北美館藝術展_台北雙年展（2023/11/18-2024/3/24)

很久沒去北美館，主要捷運站較遠、出站也要走好一段距離，而且那裏總給人一種官方的高冷感(皆相較當代而言啦)。這次被朋友推坑說雙年展不錯，趁上週連假跑去看看。

結論來說，滿好的，值得一來，且台北市民只要15元！藝術推廣的進入門檻(價格)十分低(記得當代漲不少去了)。也不會擠滿人，可以相對舒適的步調逛。本篇文章分享個人心目中的TOP 6與其他有印象的作品，也歡迎大家分享各自心中印象深刻的作品與觀點~

TOP 1：進入玩偶當中侃侃而談　《難忘的形狀》(李亦凡)

https://www.taipeibiennial.org/2023/tw/content/participant-li-yi-fan

本作應該算是整場印象最深刻的影片，主要原因是(1)講述的主題、(2)呈現方式與(3)瞎鬧式的幽默。我認為他絕對值得被放在第一名，且花篇幅去好好說明。但因(2)與(3)的緣故，本作品非常吃電波，不喜歡的人可能看個一分鐘不到就看不下去了。

(1)講述主題：本片雖然很像在扯東扯西沒有中心思想，但其實資訊量非常豐富，尤其是關於死亡這個主題，困擾了我許久，很高興有創作者把這作為議題拋出，讓更多的觀看者思考。

從實體轉虛擬關於2D轉3D的透視騙局、繪圖/算圖工具與遊戲公司從販售賣斷產品到僅提供數位使用權(使用者失去實體的擁有權，以及數位資產如LINE貼圖也不能繼承XD等等)、死前的跑馬燈音樂與砍頭保存到未來試圖延續生命，都是非常有趣的話題。

(2)呈現方式：影片全片幾乎都在一個廢棄的劇場表演空間中，那是遊戲引擎建模設計出的空間，在當中創作者如同造物者一般，彷彿可將自己靈魂塞進任何一具（應該是以他自身形象）軀殼當中發聲，而其臉孔看來像是什麼恐怖片當中會有的模樣，全白無髮，不自然的肢體位移，搭配創作者自身時快時慢的語速，給人一種驚悚但荒謬並存的感受。

最重要的是，我一進場就聯想到這樣的呈現形式與《攻殼機動隊：無罪》後半段出現在船上那具魁儡軀殼，開始侃侃而談各種話題（也包含生與死界線的模糊，在靈魂進入魁儡軀殼，可持續物理機能直到完全損壞為止，對應本作提到從現時進到虛擬空間引發的生死疑問，可說是兩相對照有所呼應）的那種似人但非人的突兀感、機械性的移動可說是異曲同工。

影片最後收在說話者開槍打爆每個魁儡，最後打爆自己，各自發出了單一的樂音，也算是呼應前方提到臨死前的曲子時他在鋼琴上彈的各種和弦。看起來很雜亂沒有什麼鋪陳，實際上滿完整的。

(3)瞎鬧式的幽默：最印象深刻的是因為那空間可任意調整型塑，所以創作者問說為什麼不把腳變成手，因為這樣可以比讚(然後抬起比著大拇指的，變成手的腳)，真的是超級靠杯XD很多這類的瞎鬧式的幽默貫穿全片，算是給各種主題之間做一個緩衝之虞，讓內容不至於太過嚴肅(相較攻殼就是全片都很嚴肅XD)，另外記得的片段是去跟”門後的外國人”互動的橋段，給他一張照片他會寫一首詩給你之類，也是很讚；以及拍照跟拿菸的時候，物品掉下去以後會一直在手中重新出現，屬於一種荒謬式的小幽默，總之建議大家去看看。

TOP 2：沉浸於黑暗中感受恐怖氛圍　《不完全是（管他何種新音調）》(賈桂琳．きよみ．寇克)

https://www.taipeibiennial.org/2023/tw/content/participant-jacqueline-kiyomi

TOP1屬於影片內容與形式都讓人印象深刻，TOP2則是實體體驗，在氛圍與感官上帶來新的體驗。全黑的空間裡巨大的管線在微弱燈光下僅能見到大致的輪廓，在展區空間內行走會發現佇立於四方的音響，有提供額外也不強的光源去照亮給觀展者看，像是什麼陣法的錨點一樣。音響發出聲響與管線充氣的巨大轟鳴聲產生共鳴，直到管線充到飽和後，轟鳴停止。

一種奇異的靜默，仿佛什麼儀式的鋪陳已完成，在那空間中，完全無法預料會發生什麼事情。看展的人員有的停下腳步，有的仍在走動，晃動的身影與看不清的面容加深了空間內沉浸的恐怖遊戲(實體化)的氛圍感。

