【創作者說】專訪音樂家李世揚:即興演奏是不斷探索自我與世界的過程

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本集節目邀請到音樂家李世揚老師,和我們聊聊即興演奏,以及近期完成的驫舞劇場《兩男常罩》這部舞蹈的創作前期過程。

從小就是科班出身的李世揚,畢業於台南藝術大學,是台灣鮮少音樂相關科系以高中加大學總共七年畢業的學制,所以相對來學,對學科比較少著墨,有比較多時間在主修上。李世揚不僅多次獲金音獎、金曲獎肯定,是國內少數縱橫古典音樂、即興演出,甚至是劇場音樂等作品的音樂家。目前同時身兼「卡到音」即興樂團召集人。


古典樂講求詮釋,即興是結合創作與表演

在求學時期,即感受到古典音樂的考究與嚴謹,彈奏古典樂需要找到當時的背景、研究每一個細節,尤在藝術大學的教育下,甚至對古典音樂有清楚而重視的分工。這些音樂早在幾百年前,作者譜出樂曲時,創作與詮釋是同一個人,因為創作者與演奏家是同一個人。然而來到現代的學院,詮釋則要變得國際化與標準化,這時,演奏者的個人特性就會被削弱,「詮釋雖某程度是在創作,但是一個有所本的。」李世揚這樣說。

也是在學院的經驗,讓李世揚感受到自己對於創作的熱愛。做即興即是把表演跟創作融合,對於古典音樂人來說是很特別的。所謂的即興演出,就是沒有計畫,根據當下的感覺、空間、時間、人,所做的決定,反應當下,而無法複製。觀眾也是即興演出的一部分,他們可以感應到,同時也會影響創作。

不同於大多數人認為的即興演出很隨性,李世揚老師說即興其實是很嚴肅的事情。在國外即興演出的經驗中,很多時候其實不會照顧觀眾,誠實面對自己,太多顧慮反而可能很不藝術。譜好的交響曲一次聽 40 分鐘,對很多聽眾來說都不一定聽得下去,所以「即興的場合需要夠開放,達到一個未曾到過的地方。」

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創作是與自己、與世界的連結

李世揚用了許多年的時間周遊列國,即興表演有一個「小而美」的圈子,世界各地都有即興創作的樂手,大家都非常熱衷於即興。李世揚到了當地就會各自與他們聯繫,相約一同表演。當然,事先對於演奏就什麼都不說,到了現場直接表演。

「透過即興,擁抱其他不同人的相遇與收穫,都是帶給自己的養分。」一開始李世揚也會擔心在學院制的思維裡,是不是要到某個程度才能跟某些人合作?然而即興就可以平等地打破種族、輩份或能力,與各式各樣的人合作,純粹用鋼琴對話,一邊出招,另一邊接招。演出的當下是有機的,同時也是有機地呈現。

這也讓許多做即興演出的樂手即便沒有收入,還是願意做,因為想要磨練自己。對於自我探索、自我對話或是自我突破都有很大的幫助,因為每一次演出都是跟不同的人學習的機會與過程。所以對於李世揚來說,「創作是一種認識自我的過程,並且與他人和這個世界產生連結。」

其實作曲就是很多次的即興的集合,對於創作來講都是創作。不過對於一些作曲家來說,即興就是次等的,也是很普遍的普世價值。因為大家會覺得「為什麼我要聽一個沒有準備的東西?」不過,事實上其實是很多觀眾還沒有機會接觸到,就算接觸到也會有很大的衝擊,需要時間培養,卻也少人供應。

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安排好的劇場表演居然可以加上現場即興演奏?

說起《兩男常罩》這部作品,其實是自 2012 與驫舞劇場合作的《兩男關係》後,睽違十年的續作。不同於其他劇場演出,李世揚老師的琴聲除了得配合舞者的肢體、情緒之外,更因是現場演出的關係,每場表演所呈現出來的樣子都會些許不同,進而演變出獨樹一格的創作形式。

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跟劇場的合作需要很多事前溝通,因為音樂在劇場裡面是相輔相成。 對劇場而言,邀請鋼琴家現場伴奏實屬不易,更何況大多數的樂句都是李世揚老師透過即興的方式所創作出來的。音樂不再只是為了襯托舞蹈,而是融入其中,成為了演出的一部分。

《兩男常罩》團隊本身對於即興很有興趣,也願意嘗試,所以這樣的演出呈現會有「結構式即興」,等於腳本本身,很多劇碼會標注起點與終點,然而「過程」就會是即興,會有不同的參數,這也是即興音樂也可以共同搭配的原因。

這個團體很早開始使用聲音藝術家合作,也給予舞者也有很多自由,作品就能給予觀眾很多的想像,有時候太直接的演出反而沒有想像的空間。排練時,會直接即興演出,而每次即興排練對於演出者來說是採集素材的過程,音樂從舞蹈去感覺,舞蹈配合著音樂,彼此對齊想像、不斷討論、互相影響。舞蹈的抽象與隱晦,使得李世揚在創作音樂的時候,變成給予舞蹈一個適合的語言傳達給觀眾。而對於觀眾來說,聽不同場就會聽到不同的東西,每一場都是新鮮的,這就是找現場樂手特別有趣的地方。

在國外與不同樂手即興、卡到音樂團的每一次即興創作,再次與舞蹈團體合作的創作,每一種不同的火花都有不同的溝通形式。舞蹈就會需要溝通,對齊彼此很多想像。從認識他人回歸到認識自己都是很重要的過程與成長,李世揚會持續做下去,也表示做這些作品是希望給告訴聽眾:「不要預設、聽到什麼、接收到什麼都是你的,因為聽眾也有權力去感受與詮釋。」


  • 本文由【研究生Keith】授權【聲歷其境】撰寫
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