2018 K-indie 年度回顧（下）

Life and Time 剛成立時其實比較像暫時性的 Session 組合，隨著第一張 EP 的評價高漲，才穩定成為固定性樂團。與一些強調即興音樂主張相反，這張《Age》製作有紮實的概念和想法。首先專輯中的 10 首歌，以兩首歌為一組，分別呈現幼年、少年、壯年、中年、老年等不同的人生階段。MV 的拍攝方面，也為了對應不同的年齡層，而使用動畫、請長者對談等不同形式進行。前作《Land》處理的是自然、城市等哺育生命的地點，《Age》則回應了團名中的 Time 這個面象。

若細聽專輯完全不會感受到為了符合專輯內容編排而顯得綁手綁腳，〈潛水橋〉是成員小時候時常經過，一座橫跨漢江的大橋。歌詞用許多擬態詞堆疊而過，三種樂器繁複中又有一種節制，規律的吉他 Riff 像是漢江的水波。〈頂點〉這首歌只有一句歌詞：「我現在站在人生最高的地方，俯視著你。」不同於〈潛水橋〉的謹慎節制做出來的反高潮，一開始即用粗糙的效果器表現出豪放的氣氛。

專輯剛出時曾有媒體問他們「你們認為人生的頂點在哪裡」，成員認為現在就已經到了人生的頂點。 2019 年初 Bass 手 Park Sungbin 的另一個樂團 THE KOXX 接連被爆出性醜聞而被解除合約，而關於人生頂點的回答也成為殘忍的預言。

最近正好流行 2009 和 2019 年的挑戰，如果現在穿越回去 10 年前，當時的阿飛西雅、甜梅號等後搖滾勁旅佔台灣獨立音樂半片江山。2019 年的復古浪潮捲向全亞洲，而 Voyeur 則像是派克諾坦的回憶子彈，無名小站上鎖的心事立刻湧現出來。雖然以窺淫癖者起名，但音樂不見猥瑣，反而像是當時在台灣頗受歡迎的日本團 Miaou，擁有一種無懈可擊的明亮，〈And Tell You It's Alright〉是首不可多得的佳作，鍵盤輕盈靈巧，而吉他則是奮力將情緒掏心掏肺挖出，末段的迎來的高潮簡直要把聽眾溺斃。

他們目前僅發行過 3 張 EP，看他們臉書年底正好有位成員離團，目前編制的鼓、貝斯、鍵盤和吉他都缺一不可，希望未來的音樂不會差別太多。

韓國的迷幻搖滾從 60 年代的申重鉉到 70 年代的山迴音有一條淵遠流長的歷史，然而除了直接登門找上申重鉉的歌手金秋子外，女性在這個長流裡幾乎缺席。Airy 去年這張 EP 填補了這個缺口，第一首〈Last Night〉一張口便是淒涼的頹廢異境，壓軸之作〈A Trip Seeds In the Rain〉更是疊合雨聲、背景音、不相干的戲劇音效，主弦律呢喃似的唱腔越聽越遠，像是童話中的花衣魔笛手，誘使聽眾的意識走進她的音樂世界中。

韓國的黑人音樂場景由嘻哈一枝獨秀，在迪斯可熱潮席捲全世界時，韓國自外於這個浪潮之外，這個視角來觀看韓國彷彿那個時代的外星人。蘇丹的迪斯可自出道以來，便企圖彌補和這個斷裂。成軍 10 年來站上美國 Coachella、日本 Summer Sonic、英國Glastonbury 等國際舞台，但卻只發行二張正規專輯。專輯大致上延續過往結合放克、迪斯可以及誇張惡趣十足的舞蹈。

專輯還是有兩首突破過去風歌的作品〈消失的夢〉是主唱Nazahm Sue對於過去有一段時期，因為找不到做音樂的理由而彷徨的自我告白，也是他們少有的真摯而感性的曲子。而卡在專輯中央的〈Aliens〉則是一段無歌詞的迷人過場，Bass 間歇性地滑落，其它樂器則在暗處隱隱鼓噪，有異邦人失語般的神祕感。

或許是和我的韓國友人或多或少都有厭世傾向，因此有時過於輕率地貼上「厭世」的標籤，但要談 Samui 的音樂就不能繞開厭世這個核心。主題曲〈Today of All Days〉，歌詞提到：「為什麼天空晴朗又那麼低。」企圖要表現的就是卡繆在《異鄉人》那段槍殺阿拉伯人的名場面，那種晴朗的秋日，但卻有什麼壓制住自己的鬱悶感。〈Burning〉也十分單純，因為他環顧和自己年紀差不多的朋友，沒有一個人過得好好的，每個人都煎熬地活著，產生一種想把一切焚毀的心情。

Samui 音樂的特長在他本人的聲音和豐富多變的吉他線。他的唱腔不只是掏心掏肺，甚至可以說是肝腸寸斷級別的。吉他也總是能將音樂中的荒唐、無力感表現地淋漓盡致。

時間是 2018 年 10 月，在張基河與臉孔們宣佈參加金音獎頒獎典禮隔週，他們宣佈了更令人震驚的消息──成軍 10 年的樂團將在 12 月 31 日畫下休止符。未來成員將各自以樂手、製作人、DJ 的形式繼續活動。這張《mono》便成為張基河與臉孔們的告別作。

