狩野派」，但「琳派」之所以能另外自成一格，甚至後來跟浮世繪一樣紅到歐美國家去，甚至也影響了國外畫家的畫風(註2)，主要在於以下幾個創新:(1)開始採用金、銀、雲母等礦物顏料，使作品的彩度與明度都比「狩野派」多了一種「雅」的感覺，作品的裝飾性也來得更為強烈；(2)不再強調物品的輪廓描繪，而是用滴墨(たらしこみ)的方式任墨水自由暈染，創造出模糊卻自然的界線，因此墨色的運用技法也是「琳派」作品中的亮點；(3)與「狩野派」不同，「琳派」的繪師並非同一時代、同一家族所構成的，而是由不同年代的繪師，藉由臨摹先代的作品，並加上自己的創意後，產生出新的創作(上圖中每個畫家幾乎都相差了一個世紀)。換句話說，他們拜師學藝時，從來都沒有直接面對老師本人，而是直接面對作品，並透過不斷地臨摹來學習的，這一點真的是太神奇了。

在上面一系列的《風神雷神図屏風》中，18世紀的琳派繪師尾形光琳可說是整個畫派中的代表畫家，這也是為什麼這個畫派被稱為「琳派」的原因。他除了一樣臨摹《風神雷神図屏風》之外，在MOA美術館中的《紅白梅図屏風》更是他生平最為人知的傑作之一。而NANA濕婦刻意把這兩幅作品擺在一起，是為了讓大家方便比對。首先，我們可以先仔細看看《紅白梅図屏風》中的構圖，左邊的白梅是一顆長到圖外面的高大的老梅(梅花的輪廓雖運用滴墨技巧而界線模糊，但梅花的蕊卻非常清楚的描寫出來，這種畫風的梅花被稱為是「光琳梅」)；右邊的紅梅則是年輕的梅樹，一心想要往上長的感覺；在兩棵樹的中間則為流水。接著，我們可以試著把《紅白梅図屏風》中的河流拿掉，你會發現紅白梅的大小、位置幾乎就是對應到《風神雷神図屏風》中的風神與雷神，由此可以判斷，這幅《紅白梅図屏風》應該是尾形光琳在摹寫完風神雷神圖之後所創作的作品，而且透過兩棵梅樹中間的水流，更加強整幅屏風的「動(流水)與靜(梅)」、「明(金色背景)與暗(水流)」的對比。怎麼樣?是不是開始覺得這面屏風更有趣了呢?

為了慶祝MOA美術館改建落成，杉本博司也以他慣用創作方式「攝影」，呼應《紅白梅図屏風》而創作了一幅名為《月下紅白梅図》的黑白色階屏風作為開幕紀念。他用相機拍下國寶《紅白梅図屏風》之後，以黑白照片的方式呈現出梅樹在月色下的模樣，月光下的紅白梅閃閃發亮就像星星，而中間的水波紋則波光粼粼好像真的在流動一般。如果硬要說的話，杉本博司應該是用另一種形式加入了「琳派」這個創作集團了吧XD。

以上，我們用了三篇的篇幅，先是介紹了MOA美術館背後的神祕宗教集團，接著則分別針對美術館的建築空間、內部的鎮館之寶有了比較初步的了解，希望對喜愛日本、喜愛杉本博司、喜愛琳派、喜愛美術館的你們有所幫助嘍。

註1:2015年，超級瑪莉歐兄弟遊戲適逢30歲生日，而這一年也是「琳派」創建的400年紀念，因此，跟琳派同為京都出身的任天堂公司，便請來日本画家山本太郞，幫他們仿造了琳派的《風神雷神図屏風》，繪製出一幅《馬利歐與路易吉圖屏風》，這創意實在是太可愛又幽默了。

註2:琳派的藝術作品，在十九世紀開始傳入歐洲，就跟浮世繪一樣被當地的藝術家視為瑰寶，也進而影響了他們的作品。例如下圖奧地利畫家克林姆特的代表作《吻》，畫中以金箔、銀箔的裝飾風格，應該也是受到琳派作品的影響吧。

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