台劇｜分析《華燈初上》的原聲帶為什麼很不行？

（本文會轉到《Drama Box. 【抓馬香嗎？】》，同樣都由我創作。因為自己覺得寫得很好嘿嘿，想要放在很多地方和大家分享～）

《華燈初上》這個系列做到現在，其實比起氣憤，我們更多時候是帶著惋惜和恨鐵不成鋼的心情在評價。恨劇情因為商業因素不得不拖這麼長，恨人物因為篇幅的關係不得不走鐘，恨懸疑線因為各種考量而只能吊足觀眾胃口，甚至恨音樂單聽都可以，但就是無法跟劇情融合在一起。

當然，音樂講求的是一種感覺，每個人的品味和感受各有不同，甲之蜜糖可能是乙之毒藥，我覺得好聽的你不見得喜歡；你愛的不見得我能接受。但《華燈初上》的音樂議題似乎無法被這樣輕輕放下。

我雖然沒學過樂理，但總歸看了兩三百部的戲劇、動畫和電影，經過台日韓中與歐美各國的作品洗禮後，對一部影視作品的音樂內容該如何產出與品味，也鍛鍊出了一種自己適用，對大部分觀眾也通用的直覺。

粗略來看，我覺得《華燈初上》整齣戲的音樂（尤其是原聲帶，而非配樂）在三個地方出了問題，一個是不夠具時代感，一個是搞錯故事調性，另一個則是將原聲帶製作和發行都交給同一個公司。

當然或許有人會問，難道國外就不這樣嗎？甚至可能會回問，這就是臺灣的商業模式，但在這邊我想說的並不是這麼市場或幕後的問題，而是指原聲帶或是劇情中有使用過的插曲，幾乎都是找相信音樂旗下藝人這件事。

先聲明，我並不是討厭相信音樂，我會唱五月天，參加過告五人專場（甚至在覺醒音樂祭等表演等了40分鐘，很可以了吧T.T），也喜歡麋先生、法蘭和家家的歌聲，但或許是因為我見過海外戲劇和電影，如何在配樂上發揮他們長期累積的實力和底蘊，才讓我對這樣的操作更加不解。

臺灣並不是沒有好聽的電視原聲帶，就我的印象中，《花甲男孩轉大人》、《種菜女神》都擁有令人非常驚豔的原聲帶音樂。

音樂人出身的盧廣仲在《花甲》除了擔綱主角，也負責了全劇配樂，或許是因為小隊長在戲中本色演出，致使他更能理解整齣戲想表達的意義，無論是快慢兩版《魚仔》、《幾分之幾》或是劇中每一首插曲，都能讓人感受到濃濃的繁星風情。

而《種菜女神》則是從娃娃魏如萱的《曬傷》到柯智棠的《遠走》都透露著戲劇中的田園風光，更別說還有舒米恩、脆樂團和李千那每首配合劇情情緒的插曲。

值得一提的是，這齣戲的音樂總監正是由劇中擔任耘海村管區的舒米恩擔任。本身是原住民歌手的舒米恩，在這齣以花蓮農村為主軸的戲劇中，充分發揮自己的專長，寫出一首又一首宛如夏天稻浪的清新旋律。

以上這兩部作品在音樂上的成功，我認為都歸功於音樂負責人本身風格與作品調性相符，同時對作品也有非常高的掌握度。雖然他們兩位都在作品中出演，但即使沒有這項條件，以他們兩人的專業度，我相信也一定能勝任這份工作。

那《華燈初上》的問題又在哪呢？

第一點，身為一部背景設定在1980年代的作品，其配樂並無失分，懷舊和懸疑氛圍兼具，即使不到曾創作電影《返校》、《無聲》和《瀑布》的盧律銘老師深具特色，但也是相當好的音樂創作了。但若是專注在原聲帶音樂上，反而會讓人明顯感受到歌曲不符合戲劇中所呈現的時代氛圍。

視覺呈現上，《華燈初上》的確做到了目前台劇都很罕見的高度。無論是室內外景或鏡頭細節，當然還有酒店〈光〉與登場人物的造型，我相信劇組都下了相當大的功夫。

但原聲帶的音樂中，卻有一聽就很臺灣現代流行音樂的（例如麋先生、法蘭、琳誼和魏嘉瑩），也有原曲符合時代氛圍，結果arrange版本反而失去滋味的（五月天的〈月亮代表我的心〉），結果最後能讓人感覺這是一首關於1980年代戲劇的歌曲，只剩家家〈初戀的地方〉、〈雨夜花〉和林心如〈請別愛我〉。

