在這個世界上，
有些故事是為了逗人開心，有些故事是為了教人道理，
而有些故事，則像是一扇窗，
推開它，我們看見自己內心的風景。
艾德・維爾 的《這就是藝術家》便是這樣的一本書。
🎨這不是一本五分鐘學畫畫的書，
也不是一本傳授藝術知識的書，
甚至它沒有半點說教的意味，
但卻能讓人翻開的瞬間，
就想伸手拿起畫筆，開始創作——
無論是孩子，還是已經很久沒畫畫的我跟你。
什麼是藝術家？藝術到底是什麼？
這本書沒有直接回答這些問題，
但當你讀完後，
你會發現——答案早已了然於心。
🎨按照慣例，先看封面，
封面設計是一場視覺的邀請，
甚至可以說，
它已經是一幅完整的藝術作品。
我們看到一隻小恐龍，手持畫筆，
站在畫布前，背景是一大片溫暖的黃色，
像陽光，也像即將被創作填滿的畫紙。
書名以俏皮的筆觸呈現，帶著隨興的筆觸感，
彷彿是在告訴讀者：「這本書裡沒有框架，
沒有標準，只有創作的自由。」
這樣的封面設計，已經為全書定下基調，
這是一本關於自由、
關於創造力、關於勇敢探索的書。
🎨艾德・維爾的畫風簡潔有力，
看似簡單的筆觸，
卻藏著許多值得玩味的細節。
他的用色大膽明亮，
主要以黃色、藍色、粉色為基調，
與黑色的線條形成強烈對比，
既有兒童畫的直率，
也帶著大師級的構圖智慧。
這本書的一個重要設計巧思，
是它的「手工感」。
艾德・維爾並沒有使用平整的色塊，
而是讓顏料的筆觸清晰可見，
甚至有時能看到「顏料沾到邊緣」的痕跡，
這種不刻意修飾的方式，
讓整本書就像是一本「正在進行中的畫冊，
而不是一本被完美編排的圖畫書。
這樣的設計增強了故事的臨場感，
也傳遞了一個無聲的訊息：
「創作不是要完美，而是要實際去做。」
🎨故事從一個簡單的起點開始，
一隻愛畫畫的小恐龍，相信世界充滿奇蹟，
而她的使命，就是用畫筆展現這些奇蹟。
🎨書中有一幕，小恐龍在牆上作畫，
結果不小心「畫出界線外」。
這句話以放射狀的字體強調，
彷彿是一場小小的爆炸。
這一瞬間，她的表情從自信轉為驚恐，
像是在害怕犯錯，害怕別人怎麼看待自己。
🎨我們的社會習慣於劃定界線，
規範哪些行為是「正確」的，
哪些是不被接受的。
然而，藝術正是挑戰這些界線的最佳方式。
當這位藝術家畫出界線外，
牠的世界才真正開始變得有趣，
也才真正觸動了觀眾的目光。
這個轉折與作者過去的作品有異曲同工之妙，
例如《像我這樣的一隻獅子》
的李歐納想用詩歌表達自己，
而不是靠吼叫來證明自己是一隻獅子；
《大大先生》則用音樂來跨越孤獨，
找到真正的連結。
但不同的是，這一次，
不是一個關於個性與社會標準的衝突，
而是一場個體與創作本身的對話。
🎨小恐龍的世界裡沒有評價，沒有成績，
只有畫筆和畫布——
這是一個最純粹的創作狀態。
但隨著故事推進，她開始面對創作中的挑戰，
這些挑戰並非來自外界，而是來自她自己——
當她「畫出線外」時，她該怎麼辦？
這個時刻，是整本書最重要的轉折點，
也是這本書最想傳遞的訊息：
「所謂的錯誤，真的算是錯誤嗎？」
這一點，作者用畫面解答，
那條「出界的線」沒有被擦掉，
沒有被否定，反而成為了新的創作元素。
🎨如果我們把艾德‧維爾的作品放在一起看，
會發現一條明顯的主題線索——
那就是「我是誰？」與「我可以是誰？」。
在《這就是藝術家！》中，
這個問題再次被拋出，只是這次，
它的形式不再是動物的身份，
而是創作的身份。
當我們還是孩子的時候，
幾乎每個人都喜歡畫畫、塗鴉、創作，
然而，隨著年齡增長，
許多人逐漸失去了這種自信，
開始覺得「自己不擅長畫畫」，
或是「藝術應該有一種標準」。
這個故事讓我們理解——
藝術從來不是關於「對與錯」，
而是關於「表達」。
🎨正如艾德‧維爾在訪談中提到：
「所有孩子都是藝術家，
只有當他們不再相信自己是藝術家時，
他們才會停止創作。」
這句話，道出了許多人的心聲，
藝術的本質從來不在於技巧的高低，
而是在於「相信自己有表達的權利」。
這本書以簡單卻深刻的方式，
向孩子們（也向大人們）傳達這個訊息——
你可以畫出自己的世界，
而不必在意那些界線是否被打破
🎨所以，如果曾經畫畫，
卻因為害怕犯錯而放下畫筆；
如果曾經熱愛創作，
卻因為外界的眼光而懷疑自己；
如果曾經認為，
自己沒有資格成為「藝術家」——
請翻開這本書。
藝術的本質，從來不是關於畫得好不好，
而是——你，是否願意開始畫。
《這就是藝術家！》
作者｜艾德・維爾（Ed Vere）
譯者｜海狗房東
出版｜維京
