日子的另一種輪廓：蔡明亮的日子

北師美術館提供

在城市的喧囂中，美術館像是日常中的一塊緩衝地帶。那天走進北師美術館，迎面而來的是《蔡明亮的日子》展覽。畫作、文字與影像彼此交織，展現出一種介於電影與藝術之間的曖昧位置。這次觀展激發我對觀看方式、空間轉換、藝術觸感與「標籤」詮釋的多重思考。

場域之比較：美術館與電影院

蔡明亮的《日子》在電影院和美術館同步展出，這種嘗試自2014年的《郊遊》就開始了。蔡明亮曾在一次採訪中提到，要培養新的觀眾，必須先培養他們的美學基礎，讓他們理解藝術並非遙不可及。雖然美術館似乎仍存在某種距離感，但考慮到台灣觀眾對電影的觀看習慣和接受程度，對於藝術電影（非商業電影）的推廣，我認為美術館的確能吸引到更多元的觀眾。

然而，當電影進入美術館時，是否需要為了適應美術館的空間特性而做出改變？我認為，並非所有的電影（包括藝術電影和實驗電影）都適合在美術館展出，它們必須具有超越影像的藝術元素。而蔡明亮導演的畫作和文字就符合這種要求。他的電影《日子》在電影院上映，畫作「蔡明亮的日子」則在美術館展出。對蔡明亮來說，這兩者是互為因果的，並無先後之分。這個觀點在某種程度上回答了我對上述問題的看法。我認為，從電影院到美術館，改變是必要的，就如同教學需要因材施教，展覽也是如此。但我們不能為了遷就某個空間特性而改變作品的本質。因此，我們應該先確定作品本身適合在美術館展出，然後再考慮是否需要為了適應美術館的空間特性而做出恰當的調整。 

究竟什麼是美術館有，而電影院卻沒有的元素或感受？我認為，美術館提供了一種現場性，這種現場性涉及到觀看的時間和視角。電影提供了導演蔡明亮的視角，但在美術館裡，我們可以自由選擇自己的觀看視角，無論是坐著、站著、俯視還是仰視。當我們從影像中看到椅子時，觀看的角度已經被確定，而且我們與真實物件的距離也變得更遠。相比之下，美術館讓我們可以自由決定「框」的大小（將眼睛比喻為攝影機），這種自主性是電影院所無法提供的。

觸的美學

接著來談整個展場的佈局規劃所帶出的感受。當我踏進美術館二樓的展覽區域時，挑高的樓層和寬大的落地窗共同營造出穿透感，使視野更加寬廣。同時，展場不規則的布置安排，讓參觀者能夠在作品和物件之間穿梭走動，進一步增添了整體的探索感。在二三樓的展場中，除了一些小幅的畫作外，有三幅大型畫作令我印象深刻，分別是直立的大樹、醒目的紅色電影院排椅，以及三樓地上擺放的畫布。

這樣的觀展體驗讓我聯想到樊香君老師演講時提到的「觸的美學」。老師曾透過微型工作坊，讓學生練習全身佈滿眼睛，以感知的方式看到自身背後或腳下的世界。蔡明亮的展場佈置同樣打破了傳統的展場設計，不拘泥於兩面牆的展覽形式，將物件延伸至觀者的頭頂上方、腳下或背後。此外，展場並未營造成封閉的空間，反而選擇了大面積的落地窗，我認為這不僅是視覺上的延伸，也是觸的另一種形式。 

若將「觸」的範圍與界定標準持續放大，使之定義變的寬廣，不論是有形還是無形，能夠引發感受或留下印象都屬於「觸」的話，對我來說，此次觀展讓我經驗了許多種形式的觸。《蔡明亮的日子》這檔展覽，不僅是跨域的藝術表現，更是多種感官的結合，從聲音、氣味、視覺的突破再到座椅的真實觸感，我彷彿用全身在接收展覽所提供的各種資訊，這種身體性的感受是不曾有過的體驗。

（攝影/王世邦）

標籤的意義

同時，我發現二樓展場的作品旁並未提供充足的資訊。以往參觀美術館的經驗中，畫作旁總會有相關的背景資訊。奇特的是，雖然展場中沒有提供額外資訊，但手冊裡卻完整寫出畫作名稱、年份、畫布材質、創作媒材等「標籤」。

我非常好奇，對於蔡明亮導演來說，他的作品是否需要這些標籤的輔助？標籤的放置與否，會改變畫作本身的意義嗎？所傳達的訊息又會有什麼不同？依我個人接收到的感受，會將這些畫作視為電影院的延伸，如同電影劇照、海報一樣。拿掉美術館常見的鮮明標誌，模糊電影院和美術館兩個場域的區別，讓兩者既獨立又像雙生。此外，作畫年分和材質的細節是否重要？記得老師曾經說過：「不要依賴導覽解說，觀賞是個人的體驗。」想著這句話，我開始思考畫作的藝術價值該具備哪些面向的思考，而補充資訊是否會影響人們對畫作價值的評斷？ 

雖然我同意觀賞是個人的體驗，蔡明亮的展覽也證明不需要標籤亦能理解畫作內容，然而，回想暑假參觀高雄美術館，一樓展場的西方古典藝術畫作，我幾乎難以產生共鳴。倘若失去簡介的幫助，如畫作名稱和創作年份，對畫作一無所知可能會阻礙更深層次的觀看。

小結：此次的美術館參訪，不僅豐富了我的視覺體驗，同時開啟我對「日子」更多的思考與回顧。無論是在觀展當下的自我提問，還是後續重新咀嚼其中細節的過程，不同視角的觀察與反思總讓我耳目一新。《蔡明亮的日子》透過文字、畫作與影像片段，讓我有機會深入思索生活的本質，以及時間、空間和人際關係的意義。