【賊藝識 新竹展覽】2024/08 沐手爾爾、被模糊的邊界 筆記

新竹市的展覽資源也是頗豐富的，光是官方的展館就不少了。賊賊偶爾會從臺北搭客運南下，一天走完三間主要展館，包括新竹美術館、新竹鐵道藝術村和241藝術空間。

這三個展館，雖然有鐵道或運河相隔，但各自走路也差不多20分鐘左右。可以當做運動，順便欣賞新竹舊城的風景，或者騎UBike也是滿方便的。而八月的展，我就先從即將結束的新竹美術館展覽開始分享。

新竹美術館

沐手爾爾 展覽

#沐手爾爾 這展覽名稱使用的成語聽起來有點難，但細看展覽介紹，觀展朋友只要把握藝術家的手，藝術品、媒材和環境之間關係，大概能明白作品與展覽間的關係。

稍微了解一下策展人 #陳漢聲 ，生於高雄，畢業於國立臺北藝術大學新媒體藝術研究所，是走路草農／藝團負責人。擅長實驗動畫與動力裝置，並從自身家庭背景、身份延伸至創作。對走路草農，有興趣的朋友，可以觀賞臺北當代藝術館《關係人》的展覽，裡面有他們的裝置作品。

而漢聲的作品，關注農業、自然與人和環境的關係。從這條脈絡望想展覽論述，就能知道這場展覽也是漢聲長期關懷沒入地方的探討；而選擇合作的藝術家作品，也能看出自然關懷的面向。

因為展覽回到藝術家作為人的手，與媒材互動，逐漸將想像實現至世界的過程。因此，可以看到展覽邀請了不同媒材的藝術家，而 村田峰紀的影像，在最後給了觀眾最直接與展覽內容為伍的空間。

應該要從何德來的作品先看起，但我自己習慣向左轉，第一件看到的展品是 2023新竹美展書法篆刻類竹塹獎得主 #陳鴻銘 的《京兆堂印痕》，還滿對喜歡老屋朋友的胃口。

一邊想著新竹哪裏有京兆堂，後來才發現作者是以 #楊梅京兆堂 為題材，以取法先秦古璽的方式，以另一種姿態保存這座老屋。那些建築人常常忘記的銘刻，以文字紀錄那個時代的過往，而印章和全紙拓的運用，觀者能感受手之間的方法切換。散落一地的殘磚斷瓦，

一樓主要以典藏的作品為主，並聚焦於日治時期藝術家 #何德來（覺得他應該有很多朋友）。何德來出生於那時的新竹州文湖庄（今苗栗縣造橋談文村）。可以去查查看何德來的經歷，挺有趣的。

雖然生於台灣，但還是日本還是佔了他人生軌跡大部分，但中學回台受的美術教育，甚至長大後對新竹現代美術教育史做出了貢獻。一來一往，不只體現在移動，也表現在知識的與取。

策展人以何德來的指畫、油畫，來比較藝術家與工具的關係，挺有張力的，也能說服觀者為何典藏區以何德來的作品為主。不過 #況味 這部分似乎屬於另一方向的探討，在論述中夾雜，有些可惜。

我挺喜歡 何德來 的《伊豆》，或許是知道他出生於談文後，就私自將他與苗栗沿海相連。不知道他在作畫伊豆時，會不會覺得他與苗栗沿海的景色有些相像？

一樓的展場，除了典藏作品外，少數當代作品是 #劉星佑 的「大筆與小筆」。筆觸、筆跡等關鍵字，與一樓不少作品可以呼應，再佐以當代媒材和議題，又很好地切割或對比了兩者之間。

劉星佑是近年滿受關注的藝術家，前陣子也獲得了京都國際攝影獎。在這件作品，也能看到星佑富含性別議題關懷的作品。而手之於大筆（農）、小筆（文）的關係，從工具，拓展至父子和世代，相當厲害。

來自澳門的藝術家 #陳佩玲 ，不僅有平面作品，還有裝置作品，共同呈現澳門紅樹林的變化。我挺喜歡那幾幅藍曬後的影像作品，感受到對於環境的悲憫與時代的嘆息。而藍曬這技術，更是富含 「手」的韻味。

可以看到當代作品，除了回應展覽主題外，藝術家本身想傳達的課題，更為明顯。我很喜歡 #楊登麟 “Headshots” ，這件作品企圖表現個人如何在社群媒體的影像上，表現多重的自我。

應該不少觀者能共感，有誰不是選擇社群媒體大頭照時，會想很久的人。而登麟長期對蠟的探索，更能讓他透過複寫紙上的油性材料刮至透明玻璃平面的過程，描繪更多樣的心理面向。

