從拉斐爾到梵谷：奇美博物館藝術展覽回顧

前天一早，我來到奇美博物館，迎面而來的是一條看不到盡頭的長龍，真是讓人吃驚。幸運的是，朋友早在網上幫我搶到了門票，得以免去排隊的煩惱，直接走進這場藝術盛宴。

這次展覽精心規劃了四個展區，帶領我重新認識了許多藝術大師，彷彿展開了一場穿越時空的藝術之旅。大學時主修西洋藝術史，那些艱澀的名詞和複雜的藝術流派，總是分不清文藝復興繪畫跟巴洛克藝術，我總是用「硬背」的方式勉強應付考試。如今，站在這些經典作品面前，曾經熟悉的知識彷彿又重新鮮活起來。

這次展覽讓我得以重溫大學時學習西洋美術史的樂趣，同時也讓我深深沉浸在這些藝術大師所營造的浪漫氛圍中。即使不是藝術專業出身，也能從這些畫作中感受到濃厚的歷史氣息。每一幅畫作都是一個時代的縮影，反映了當時人們的生活方式和思想觀念。

由於展期接近尾聲，而且現場已停售門票，所以我就不再分享展覽的具體資訊，直接進入觀後心得的部分。

從拉斐爾到梵谷：英國國家藝廊珍藏展

世界頂尖美術館－「英國國家藝廊」，200年來首次來到台灣，帶來了前所未有的重量級巨獻！讓藝術愛好者得以近距離欣賞拉斐爾、倫勃朗、梵谷等大師的經典之作，彷彿穿越時空，身臨其境地感受西洋藝術的博大精深。這是一場難得一見的藝術饗宴，50位大師的原作齊聚一堂，為台灣觀眾呈現了一幅跨越四個世紀的西洋繪畫全景圖。

這次奇美博物館《從拉斐爾到梵谷：英國國家藝廊珍藏展》總共有四大展區，依照西洋繪畫史的時間排序：人文的甦醒、從王室到平民、探索與創造、光線與色彩。

第一單元

人文的甦醒：歐洲文藝復興繪畫

在西方藝術史中，十四世紀起始於義大利的文藝復興具有舉足輕重的地位。相較以宗教為中心的中世紀，「文藝復興」代表人們對於古希臘羅馬藝術的嚮往，藝術審美觀也從原先由神所支配的世界，改為以人本為中心。

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這展區展示的作品最多，又分三個不同的代表：波提切利和十五世紀義大利繪畫、拉斐爾和義大利文藝復興、楊．荷賽特與北方文藝復興。

畫展中的作品展現了對人物輪廓的精準描繪，尤其是在肖像畫中，人物的服裝材質被表現得極為細膩。文藝復興時期的人文主義思想強調個人價值和尊嚴，這在肖像畫中得到了充分體現。這些畫作不僅展示了人物的外貌，也反映了他們的財富、地位和社會影響力。因此，只有貴族才有機會被畫成肖像，以彰顯他們在社會中的重要地位。

第二單元

從王室到平民：巴洛克繪畫

十六至十七世紀的宗教改革運動，間接促成巴洛克藝術風格的流行。畫家以生動的色彩與戲劇性構圖，為宮廷與教堂增添華麗的氛圍。新教國家因為商業繁榮、中產階級興起，藝術家的創作題材變得十分多元，包含人物肖像、常民風俗、靜物與風景等。

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這個展區展示的已不再是宮廷肖像畫，而是題材多元的作品，其中包括社會人文主題，尤其是那些描繪市井小民的風俗畫，讓我對17世紀人們的生活有了更直觀的認識。畫家們巧妙運用光影和色彩，將人物的表情和動作刻畫得栩栩如生，彷彿將我們帶回了那個時代。這種體驗讓我彷彿穿越回到過去，一目瞭然地見證了當時的生活情景。

第三單元

探索與創造：壯遊風潮 

十八世紀英國盛行「壯遊」，貴族子弟除了結交歐洲貴族、融入上流社會，也透過接觸古代與文藝復興時期的藝術增進自我藝術涵養；同時，委託當地畫家作畫成為一種風潮。壯遊帶來的文化交流，促使藝術家探索新的繪畫技巧，在英國尤為明顯。

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壯遊者接觸了義大利的文藝復興和巴洛克藝術，並將古典主義的理想與美學帶回英國，影響了本土的藝術風格。在壯遊過程中，貴族子弟對歐洲各地的自然風光產生了濃厚興趣，直接促使了英國風景畫的興起。

作為18世紀英國貴族教育的重要組成部分，壯遊不僅塑造了個人的文化修養，還透過藝術收藏、新古典主義的傳播及風景畫的發展，深刻影響了英國乃至整個歐洲的藝術和文化。

因此，這個展區主要展出了風景畫，充分展現了當時人們對旅行的熱愛，以及這種熱情對藝術潮流的深遠影響。

第四單元

光線與色彩：印象派繪畫

印象派興起於十九世紀晚期的巴黎。這個名詞最早來自對一群藝術家不以為然的藝術評論；主要代表人物包括馬內、塞尚、雷諾瓦和莫内。印象派畫家通常採用鮮豔的筆觸，強調光線變化的效果，以不同於常規的題材來作畫。

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印象派畫家不再追求精確的描繪，而是透過短暫的筆觸和色彩的堆疊來表現物體的形狀。這種手法使畫面產生一種模糊、朦朧的效果，更接近人眼對事物的真實感知。簡單來說，印象派作品直接展現未經修飾的自然景象，與傳統繪畫形成了鮮明對比。雖然完美主義者可能難以適應這種風格，但也不得不承認這正是當時的藝術潮流。印象派挑戰了當時學院派的僵化規範，主張藝術家應自由地表達自己的情感和對世界的觀察。

觀後心得：藝術風格的演變與現代藝術的探索

四大展區透過不同時代和流派的大師作品，引領觀眾從文藝復興到印象派，了解西洋繪畫史超過400年的精華。在第三展區，肖像畫明顯減少，風景畫和靜物畫佔據了主導地位。

在文藝復興時期，肖像畫主要為貴族、皇室和教會領袖等上層社會人物所作，他們有能力委託畫家為自己創作，以彰顯地位、權力和個人特徵。這類作品通常用於展示個人的社會地位和家族榮譽。

隨著時間的推移，中產階級的崛起和繪畫技術的進步，使肖像畫在更廣泛的社會階層中流行。到了16世紀，商人、學者及其他富裕市民也開始委託畫家為自己或家人創作肖像。這一趨勢在巴洛克時期（17世紀）和洛可可時期（18世紀）持續發展，肖像畫逐漸成為普遍的藝術形式，不再局限於貴族。然而，隨著相機的發明，委託畫家創作肖像畫的需求逐漸減少。

之後的藝術風格愈發獨具特色，主題越來越多元化，每個時代都引領著不同的潮流，畫作材料也不再侷限於畫布。在現代藝術中，裝置藝術成為了重要的藝術形式之一。藝術家們不斷探索新的技術和材料，同時也在社會、政治和文化等方面進行批判和反思。例如，炙手可熱的藝術家草間彌生（Yayoi Kusama）的作品展示了裝置藝術的多樣性和深度，同時也拉近人與人之間的距離。

從藝術史的發展來看，可以確定藝術與時代背景及人文社會息息相關，為我們呈現了不同歷史時期的視覺饗宴。

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