[ The Blossoming of Dreams -- 跨域歷程記錄]
早上太陽探訪的天氣，下午又陰鬱起來，與友人午飯後剩餘時間，剛好來城市，決定再多蹓搭一些時候。往歷史博物館走去，欣賞梵谷畫展。
進場時間已近下午四點半，人朝還是很多，服務員傳來二樓有客訴？我上樓一探究竟。空調機一旁轟轟作聲，感覺室內空氣不太流通，有股窒息感，但應是個人體質緣故。看展觀眾幾乎佔滿了空間三分之二，有些展間要與人擦身才能通行。觀賞者層層包圍在畫作外，黏在一起繞著畫作，像「裙擺」的滾邊；大家的陰影高高低低，有部分激進些往前擠，有部分消極退去，很少部份會像我，佇在空間中心發楞，欣賞觀眾與畫作交織的光影。
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我先快速通過瀏覽整個展場，一方面讓身體調整適應室內空調，同時留意有哪些想看的畫作。剛好通過一塊能賞畫的空隙，駐足在畫作左前方，不一會，感覺身體有股搖晃感，轉頭確定沒人推我，回頭看畫似有能量與我共鳴溝通。是視覺與心理統合產生的作用吧，幾年前欣賞羅丹彫刻名作《地獄門》後有一種疲累感，是站在細緻浮雕前，專注每道立體線條，眼球神經元取得更多訊息，比觀賞一般平面畫作還要費力。「這幅畫我看過，但是同一張畫嗎？不記得樹下有人。」
Cypresses and Two Women 1889.06-1890.02
《柏樹與兩個人物》
他們說從畫作看出生命力，與我看到的能量，兩者並不衝突。若真要再細分，能量易變，更屬於當下；而生命力更展現在一段長期與持續時間中，維持一個不屈服於逆境的週期循環。能量這詞很玄妙，像我們講究的氣；近日讀到一本穿衣哲學，也與能量相關，有意無意地，我從畫中觀察感受它傳遞的能量。
離開上幅柏樹，轉到隔壁展間，遠遠一勾月彎吸引我。因人多，我沒刻意往哪方向移動，但也沒離開，就待站原處靜止，等周圍觀賞者移動決定我的位置。不管旁人怎麼走，我視線始終沒離開畫作，逐漸地，我由「裙擺」邊緣向畫作靠近。
Provence country road at night 1890.05
《普羅旺斯夜間的鄉間路》
因為站立位置不同，由各個角度，我看到梵谷以顏色轉譯了物體能量流動的方向。我曾透過繪畫友人頭髮，感受過這種方向性。那時我不知道怎麼畫複雜的頭髮，也不想只塗成平面塊狀，彼此喝茶持續動態聊天，友人因疾病戴著的是假髮，傳遞她堅強與個性中難得糊塗的灑脫，陣陣微風吹拂，是髮絲要去的方向，當下又歸屬於她，那髮在我看來，是友人克服病魔之後，彰顯存在的生命力。(散記｜花園裡的咖啡畫語)
回到梵谷…，首先吸引我的是稻草伸展的方向，隨後順著路面延伸，引至天空與旋轉的光暈，留連於浩瀚星空中。景物是靜止的，賞畫本身是靜止的；而時光不會因捕捉當下而暫停，隨著這捕捉這一瞬後的景物帶到下一秒，畫的筆觸不單指當下這一秒物體本身的語言。畫作整體所包含的個別方向與能量展現一種諧和，是景物本身存在的諧和成就了畫作構圖，還是畫家的手將它融合了它們之間的異同？我逗留於此，因它滿足我持續補捉的下一秒，欣賞那份一份契合。
Flower Vase with Thistles 1890.0616~0617
然後我見到《薊花》，梵谷以顏料厚厚壓出色塊與色塊之間起扶的線條，如早期教堂中的鑲鉛玻璃窗(stained glass window)，展現靜物本身線條與塊面間的活潑性。只是背景中垂直與平行筆觸，呈現的靜止狀態，壓制了花葉間一份流動的能量趨減，花瓶線塊距離較先前畫作展現的稀疏，資料說明這是梵谷去世前一個月所作。
The Garden of the Asylum at Saint-Remy 1889.05
《聖雷米療養院的花園》
