在過去二十年裡，那些足以改變世代審美，讓音樂人重新理解創造意義的革命作品似乎越來越罕見。到了 2025 年，搖滾仍在掙扎，演算法與重複公式主導著整個場景，在這樣的氛圍中，我們見證了無數「下個偉大樂團」的預言幻滅，而來自布魯克林的四人樂團 Geese 卻似乎真配得上這個稱號，雖然年輕，但他們的聲音彷彿已歷經滄桑與輪迴。
他們厭世卻不乏幽默，亢奮但也不掩飾自己的疲憊。第四張專輯《Getting Killed》反映了當代社會的荒誕，在歌曲裡，天使不只是吹響號角，而是宣揚槍枝暴力；人們以被釘在十字架上作為逃離工作、稅收與無盡壞消息的手段；一邊引用《約書亞記》中攻陷耶利哥的故事，一邊在街頭鬥毆，聽起來荒誕無稽，卻又精確地捕捉了我們這個時代的現實焦慮。
【錄製背景】
《Getting Killed》誕生於主唱 Cameron Winter 的創作轉折，2024 年末，他推出個人專輯《Heavy Metal》，以近乎內省的方式探索憂鬱與存在焦慮。這張作品意外獲得好評，讓人擔心 Geese 可能會被他的個人光芒掩蓋。然而事實恰恰相反，這份獨立嘗試成為了樂團重塑自我的催化劑，他將那份內省誠實帶回群體，從張牙舞爪的年輕狂妄轉為更具思考深度的剖析。
Geese 一直以其風格難以歸類聞名：2018 年的《A Beautiful Memory》展現出純粹的獨立搖滾精神；2023 年的《3D Country》則在藍調與南方搖滾之間開疆拓土。如今，《Getting Killed》僅用十天完成錄音，規模上更為收斂，風格上卻更為怪誕，以更自信且細膩的方式馴服了早期作品中那股未馴的獸性，進而使靈感得以自由綻放。
在錄音過程中，樂團捨棄了複雜的製作層次，以現場即興的能量為主導。鼓手 Max Bassin 的節奏不再像過去那樣爆裂，而是以克制和成熟的掌控力支撐全曲。吉他手 Emily Green 以極富情感的線條取代了過往的粗獷；貝斯手 Dominic DiGesu 則以堅實低音為這群狂人築下地基。這樣的轉變使得人聲演唱和填詞成為焦點。他的聲線時而破碎咆哮，時而如祈禱般低喃，既是指控，也是告解，提醒聽者真正的創造從來都誕生於困境與痛苦之中。
【歌曲介紹】
開場曲〈Trinidad〉以「THERE’S A BOMB IN MY CAR!（我的車裡有炸彈！）」一句，幾乎成為整張專輯的標誌。人聲在嘶吼與呢喃間切換，副歌爆發時像精神崩潰的瞬間，卻在前段的低語裡透露出極度脆弱的「I tried, I tried, I tried so hard（我努力過、我拼命過）」，歌曲結構散亂卻極具戲劇性，象徵著疫情後世代那種永遠在邊緣崩解的生活節奏：掙扎、奮力、卻隨時距離災難只差一瞬。
〈Cobra〉則是專輯中旋律最柔和明亮的片段，以靈魂樂的搖擺節奏包裹著性愛與誘惑的暗喻，Winter 唱著：「There’s a cobra in my hand / She’s calling back again（我手中握著一條眼鏡蛇，她又在呼喚我）」，聲音裡的自信近乎挑釁。這首歌讓人聯想到七零年代的藍調搖滾，但在樂團手中被重新塑造成迷幻黏稠的舞曲。
單曲〈Taxes〉是整張專輯的情緒轉折點，以一聲沉重的自白開場：「I should burn in hell（我該下地獄燃燒）」，歷經悲傷、絕望、羞愧、釋放後，這股情緒洪流在：「And I will break my own heart / I will break my own heart from now on（我會親手摧毀我的心／從今以後我都會這麼做）」時全部對位，讓觀眾在現場齊聲唱出那些詛咒般的歌詞，那是一種荒謬的共同體式療癒，就像對自己精神狀況的惡化開個不合時宜的玩笑一樣。
〈100 Horses〉延續了戰爭意象，描繪一名年輕士兵在暴力與宿命間掙扎。當 Winter 唱出「General Adams told me / Son, you were born to die scared（亞當斯將軍告訴我：孩子，你註定帶著恐懼而死）」時，那股冷峻的悲哀令人不寒而慄。中段的鋼琴介入如洪水決堤，暗示著戰爭早已滲透我們的生活，成為代代相傳的節奏。
〈Au Pays du Cocaine〉曲名是對Bruegel 畫作〈極樂之鄉〉的戲謔式呼應，直譯為「在古柯鹼之國」，以甜美兼具苦澀的旋律包裹一段情感上的不對等，也可以看作是對毒品的深刻依戀。從浪漫轉變為無力的懇求，一種對愛、慾望與逃避現實的沉溺，當結尾重複著「It’s fine. I’m alright.（沒關係，我很好。）」，那聽起來就像是某種虛假的安撫，讓人相信自己能在墮落中維持所謂的正常生活。
但若要說哪首歌最令人難忘，我大概會選擇〈Bow Down〉。尖銳的吉他震顫不已，與 Winter 穿透力極強的嗓音並行，那宛如硬搖滾的經典斷奏與宗教意象，讓人聯想到七零年代的搖滾巔峰時代，是支撐起整張專輯氣勢的核心，一場暴烈不可忽視的聲音宣言，完整展現了 Geese 作為布魯克林搖滾之星的強大能量。
壓軸曲〈Long Island City Here I Come〉像是一場緊湊、耐力驚人的打擊馬拉松，穿插著搖擺的貝斯段落，樂手們演奏時的激情幾乎要從音軌中溢出，像是冬季夜色中緩緩遠去的火車在尾聲唱出：「I have no idea where I’m going. Here I come（我不知道要去哪裡，但我正出發）」，似乎在回答整張專輯的命題：無論混亂、毀滅或重生，都必須繼續前進。
《Getting Killed》並非「重振搖滾」的口號作品，更像是一面鏡子，將對這個崩壞世界的微小觀察，以極度細膩的方式呈現出來，字句中皆蘊含著深層的幽默感與哀傷，這樣的自嘲，或許比任何口號更貼近真實生活。Geese 並沒有試圖提供答案，也沒有喊出改變世界的野望。他們只是誠實地描寫現實中那種被碾壓的倦怠感，那種在「似乎還不錯的人生」中逐漸被耗盡的疲憊。
與先前作品相比少了炫技與誇張的段落，但多了成熟的統整與節制。不僅延續了 Geese 對風格的自由融合，也證明他們能在更高的層次上處理情感與敘事。他們的確「被殺死」了某些東西，也許是天真，也許是舊有的搖滾框架，但在廢墟之上，重新發現了創作的意義。最終他們也不吝於分享這份感性，將這個世界捧到你耳邊，朝其中嘶吼出最為狂野和易碎的思緒。