林心如那首還可能是因為有看戲，聽出角色感情才覺得感覺有對。

而關於第二點，搞錯故事調性則有兩首相當經典的插曲可以舉例，那便是在第三季出場的江蕙〈你著忍耐〉以及告五人〈愛人錯過〉。

二姊江蕙在歌壇的地位相信不用我贅述，歌曲自然是經典又好聽，傳唱度也高，《天橋上的魔術師》中歌后孫淑媚也曾以點媽身分高歌過。這首老歌曾在劇中兩處出現，也是我們PODCAST中討論到的，關於光小姐們集體合唱，以及光小姐們集體救下愛子的部分。

我們都很清楚，前兩季的《華燈初上》試圖製造出一種現代宮鬥的感覺，事實證明這條路線很正確，後續營造也很成功。但到了第三季，這樣的感覺卻被編劇大大削弱，小姐們陸續和生命與同僚和解，除了登場角色們個性開始聖母化，這個轉變也讓已經習慣調性的觀眾們無所適從。

而最後觀眾的不適感，就完全反映在小姐們集體合唱〈你著忍耐〉上。

有趣的是，救下愛子那邊也放了同一首歌，但那段呈現的是一群為了生活而擁有血性的女人，在共同敵人們面前展現她們驚為天人的意志力和韌性。這部分除了與歌詞完全契合，也玩出了宮鬥劇中很重要的「對內吵架，對外團結」的有趣心理。

而告五人的〈愛人錯過〉就更令人匪夷所思了，我甚至懷疑提案放這首歌的人根本不知道歌詞內容是什麼。這首歌是樂團告五人的代表曲之一，充滿迷幻、電音和厭世感的曲風，正是告五人能在年輕族群間獲得好感的原因。

但紅，並不代表適合。

這首寫於2010年代，適用2020年現代男女關係的歌曲，真的一點都不適合放在羅雨儂和潘文成之間那種，囿於天不時地不利人不和的暗生情愫中。歌詞裡甚至還有「你媽沒有告訴你，撞到人要說對不起」，這跟1980年代的成人戀情，或是經歷多次傷痛，最後不再追求情愛的酒店媽媽桑有什麼關係？

我真的百思不得其解。

而最後的第三點，其實正是前述內容的總結。

就以前面舉例的兩個要點來說，一部成功的戲劇原聲帶或配樂，重要的是掌握作品背景與調性，以及讓音樂風格統一。拿最近期的韓劇《二十五，二十一》來說，劇中的原聲帶其實也都不是什麼1990年代的歌曲，甚至最關鍵的配樂，也就是韓國樂團紫雨林的經典曲目〈二十五，二十一〉，還是2013年的搖滾樂作品。

但〈二十五，二十一〉這首歌的風格和主軸和戲劇相當吻合，其他插曲也都考慮到戲劇相對懷舊和活潑的調性，因此創作出來的旋律既搭背景，也合劇情。這就證明時代劇並不是非得要放同年代的歌才可以（當然如果是這樣的話更好），為什麼家家可以、紫雨林可以，而五月天、告五人和其他人卻不行，是因為歌曲和戲劇無法融為一體。

我可以肯定，《華燈初上》的團隊與相信音樂的合作絕大部分是出於商業考量，可能是希望藉由相信音樂的知名度，讓戲劇曝光到更多地方，也可能是團隊與相信音樂有交情，更好談利益交換或更細節的商業條件。

其實身為一個半跨在這個產業的人，以上考量我都充分地理解，畢竟誰希望和錢過不去？

但作為一名習慣讓音樂帶著情緒流動的觀眾，看到可能是當今歌壇最符合1980年代風格的9m88客串出演，不僅沒聽見由她演唱的片頭曲，甚至歌曲賞析只不到五分鐘，而其他不適合的好歌卻不斷出現。

這種滿足視覺卻沒有滿足聽覺，甚至可以說被聽覺打斷情緒的觀影體驗，真的令人感到非常惋惜。

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【Drama Box. 隨意聊聊】​
S1#4 華燈初上，第三季爛尾你著忍耐​
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