從 2008 年的〈廉價咖啡〉開始，張基河獨特又辛辣的歌詞一直是無可取代的特色。這張專輯在歌詞上也沒馬虎，例如〈初心〉的英文直接採用韓文音譯“Chosim“，因為只有東方社會會在意「莫忘初衷」這檔事，歌詞打臉大眾既定印象，直陳人不可能一生不改變。或著〈我會拒絕〉道出東方社會以和為貴，不敢拒絕別人的濫好人文化的矛盾。當然張基河也不是每首歌都如此批判，在最後一首〈什麼也不是〉用最低限度的鍵盤編曲，誠摯地唱出樂團 10 年以來的心得及遺憾。

專輯採用單聲道的方式錄音，讓技術上的 mono 和專輯名稱呼應。而專輯每一首歌其實都在講述「告別」、「一個人」的概念。張基河把這張專輯比作味道清淡的「平壤冷麵」，或許這就是告別的滋味吧。

在陸續發行幾張 EP 後，年輕音樂家 HONK 終於發行自己的正規專輯。專輯名稱《MONOSANDALOS》指的是只穿一隻鞋的人，典故源自希臘神話的伊阿宋背著變成老婦的女神赫拉渡河，在途中掉了一隻鞋子。HONK 的歌聲和咬字，與其說是慵懶不如說是倦怠，有一連睜開眼皮都嫌費力的磁場。除了神話主角〈IASON〉之外，其它歌也反覆提及鞋子。像是被寫入神話一樣，偏執地走向宿命以及牽涉國仇家恨複雜而纖細的情感。

不能說韓國的實驗電子音樂中 Byul.org 的表現如何如何，而應該說 Byul.org 在實驗音樂的面向特色是什麼。他們的韓文名為「모임 별」直翻是聚集的星星，他們也如群星一般在音樂、設計、電影配樂等不同領域中發光。

這張《Nobody’s Gold》在一堆實驗電子曲目中，不經意地安放幾首難得有明確旋律且感情誠摯的曲子。彷彿在漆黑、無重力、充滿不成曲調的聲響太空中，偶然遇見幾顆明亮的恆星。例如第 6 首的 〈Friendly Enemies〉，人聲和主旋律開門見山出現，但背後的配樂卻各行其政，拍子接得陽奉陰違。直到末段人聲和電子聲響真切的碰在一起，那股強烈的能量不下於白矮星在耳朵裡爆炸。

Rainbow 99 在 2014 年的專輯《Seoul》開始他以音樂描寫地景的創作，隨後 2015 每個月去一個地方遊歷，並以單曲形式發表。2017 年的《Europe》則將旅行的範圍放大至歐洲，超過半數的曲子為旅行途中的即興演出。而 2018 年的的企劃則是過去創作的集大成，他一樣穩定地每月造訪一地，並以影像紀錄下他的即興演出。

2018 年的《月刊 旅行》自一月的論山出發，一共去了 12 個地點，發表了 23 首作品。他所去的地點絕大部份都是絕不可能被寫入旅遊書的非觀光景點。他介於實驗電子、Dream-Pop、Shoegaze 風格之間的音樂自然不必多言，影像和文字札記也流暢而動人，例如 8 月時去了江華島，以鏡頭紀錄下一處作為美軍砲擊練習場的村子，長年受到噪音與偶爾誤擊的傷痛。若你不想透過大眾媒體或是行腳節目認識韓國，這 23 首作品在很多層意義上皆能滿足你。

前文有提到韓國 2018 年的 City pop 熱潮正在浪頭上，Live 影片企劃 Naver Music Onstage 宣佈轉型為 Onstage 2.0 之後，不僅影片拍攝的方式改變，還舉辦更多場跨界合作與實體公演。而這一系列的 “Digging Seoul Club“ 也是 Onstage 2.0 的一環。

Digging Seoul Club 簡言之是邀請了 5 組藝人，重新詮釋 80～90 年代被埋沒的經典老歌。但在這之前他們先邀請各世代的音樂人：柳熙烈、長谷川陽平、張基河、Crush、鄭世雲，邀請他們拍攝短片分享自己收藏，以及說出這些老歌對這個時代的意義。並結合了串流服務的優勢，將這些經典作品一口氣陳列出來，做了非常紮實的內容策展。（網站在此）

後來參與 Re-make 的音樂人包括 George、蘇丹的迪斯可、Daybreak、鮮宇貞娥、Stella Jang 。每支 MV 的拍攝都很有水準，音樂的改編也很用心。當中我最喜歡的是鮮宇貞娥所演唱的〈天堂是我的〉，原曲為惠恩兒 1982 年的作品，是一首有著獨特 Bass 線，前衛中帶點神祕感的曲子。鮮宇貞娥拿出她豐富多變的聲音表情，不僅將這首歌變成末日冷酷異境，也使得 Digging Seoul Club 的意義超越「懷舊」、「復古」，用豐富的內容回應了 2018 年的 City pop 熱潮，這也是他雖然不是實體專輯，我還是將其選進 2018 回顧的原因。