突然一個女聲響起，以為是現場有裝置可直接歌唱再導到四周的音響，結果不是，那是預錄好的歌聲，當下感覺好神祕好有趣(???)。

接著管線突然迅速洩氣，瞬間坍塌軟掉，然後重複起充氣的過程。這樣會是一個循環。用文字能傳達的沉浸感有限，很推薦實際進去走一遭看看。

TOP 3：尺寸變更的魔術與雙重對照　《漫遊微靦宇宙》(唐納天)

https://www.taipeibiennial.org/2023/tw/content/participant03

本作品有趣的點在於一開始進到這一展區空間的時候還不知道在幹嘛，只看到柱體上方有類似小模型的演示，演示的主題亦不明。看了才發現那些都是沙雕之類的東西，會隨著展期崩解然後被置換，有種微型世界的感覺，靜止的無機物當中卻包含著時間的元素。

如果走上樓梯看，搭配地上的線路成為一個類似晶體面板的零件圖，那些突起的沙雕在觀測角度改變後也跟著改變了；同時看展的人成為比例尺兼作品的一部份，會以不同距離與樣貌與作品進行互動(也可能單純路過，但同樣是”樓梯上觀測視角”會看到做為作品範疇的一部份)。在這視角當中，人類就如同作品的沙一樣，只是作為有機物(活體)且會移動，並且隨著時間自我置換(前來然後離去)。整理沙子與人的對應關係如下(這跟作品主題無關，單純個人心得)：

沙子->沙堆模型展示品(崩解->置換的循環展示了時間)->晶體面板的按紐(觀看者角度變換後其功能的改變)

人->觀展者->(前來->離去的循環展示了時間)->作品的比例尺兼作品的一部份(觀看者角度變換後其身分的改變)

(延伸想法是，關於作品的範疇是到何處，他會自動納入來往的人，以一種具備互動隱含概念的方式，讓觀展者也成為展品的一部份嗎？以及，時間的維度也可納入作品的範疇嗎？我認為是可以的)

TOP 4：數大便是美，而且還很涼快~　《2B205》(賴志盛)

https://www.taipeibiennial.org/2023/tw/content/participant-lai-chi-sheng

這個作品沒看到解說牌，是回官網找的XD 但當下印象很深刻，日常不會出現這種電風扇一字排開的場景，荒謬感與美感並存(真的是日常物件單獨出現會覺得是家電、用具，但數量一多就有種美感)，而且還很涼快(並沒有作為展示品就喪失其原先的功能性)！！風不會太強，給讚！！

來到這一區域，是先被涼風吹到才看到展品，有種人未現聲先到的登場驚喜。是個讓人看了會心一笑的作品。

TOP 5：歷史照片牆的紀實與藝術性　《當我們同在一起系列》(許村旭)

https://www.taipeibiennial.org/2023/tw/content/participant-hsu-tsun-hsu

進場時比較留下印象的是一組的照片，紀錄的是台灣自解嚴到戒嚴之後的作品。即使沒有這層背景，單純看人類的情緒反應，照片中大家神情各異，也是眾生相一字排開的有趣觀察。

有種就是這樣形形色色的表情，構成了＂人類＂這樣的物種的感覺。

然而當中蘊含的衝撞/反抗的運動/變動感（可說是照片主題背景的明線），身為未經歷過戒嚴的我來說並沒有辦法從靜止的照片中感受的到。這無關照片好壞，而是不具備能被喚起的同時代記憶。如果是長輩來觀看，可能會很有感觸吧。照片牆靜止在那，隱約呼喚著可與其產生共鳴的觀看者。

我覺得有趣的是當初這些作為針對歷史事件/歷史時刻的紀實影像，在幾十年後因其中的藝術性被入選進本次展覽，有種根本的目的性的轉變。感覺跟後面有個拍攝各種碉堡的照片及有異曲同工之妙。

紀錄與藝術的關聯性是什麼？作品會是以不同比例並存這兩種元素嗎（例如70%紀錄性，30%藝術性）？若是，其中的比例會因時間而變動嗎？美感從何而來，藝術如何被定義？此外，本作當中是以怎樣的邏輯來選擇展出哪幾張照片，或決定以何種順序來呈現呢？感覺是個可以有很多延伸思考的空間，而這些題目也不一定有什麼絕對的答案。

但就單純欣賞照片中大家的模樣也不錯。這個作品擺在展覽的最開始滿合適，有點像是定調這個展覽的策展精神，讓看展的人更有概念。

（話雖如此，去看了策展說明，整整一大頁的內容，感覺說了很多卻什麼也沒說…）

TOP 6：無法逃離的體育館迷宮　《Spacy》(伊藤高志)

https://www.taipeibiennial.org/2023/tw/content/participant-takashi-ito

這是在TOP3旁邊的小展房裡的作品，四個佇立的影像描繪出體育館的場景範圍，但透過旋轉後拉近的無限重複流程，我們仍然留在體育館當中。整體來說滿有趣的，本來有試著拍照但畫面當中的螢幕是全白的，什麼都看不見，只好作罷~~

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最後，官網可能因為放了很多的圖與影音，整個loading的速度非常緩慢，項目都是緩緩浮現的方式(之前查還曾一度都沒有浮現，就黑黑的一片什麼也看不到~~~~)，有點微妙，希望之後可以改善。