雖然需要請這些高手呈現初心者的姿態有些不易,但在宮本大第一次吹奏薩克斯風給雪祈聽時,那略帶瑕疵的破音,以及自然樸實的換氣聲,經由音色、技巧和運氣量來呈現大的吹奏即使青澀,卻飽含純粹與真誠,更甚者,能夠察覺到大掩藏在努力之下的天賦。這樣的表演是亟需技巧才能做到的,唯有這些赫赫有名的大家能夠駕馭,由此可窺知,電影對音樂呈現有著一番深思熟慮的細心和認真。
除此之外,電影細緻真實的環境音亦體現出製作團隊對聲音的重視。從電影一開頭的雪景便能知曉:呼嘯而過的風聲,茫茫雪中奏起的薩克斯風,主角大獨立於雪地上的沙沙腳步聲,以及吹奏時的換氣聲等等。在整體具有神祕性的場景中,強調、放大這些環境音的細節,為動作增添細膩感之外,更顯現空間感,襯托出一片無人聲的風雪中,薩克斯風依舊堅定地吹響。這個開場也完美地向觀眾展示了《BLUE GIANT 藍色巨星》這部電影的演出特性。
視覺與聽覺兩者相得益彰,都在訴說著爵士樂的本質──這是自由奔放、展現自我靈魂的音樂。而它們之所以能夠自然地融入劇情和演奏中,讓影像能觸動人心、音樂亦能扣人心弦,正是因為這些都是建立於那份電影對爵士樂的熱愛與理解,就如為何選擇以宮本大在雪地遇見那隻貓作為開頭的原因一樣──熱愛的步伐將在陰鬱風雪中開拓前行。
據訪談內容,本來還有另外一種開頭的呈現方式,是主角大在騎腳踏車爬坡時喊「身體有極限,但音樂沒有」,能更好地交代故事的始末,但最後為了提升演出的特異性,製作組採用了現在我們在電影看見的橋段。雖然導演立川讓只說因為藍色調的光線與雪景能展現出一種神秘性,但若考慮到電影改編的故事內容,我想,選用這段情節更是為了彌補主角宮本大的刻畫描寫,同時點出本作欲傳達的核心精神,聚焦於爵士樂精神,聚焦於「熱愛」這個關鍵詞。
*改編與原著之間
1.仙台篇與東京篇
因為時長限制,動畫故事捨棄了原作的仙台篇,直接從東京篇開始。本來仙台篇著重講述宮本大對爵士樂熱愛的萌芽,以及對目標、意志逐漸堅定的歷程,電影因為沒有原作這前三十話的鋪陳,再加上東京篇中描述大個人磨難等較雜的支線劇情也幾乎刪光,讓電影裡的大看起來像是完成式,少了角色厚度。
不過,開頭安排了仙台篇後期出現的那幕雪中練習的場景,強調出在家鄉經歷了首次上台表演的挫折、文化祭孤軍奮戰等吹奏經驗後的大,就像他遇見的那隻貓一樣,仍筆直地面向前方,即使(音樂的)世界上只有獨自一人、即使前方充滿困難和挑戰,只要持續懷抱著對爵士樂的熱愛,就能朝未知的方向前行。
「好像世上只剩下我一個人,我,到底在幹什麼?今天這樣練習,真的會對我的未來有幫助嗎?」
「為什麼,會在這種下雪天……牠是從哪來的?看都不看我一眼,那個方向就算一直走下去也沒東西啊。看著前方筆直前行,你也有不得不向前邁進的理由,對吧。」
原作這兩段內心獨白並未被放進電影中,單靠畫面與聲音,以及那隻貓專注無比的眼神,很好地改編、重現了這段的精髓,並且暗示沒看過原作的觀眾,主角宮本大對爵士樂所做的努力,以及他懷抱的那顆赤忱之心。
而這樣的暗示到了大第一次吹奏薩克斯風給雪祈聽時得以明朗,電影加長吹奏的過程,對比前面那段瑕疵青澀卻生猛激情的旋律,搭配大過去付出的種種畫面,讓整體演出具有張力,多了大的音樂確實足以撼動人心的說服力,是非常精彩的改編。不只是因為嘗試以此補足主角大的塑造,更是由於電影將這段的意涵做了微微調整與詮釋,加倍完整電影東京篇的整體架構。
2. 十四年的努力 vs 三年的天賦
十四年來,雪祈為了夢想無時無刻都在練習,即使生活艱辛,刻苦地打著好幾份工,但只要有機會便一頭栽進音樂中,這樣的他卻被大僅練習了三年所吹奏的薩克斯風給擊潰──十四年與三年,像是輸給了天賦,故事展現了音樂世界無比殘酷的真實,但同時也把刺痛的尖銳化為磨礪光芒的轉折。雪祈流下的淚水除了不甘心以外,更多的是感同身受的理解與敬佩,因為十四年來日以繼夜的練習,他最能明白大吹奏出的名為天份的光芒,背後是付出了多少的努力去打磨的。
「可惡……才僅僅三年的時間,那三年,他究竟吹了幾千幾萬次,一想到這些,一想到他付出的努力,怎麼可能會不被感動……」
因此他一改總是略帶戲謔的語氣,真誠動容地說出這番感嘆。這樣的轉折編排,深刻描繪出雪祈這個看似高傲自負的鋼琴家不為人知的一面,既增加了角色立體度,也藉由不同角色側寫出主角大的樣貌。在少了仙台篇的奠基下,這一幕的意義在電影裡有了細微的改變,配上音樂和回憶片段的呈現方式,更加強調了兩人對爵士樂純粹的熱忱,以及天賦與努力之間看似衝突卻並存的關係。
