每當有人問我：「AI 這樣畫，還算創作嗎？」我腦中浮現的畫面，從來不是螢幕或演算法，而是一間昏暗卻熱鬧的畫室。木地板上散落著畫布與顏料，窗邊的光斜斜落下，一群年輕人低頭作畫，而房間深處，站著一個影子很重的人—林布蘭（Rembrandt Harmenszoon van Rijn）
關於林布蘭，流傳最久的一個說法是：他的畫，很多不是他親手畫的。這句話不完全錯，卻也容易讓人誤會。在十七世紀，畫家本來就不是孤獨的創作者。林布蘭有學生、有助手，也有一整套工作室運作的節奏。有些畫的背景由學生完成，有些衣褶先被鋪好，最後關鍵的臉與光影，才由老師介入、修改、收尾。畫完成了，掛上去，市場接受，收藏家也接受。幾乎沒有人追問，每一筆究竟出自誰的手。
因為當時的人心裡很清楚，他們買的不是「一雙手」，而是一種看世界的方式。林布蘭的工作室真正生產的，其實不是畫，而是觀看。學生一再重複同樣的臉、同樣的姿態、同樣的光源，不是為了畫得漂亮，而是為了讓眼睛被重新校準。哪裡該亮，哪裡該暗，情緒該停在哪一層陰影裡。久而久之，學生不再覺得自己是在模仿老師，而是開始用老師的方法看世界。風格在這裡，不是標籤，而是一種長時間累積下來的視覺習慣。
在這樣的系統裡，作者的位置也悄悄被重新定義。林布蘭不一定畫得最多，也不一定最辛苦，但他始終掌握一件事：什麼該留下，什麼該被拿掉，什麼地方可以模糊，什麼地方不能退讓。那個決定權，讓作品最後成為「林布蘭」。
時間快轉到今天，我們面對 AI，忽然又開始焦慮起來。我們問的問題其實一點也不新：這是不是你做的？你有沒有親手畫？這樣算不算作弊？只是當年的學生，換成了今天的演算法。
如果誠實一點說，AI 很像林布蘭工作室裡的徒弟。它不會自己旅行，不會在街角等一棟老房子慢慢被光照亮，也不會因為一條快消失的巷子而猶豫要不要畫下來。它只能學習你給它的觀看方式，重組你餵給它的世界，放大你早已存在的風格傾向。它不會替你成為創作者，它只會追隨你已經走過的路。
也正因為如此，我反而越來越清楚一件事：**真正決勝負的，從來不是工具，而是風格本身。**當一個創作者的風格被市場、被觀眾、被時間辨識出來之後，角色其實就已經確立了。即使 AI 再厲害，也只是跟在後面學習、模仿、追趕。它可以很快，卻永遠是晚一步的那個。
在速寫裡，我們一直說筆尖不離紙，線條不是物件，而是事件。這些看似技法的提醒，其實都指向同一件事：你怎麼看世界。當這個「怎麼看」已經成為你的本能，交給學生、交給助手，甚至交給 AI，只要作品一出現，人們仍然一眼就認得出你，那個時候，「作者」這個位置其實早就站穩了。
也正因為如此，在 AI 的時代，旅行速寫反而顯得更重要了。AI 可以生成畫面，卻不能替你走路，不能替你站在風裡，不能替你被某一瞬間擊中。旅行速寫不是反科技，而是一種把身體、時間與觀看重新放回創作核心的方法。
最後我常提醒自己，也想送給正在焦慮的創作者：當風格成為你最清楚的語言，工具只剩下輔助；當世界一眼就認得出你，追隨者再多，也不會動搖你的位置。
這一題，表面上是在談 AI，其實一直都在問同一件事—你，怎麼看世界？
