Brian Eno
環境音樂（Ambient Music）是以 音調（Tone）與 氛圍（Atmosphere）為著重核心的風格，不強調傳統音樂中的旋律與節奏。依據布萊恩·伊諾（Brian Eno）的定義，旨在引導聽者進入平靜狀態，並提供思考空間，因此具有高度彈性，能適應不同層次的聆聽方式：既可被忽略、融入環境，也能在專注時展現細膩而耐人尋味的聲音細節。不同於一般背景音樂，環境音樂不試圖消除聲音的不確定性，而是透過豐富的聲響流動，與所處的空間進行互動。
Erik Satie
環境音樂的溯源必須回到二十世紀初的法國。作曲家薩提（Erik Satie）被公認為環境音樂的鼻祖，他在當時提出了「傢俱音樂」（Musique d'ameublement）的概念，主張音樂應如同房間裡的桌子一樣，作為一種功能性的存在，而非強制吸引注意力的表演。1920 年 3 月 8 日，薩提首次在巴黎公開實驗了這種音樂，當時他曾憤怒地要求觀眾停止聆聽並繼續交談，展現了他對於音樂作為環境背景的極端堅持 。
到了七零年代中期，布萊恩·伊諾因一次意外受傷長期臥床，在無法移動且音量極低的情況下聆聽豎琴唱片時，產生了深刻的靈感。他意識到音樂可以與周遭環境音（如雨聲）融為一體，使所處的整個房間有了煥然一新的感受。之後他發行了《Discreet Music》，引用了薩提的傢俱音樂作為理論根源，並建議聽者以極低音量播放，標誌著伊諾開始系統性地運用生成式系統來取代傳統作曲思維。
環境音樂真正的定義時刻出現在 1978 年發行的《Ambient 1: Music for Airports》，伊諾在專輯內頁正式提出了「環境音樂」一詞，並明確將其與商業化的「背景音樂」（如 Muzak）區分開來。他指出，傳統的罐頭音樂旨在透過移除不確定性來減輕工作疲勞，而環境音樂則保留了藝術中的疑慮與未知感，目的是誘導冷靜與思考 。這張專輯不僅確立了類型的名稱，採用的不對稱磁帶循環技術，更在聲學層面實現了伊諾所追求的永恆。
進入八零年代，環境音樂開始呈現多元化的分支發展，隨著合成器技術的普及，環境音樂與新世紀音樂（New Age）產生了短暫的交集。Steve Roach 於 1984 年發行的《Structures from Silence》為這時期的代表，以柔和流動的合成器線條營造出極致的內省與寧靜感，成為冥想與治療用途的經典範本；與此同時，伊諾繼續深耕環境敘事，他在 1983 年與 Daniel Lanois 合作的《Apollo》成功捕捉了太空探索的孤獨與壯麗。
小久保隆
隨著時間，環境音樂的場域化特質得到了進一步擴展，日本環境音樂大師如小久保隆（Takashi Kokubo）的作品《A Dream Sails Out to Sea》開始大量融入田野錄音（Field Recordings），將波浪、鳥鳴等自然聲音與電子音色交織，營造出具備高度療癒感的環境聲景。對自然聲音的模仿與重構，反映了環境音樂與生物學、心理聲學的深層聯結，旨在緩解都市化生活帶來的感官過載與壓力。
The Orb
九零年代初，環境音樂與銳舞文化結合，演化出環境浩室（Ambient House），Alex Paterson 帶領的 The Orb 樂團是此領域的先驅，他們將浩室音樂的四四拍律動放慢，並加入大量的實驗性採樣，從 NASA 的太空任務錄音到大自然的神祕聲響，專輯《U.F. Orb》在英國榜單奪冠，證明了環境音樂在保留其前衛美學的同時，也能具備強大的大眾市場潛力，強硬打破了電子音樂與傳統搖滾之間的界限 。
