為什麼要一起讀這本書？
——從時裝週、產業結構，到一場「不是個人戰的創作」
當初會想找這本書，並邀請幾位好朋友一起來做導讀，其實並不是單純因為它談「時尚」，而是我想透過這本書，讓朋友更理解我們正在做的產業案，以及我近年在教學、實作與策劃中，反覆碰觸到的一個核心問題：創作與產業，從來都不是單打獨鬥。
在時尚產業中，最為人熟知的場景，莫過於四大時裝週——紐約、倫敦、米蘭、巴黎。這些時裝週一年又分為春夏與秋冬兩季，表面看起來是華麗的伸展台、模特兒與服裝展示，但如果你真的走進產業現場，就會發現，時裝週其實是一個高度結構化、資源配置極為精密的系統。
而這樣的系統，並不只存在於歐美。從百貨周年慶，到亞洲時尚的歷史脈絡
如果把視角拉回台灣，我們會發現，時裝週的節奏，往往會與百貨公司的周年慶高度綁定。消費檔期、品牌曝光、媒體宣傳，彼此之間形成一個相互支撐的循環。
在台灣的時尚產業裡，行銷焦點長期集中在女性消費市場——保養品、包包、服裝，構成了百貨業最穩定的收入結構。以高雄的漢神百貨為例，無論是「熊霸天」這樣的行銷角色，或是周年慶期間密集的活動安排，其實背後都反映了一套成熟的產業邏輯。
如果再往前推，台灣的百貨業，其實可以追溯到日本時代。那個時期，服裝不只是商品，更是一種政治與文化的載體，緊扣著日本的皇民化運動。而放眼全球，不同地區受到時尚與影像文化影響的時間點也各不相同。
1930 年代的中國大陸與台灣，受到旗袍文化的深刻影響；新加坡因為在 1965 年獨立，真正大規模受到好萊塢服裝與影像美學影響，則是在 1960 年代之後；日本方面，則是在三宅一生等設計師進入四大時裝週之後，才逐漸在國際舞台上建立起屬於自己的設計語言。
這些歷史脈絡，其實都不是「背景知識」而已，而是影響我們今天怎麼做時尚活動、怎麼策劃展演、怎麼理解品牌位置的根本條件。
這本書到底在談什麼？
回到這次導讀的那本書。它表面上談的是時裝秀，但實際上，講的是動態展演背後的策劃邏輯。
書中提到，一位負責規劃時裝秀的承辦人，從來不是只在「選衣服」。他必須同時思考：
- 要邀請哪些 A 級設計師？
- 哪些是 B 級、C 級設計師？
- 相關的時尚品牌與產業夥伴該如何配置？
接著，更現實的問題來了：
誰走在前面？誰排在後面？ 哪一個位置對品牌最有利？ 順序會不會影響贊助商、媒體或下游廠商的認知？
很多人以為「第一個出場最好」，但實務上未必如此。有時壓軸是權力象徵，有時中段反而是曝光最穩定的位置。這裡沒有絕對的答案，只有策略與協商。
而更重要的是——在這樣的配置之中，聯盟要怎麼形成？
創作不是個人戰，而是「個人戰中的團體戰」
讀到這裡，我其實一直想到我在「書店老闆」創作課中學到的一件事：
原來創作從來不是純粹的個人戰。
它比較像是——個人戰中的團體戰。
每個人都有自己的作品、自己的風格、自己的位置，但你同時也在一個共同的場域裡，彼此合作、彼此競爭，又彼此成就。關鍵不在於「誰贏誰輸」，而是你能不能把一個有限賽局，慢慢轉成一個無限賽局。
這正是我覺得這本書最有價值的地方。它不只是教你怎麼辦活動，而是逼你思考：
你是在爭一次曝光，還是在經營一段關係？
邀約、文字、影響力：活動背後真正的工作
書中也談到很多實務細節，例如：
- 邀約信要怎麼寫？
- 活動文案如何呈現？
- 合作廠商能為這個時裝週做什麼？
- 而他們又希望從中獲得什麼樣的影響力？
甚至連模特兒的選擇、走秀時的音樂、影像拍攝的鏡頭語言，都不是隨機決定，而是必須彼此對齊的一整套敘事系統。
這些內容，對我來說並不陌生。
從 LaLaport 走秀到 USR 課程的影像實作
近幾年，我從嘗試規劃 LaLaport 的走秀開始，一路延伸到 USR 課程中的影像拍攝，無論是時尚永續、多元文化行銷，還是日本矢岳町的國際專案影片，都不斷在思考同一件事：
鏡頭要怎麼說故事？
在漢神競賽的活動中，我也嘗試與擅長音樂的新朋友合作，思考如何設計快問快答，或是讓遊行與社會影響力之間產生連結。這些嘗試，表面上看起來零散，但其實都在回應同一個問題——如何讓一個活動，不只是「做完」，而是留下可持續的影響。
為什麼要和朋友一起讀？
也正因為如此，我才會想找朋友一起來導讀這本書。不是要他們變成時尚專家，而是希望在討論中，彼此看見不同產業、不同角色，對「策劃」、「合作」與「影響力」的理解。
對我來說，這次的導讀，本身就是一場小型的實驗——
一場關於創作、產業與夥伴關係的實驗。
也許這正是時尚最迷人的地方：
它不只關於衣服，而是關於人如何在有限資源中，彼此協作、彼此定位，然後慢慢走出一條屬於自己的路。