除了議題性濃厚的作品外， 策展人選擇藝術家 #許聖泓 闊別五年的兩件作品：左邊為2018年的「群聚共生」，右邊為2023年的「森林36」，讓觀者解讀藝術家不斷探討的時間性議題。

在聖泓作品旁，被暗藏在夾縫中的是纖維藝術家 #侯冠廷 的作品「蛾蛾」，相對應於荒野之丘，原本的蠶長大了，卻更為寂靜，兩相對照，甚是有趣。

因為強調 手 ，因而展覽在媒材的選擇上也很多元，但仍是以藝術為主，勉強算工藝類的有陶藝家 #張瓊如的「在瑪格麗特的花園裡」。

不斷嘗試將版畫創作過程，轉換於其他媒材作品的藝術家 #池枻龍 ，則是相當生活景象的作品「從兩個平面色塊到一個暗的空間」。

最後一個小展間，是日本藝術家 #村田峰紀 的作品。吸睛的不只是作品本身所聚發的能量，中間的錄像更能表達他是如何創造出急遽情感的畫，也完美呼應這次的策展主題手👋。

新竹鐵道藝術村

被模糊的邊界：林君達個展

今年初，受邀參加台南新藝獎的踩線團，當時入圍藝術家之一便是君達。可惜那時候因為時間關係，可惜沒欣賞到君達的展場。

剛好，這次他在新竹鐵道藝術村舉辦個展，交通還是挺方便的。君達這次的展覽以 #邊界 作為關鍵字，而我研究所剛好是進行邊界研究，所以對這個主題頗感興趣。邊界這子題被不少學科拿來使用。前陣子看 #立方計畫空間 的展覽「邊界烤」，是以邊界的流動來探討，包括了政治、膚色、身份、自然、影像等邊界。讓我好奇君達呈現的是什麼邊界？

先介紹一下這次個展的藝術家 #林君達 ，目前就讀於國立臺北藝術大學美術學系碩士班。個人致力於複合媒材各種形式的創作，作品脈絡多發想自對「邊界」的理解以及日常生活中平凡的材料與現象，並透過不同創作手法和多元媒材的互動，思考藝術的本質。歷年作品曾獲得臺南新藝獎（2024）、112年全國美術展入選（2023）、臺灣美術新貌獎入選（2022）以及國立高雄科技大學青年藝術家典藏徵件典藏獎（2021）

本次的個展以「邊界」作為關鍵字，討論概念和意義之間交互作用、滲透的可能性。透過不同創作方法的實踐，試圖抹除許多腦中常存的邊界意識。另一方面，消弭邊界意識的同時，是否也變向地強調了它的存在？才得以使概念和意義之間產生對話。

首先，第一件作品是大型空間裝置 #錯位 ，看起來有些童趣。君達企圖將不同元素的線條與圖案，從紙上翻轉成立體，用以打破媒介與空間的邊界。走在藝術品之間，以行走與感受，重新建立自己與藝術品的身體感。而這樣的錯位，是否有理，就取決於觀者的觀看方式。

（喜歡與藝術品合照的朋友，這應該是蠻好合影的裝置。）

看到 #overlook 的時候覺得眼熟，好像曾經在台南的節點看過這件作品。查了一下，去年的確有欣賞「三個臭皮匠」聯展，那時覺得視角滿特別的，對這作品也印象深刻。延續了那時的作品，同樣都是拍攝被忽略的事物，在此事地板。又以觀者當下踩著的地板為作品，之後成為作品。作品與展場間的關係、觀者與創作間關係，甚至當下與成作品之間的關係，那邊界似乎正在協商與消解。

我個人挺喜歡 #失效 這件作品，不過好像有人買走了。我個人滿喜歡對資本主義中的貨幣體系質疑的提問？如果作品製作的成本比藝術品價值還貴，那藝術家販賣這個作品的價值為何？ 延續上一作品的提問，消費者與藝術家間邊界會因此改變嗎？這是我好奇的。（滿推薦大家到現場看這個有趣的作品）

另外一件以觀念為發的藝術作品為 #框，展場中有一個木框，和另一個木框中間放著拍攝前一木框的相片。如果這件作品有藏家收藏，將會再拍攝這次的展出，以此類推。框更具象化了邊界這回事，藝術作品之內與之外的關係，是否會因買賣、拍攝而有了新的形塑？而收藏與創作兩個看似藝術品消費流程後端與前端之事，重新有了連結，也挺令人玩味。

在展場的最後，點亮了一盞光，遠看上面好像有幾隻昆蟲？ 其實不是，這件作品名為 #趨光 ，仔細看上面貼著的是大小不一的媽祖小神像。透過距離造成的視覺差異，君達想要探討媽祖文化在政治化後所衍伸的意識形態問題。這件作品雖然有趣，但與其他作品的連結似乎不大？