當我優先看完想看的作品後，回頭欣賞先前經過的幾幅畫作。我見到這幅畫中豐富的筆繪，梵谷收納了眼前所有景物，畫作中未加以額外詮釋，未加以方向排列或未改變任何物件，儘可能展現它們自己的樣子，像寬容地接納一切發生在眼前的色彩與邊線。
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View of Saintes-Maries-de-la-Mer 1888.0601~0603
《聖瑪莉德拉梅一景》
回到梵谷相對早期的畫作，照見近距離筆觸的能量，中間田間的農作物僅是輕壓，展現物件本身理性的存在。延伸至遠方建築與天空，還僅是存在的色塊，還尚未有其他附加的詮釋。
Interior of a Restaurant 1887.summer
《餐廳內》
在這一幅點描的物件中，欣賞顏色的組成，會是值得描摹的一幅混色技術練習。只是我見到椅子是椅子，桌巾是桌巾，它們各自擁有著顏色，還未攜具有豐富能量語言，當然這只是與梵谷後期畫作相對筆觸的觀察。
（🎞️ 點描法）
Blue Vase 1887
《Flowers in a blue vase》
這是展場中，我最欣賞的一幅畫，也或許這時參觀的人變少了，能自在地由各個角度慢慢觀察，欣賞更多細節與驚喜。梵谷的畫是立體的，就連這樣平凡的一幅靜物畫也是。畫作中同樣具有各種顏色能量的花朵，我看出黃色還是最能博得梵谷親睞。藉著光線的反射，我蹲低身子查驗顏料的厚度與方向，黃色的花在所有花中，有最多的質感，說最豐富的話；其次是白色的花而；藍色的花卻不及花瓶，同樣是藍，油畫顏料在光的反射下，藍花瓶質感與顏料色澤契合，稀薄與光滑、冰涼與纖緻。透過畫筆轉譯，花瓶放射的藍，不只以塊面，更在整幅畫中佔有領導地位，我見到有別於平時平面印刷畫中沒看到的梵谷。
Self-portrait 1886
《自畫像》
依同樣方式，我蹲下身子透過光的折射，欣賞畫中顏料反射的筆觸質感，看了左邊鬍子與藍領巾（衣服褶皺）中的秘密，一幅凝神的憂鬱調性面容，在藍色中穩定了下來。畢竟藍還是梵谷最自在的顏色？
Olive Grove 1889.06
《橄欖樹叢》
專心欣賞幾幅畫後，人越來越少了，此時看畫的觀眾會保持身體的距離，尊重個人賞畫空間，似乎換了一群不同背景的觀眾，彼此賞畫態度接近，讓在裡面的我感受不同。當然先前困擾我的空氣不流通問題也不存在了。
我在橄欖樹叢前自在來回觀賞。藍究竟是梵谷最細心的處裡，平滑的筆畫，乾淨澄澈的天空，縱使弧型筆畫方向各異仍透徹有緻；相較於天空，泥土與綠地部份筆觸方向，厚度不一顯更現雜亂。天空與地面呈現的衝突，突顯中間的樹叢，而賦予牠們展現出的曲度張力能量更強，成為畫面中搶眼又調和一切的主角。
最後我快速回頭瀏覽品味先前觀賞有心得的幾幅畫作，以及梵谷早期的素描畫，由這些習作中看他在畫作裡找自己，還是夢想驅使他透過反覆練習找到「它」。畫作呈現梵谷關鍵的十年繪畫生命，說著更悠長的一個人生歷練。我好奇是故事主導畫作，還是以存在的畫作中景緻，透過畫家轉譯呢？一段生涯，可以鍛鍊出我們各自詮釋事物的眼光與能力，但我們不是梵谷，只能透過他的詮釋，欣賞或發掘圍繞我們生命中的更多美奐，轉化可能還無法接受的事實現況。這樣的能力，在我們每天生活中發生，透過各種方式，有聲與無聲地傳遞，等我們聽見。
我希望梵谷可以再畫久一些，然而如果靈魂曾遭遇壓制也經歷美好，確實且真切為他說出了該說的話，那麼藏在畫中的聲音，勢必會順著時光的流引出共鳴者，他的生命力將再次被掀起而復存。這麼說來，梵谷的離開與存在已不影響被聽見的具實，如此歷經不朽考驗又有何憾？
🎞️ 聽《 Vincent》原唱 Don Mclean (1972)
🎞️ 聽《 Vincent》原唱 Don Mclean 中英歌詞