3. 三種才華
原作仙台篇曾有過一段對話,其中將才華分成三種──努力的才華、技術的才華與內心的才華。電影雖然沒有提到這個概念,但整個東京篇的主線就像是把「JASS」這個如同爵士樂化身的樂團與才華劃上等號,玉田、雪祈、大三人分別代表努力的才華,技術的才華,內心的才華,比起只聚焦於主角大的刻畫,電影將時間平均分配給三人,展現出各自的成長與磨難,特別是雪祈和玉田,故事整體以兩人的迷惘、突破為主旋律,其餘部分則保留了原作中「採訪後談」的方式,片段穿插於其中(原作粉絲如我,對這個安排超級滿意),這樣的安排讓觀眾像看紀錄片一般,更加深刻地記住當下的每一段情節,並且得以一窺大將在未來發出的動人光芒。
若說雪祈、玉田兩人體現了技術和努力的才華,那已是完成式的大,他內心的才華便如一塊永恆堅定的基石,激勵、碰撞、映射出其他角色心中的希望和夢想,鋪起「JASS」向前邁進的道路。就比如在葛飾音樂祭上台前,雪祈一心想著如何用音樂致勝,可大卻一心專注於自己的吹奏,決心要用演奏打動聽眾。最終,大確實用他渾厚透徹且充滿激情張力的金黃音色,將感動烙上了聽眾心底,帶領雪祈和玉田馳騁於爵士樂的自由奔放之中。
透過這一段的對照隱喻,傳達了即使有厲害的技術,即使有堅持不懈的努力,但持續追求夢想最難的是保持真摯、保持最初的熱愛,大的薩克斯風之所以熱血動人,便在於他內心才華──那份對爵士樂的熱愛──無論何時都用自我最純粹炙熱的靈魂去吹響每一首曲子、每一顆音符。
*BLUE GIANT,那全世界最閃耀的爵士樂手
此刻的大,或許就是「爵士」本身。
在即將登上夢寐以求的舞台時,面對雪祈遭遇車禍的重大變故,大沒有停下腳步,猶如開頭的那隻貓,就算前方是一片漆黑,仍要筆直向前行。雖然故事安排主人公們面臨的困境有些過於殘酷、煽情,但最初也是最後的演奏,或許就是爵士樂的真諦──一生一次、此時此刻,每個只存在於當下的音色所蘊含的情感都無比珍貴且真摯,所以我們才會為此共鳴、為此落淚。
大與玉田為了不留遺憾,奏響了「JASS」的音樂,電影亦為了不在原作粉絲和雪祈心中留下遺憾,大幅度改寫最後的劇情,原作裡雪祈沒有登上舞台,JASS 的解散更是在醫院裡發生,因此當在銀幕上看見雪祈出現,三人一起登上「So Blue」的舞台上演奏安可曲時,身為原作粉,心中湧現的感動與驚喜實在難以言喻,電影用心的改編一圓了所有故事內外的夢,將這股情感化作
〈FIRST NOTE〉的旋律和音符深深傳進觀眾心底。
這是一首象徵最初起點的樂曲,在經歷這麼多難題和變故後,他們仍然不因挫折與成就丟失初心,像是會永遠愛著爵士樂一般,展現全部的自己去奏響〈FIRST NOTE〉。大的薩克斯風讓雪祈和玉田知道,永遠一詞或許遙遠,但其實永遠就由無數個此時此刻堆積而成,就像「JASS」一路走來,每個練習的日子、每場奮力的演奏,終於讓所有人都看見了,那份在歷經眾多磋磨後絲毫不減的熱愛,最終匯聚成了璀璨耀眼的藍色光芒。
「『BLUE GIANT』你有聽過嗎?表面溫度更高,超越紅色光譜,發著藍色光芒的巨星。年輕時,我跟幾個夥伴都用『BLUE GIANT』來尊稱全世界最閃耀的爵士樂手。」
唯有鋒利的失敗,才能磨礪出動人炙熱的藍色光芒,唯有盡情燃燒真實純粹的靈魂,才能奏響真摯濃烈的情感。大、雪祈和玉田最終演奏出那光芒萬丈的湛藍意象,隱喻了爵士樂最遼闊、最自由奔放的本質,讓「JASS」熱血感動的旋律能恆久迴盪於影迷、讀者的腦海,滾燙於心中。
不同於原作,電影安排在餘韻悠長的尾聲點題,用屬於自己的方式詮釋、體現原著裡,那一直想奏響給每個人聽見的,一句最簡單不過的話──
「爵士樂是燃燒現在的音樂,人只有盡情燃燒現在的時候才能感受到活著的意義。」
燃燒此刻,燃盡自己,大的薩克斯風就是如此,爵士樂就是如此,而《BLUE GIANT 藍色巨星》也是如此,依循著這樣的精神。電影創造出嶄新的魅力與熱血的故事,在視覺與聽覺的雙重衝擊下,為觀眾、原作粉絲、爵士樂迷再造與重現出每一場一生一次的演奏,讓每個閃耀的瞬間成為雋永,讓每顆音符都能吹響無限的自由,響徹於心。
全文劇照提供:車庫娛樂、IMDb、《BLUE GIANT 藍色巨星》電影官方推特
責任編輯:黃于真
核稿編輯:張硯拓