假日去看了布拉瑞揚舞團的《我・我們》二部曲，這是我有記憶以來第一次觀賞現代舞演出，原本還很擔心自己會看不懂，甚至可能會看到睡著—結果事實證明，我真的想太多了！
表演開始前，展廳的布幕上投影出祖靈圖騰及線條，帶著一點霓虹賽博龐克的視覺感，彷彿鋪陳出一條通往傳統與未來交錯時空的通道。
燈光一暗，表演正式開始，整個空間沉入黑暗，幾位穿著緊身衣的舞者靜靜出場，由其中一人手持手電筒，以光影勾勒肢體的律動。觀眾的視線隨著光影忽遠忽近、忽明忽滅，搭配Kivi詠唱的古調，時而清晰、時而模糊，接近尾聲時出現訊號不穩的狀況，雖然在會後訪談中澄清是技術上的失誤，但對我而言，這段「失真」反倒成為一個意外的亮點，在真實與虛幻交界處出現的時空裂縫，把觀眾進一步拉進布拉瑞揚所建構的夢境與潛意識之中。
隨後，一位僅穿著西裝外套與黑色長褲的舞者走入舞台，在空間中踱步、深呼吸、嘆息，他不時加入驚恐與拍打自己的肢體語言，似乎象徵著壓抑與掙扎。當音效轉換，緊身衣舞者們突然撲上他的身體，而他極力掙脫、搖擺，似在與無形的力量對抗。最後，他倒臥在地，地面浮現流動的圖騰線條，彷彿祖靈的語言在此刻甦醒，燈光緩緩熄滅，舞台重歸寂靜。
好幾次在懸空而起的布幔下方，仍有舞者持續舞動著身體，像是在傳達一種訊息：即使你選擇遠離部落、忘記自己的根，神靈依然會包容一切。而在最終場景，那位西裝舞者緩緩脫下外套，赤裸的背影走向山林—象徵內心深處的渴望終將引領人回到最初的歸屬。
除了上述令我印象深刻的片段外，整場演出中各篇章皆有強烈的敘事性，不只是舞者的肢體語言，布幔這項道具也被巧妙運用，成為貫穿全場的重要符碼，近60分鐘的演出，我感受到兩個鮮明的主軸
第一個主軸，是延續一部曲的核心：早期在漢化背景下成長的原住民，為了融入主流社會、避免遭受歧視與刻板印象，選擇離開部落、切斷與文化的連結，但隨著時代推進，社會逐漸開始正視並尊重原住民的文化與傳承，這些曾經逃離的人們開始回望自己的源頭，只是他們對部落文化早已感到陌生，對自身的身分也充滿矛盾與困惑，「我的根，究竟是血液中流淌的祖靈的召喚？還是從小被父母灌輸的認同與記憶？」
第二個主軸，則是自然如何包容人類的自大與渺小。演出中大量使用自然元素的音效——雷鳴、地鳴、浪濤、雨聲，而布幔的存在，也讓我聯想到自然的力量與神性，神靈靜靜注視著人類與自然之間充滿慾望與掠奪的互動，即便如此，大地仍然無私地供養著我們，山河也默默承受著人類的破壞與索取，祂們看在眼裡，卻不輕易干預，如同父母對孩子深沉卻不縱容的愛。
然而，一旦跨越了臨界點，大自然終將揮下沉重的一擊，提醒人類：回歸純樸，才是與世界長久共存的唯一方式。
我會有這樣的體會，是因為整場舞作中許多段落、肢體語言、光影設計都緊密呼應著這樣的主題，而我也一直很欣賞原住民文化與自然之間那份純粹的關係，他們對神靈懷抱敬畏，從自然中取用卻不過度索求；他們與萬物維持著謙卑的和諧，與萬物共生共榮；他們用真誠與感恩的姿態，與這個世界共處。