Aphex Twin
同樣在九零年代，Richard D. James，即 Aphex Twin，也佔據了不可取代的地位，1992 年發行的《Selected Ambient Works 85-92》被譽為環境科技舞曲（Ambient Techno）與 IDM 的奠基之作。與伊諾的純粹環境不同，保留了柔和節拍與富有童趣的旋律，展現出未來主義的優雅感。對於許多現代電子樂迷而言，這是他們初識環境音樂的入口，曲目如〈Xtal〉至今仍具備強大的情感感染力 。
然而他在 1994 年推出的《Selected Ambient Works 85-92 Vol.2》則展現了截然不同的極端美學，完全拋棄了節拍，轉向幽暗、冷峻且極具孤立主義色彩的聲音畫作，受清醒夢（Lucid Dreaming）啟發，運用了微調律（Microtonal）技術與非傳統的調式，營造出如白日夢般的虛幻感，專輯的大部分曲目沒有標題，僅以圖標代表，如此對語言的拒絕，進一步強化了環境音樂作為純粹感知體驗的本質 。
Steve Roden
千禧年前後，環境音樂向著極致細微的方向演化，催生了 Lowercase 風格。由 Steve Roden 命名的這一流派，強調對極其微弱、常被忽視的日常聲音進行大幅度放大與藝術化處理。在里程碑作品《Forms of Paper》中，他僅使用錄製翻閱紙張的聲音作為素材，透過數位處理營造出細膩、安靜且充滿內省的聽覺體驗。這般音樂的出現是對膚淺大眾流行文化中的溫和抗議，要求聽者付出極度的耐心與細緻的關注，才能發現隱藏在靜默邊緣的豐富內涵。
《Virgins》
Drone Ambient 是環境音樂中另一分支，強調長時間的持續音，透過音色、頻率與諧波的緩慢偏移來創造深度 。當代代表人物如 Tim Hecker 的作品《Virgins》，將電吉他的回饋、管風琴的轟鳴與數位雜訊交織在一起，營造出宏大高聳的聲景，往往帶有強烈的心理聲學效應，能使聽者產生脫離身體的漂浮感或進入深度沉思 。
與此相對應的是 Dark Ambient，根源可追溯至八零年代的工業音樂。這一流派利用低頻震盪、殘響沉重的金屬撞擊聲與不和諧的電子音調，模擬出荒廢工業地帶、深海或幽閉的內部空間。代表藝術家如 Lustmord 透過這種美學探索恐懼、死亡與宇宙寂靜的主題 。雖然與伊諾主張被動誘導的初衷略有不同，但所謂的暗黑環境音樂同樣具備影響氛圍的特質，並在當代電影配樂的驚悚橋段中扮演了重要角色
伊諾近年也與 Peter Chilvers 開發行動應用程式（如《Bloom》、《Trope》、《Scape》）將複雜的生成式系統轉化為直觀的觸控體驗。在《Bloom》中，使用者只需輕觸螢幕，便能觸發隨機生成的循環音調與視覺圓圈，伊諾稱其為「二十一世紀的音樂盒」，讓未受專業訓練的人也能參與環境音樂創作。如今環境音樂亦與 AI 結合，例如 Endel 透過心率、步頻與天氣等數據即時生成個人化聲景，成為調節情緒與節律的智慧聲音。
環境音樂歷經音樂人和時代的移轉洗禮後，已成長為一個跨越藝術、心理學與科技的宏大體系。教導我們一種全新的聆聽方式去關注那些處於感官邊緣的事物，去欣賞靜默中的頻率，去接受音樂作為環境大氣的一部分。在資訊過載、視聽污染嚴重的現代社會，環境音樂提供了一種減法藝術，透過對空間與時間的重新定義，賦予我們重建內心平靜的能力。藝術何時開始，何時結束？在未來，環境音樂將繼續作為一種動態的感知生態系統，與人類的意識共同演進。
