《藝術、知覺與現實》推薦給攝影創作者

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攝影的創作過程中，會思考「圖像再現性」的表現，簡單說就是圖像的語言。這個語言是視覺的、經驗的、編碼的，更可橫跨心理學、哲學、藝術史的演變等等，要如何掌握更多關於圖像的表現形式，就得從這廣大的學問中去探索。

第一篇提到面具(the mask)與面容(the face)，在面容之中的恆常性體驗，可以經得起時間與心境的考驗，例如：一個人從9歲到70歲，熟悉的人仍然可以辨識其為同一人；而面具就像一位演員，透過道具、化妝、服飾、代表性物品來改變外表，將相貌引導至混亂的相似性。

對於一個人的「神韻」或特徵性的面孔，我們不可能有完全相同的體驗。

在肖像的變化上，將其視為變數X與Y之變化，例如兩眼間的距離、大小、髮型、服飾變化等，這樣的交互作用複雜性讓相像性是經由「捕捉」的，而非「建構」的。而在色彩的感知上，則分為「局部顏色」和「光照」，將光與色分離，則是所謂的色彩恆常性(colour constancy)。

一張肖像照，其中蘊含攝影創作者的「移情作用」，再加上「性格」的因素，讓表情的變化豐富，而文中隱藏在面容背後的恆常之物，則是作者提到的變數等式，透過這些組成而達到該作品比本人更像本人的形容。

作為攝影創作者思考的是將模特肖像本質上的「面容」美加上想像中的「面具」，將這無形的變數之中找出最美的組合，並賦予攝影師本人的美感經驗，並且組合出圖像。

第二篇主要探討的是觀看整個圖像的畫面的視覺導引與感知，談到透視、錯覺以及兩種古典理論—經驗法則與格式塔理論(將部分做群組化而產生的視覺)，對於攝影而言，主要體現在場景的構圖上，文中提到漫畫不含陰影的簡單線條，在視覺上的編碼比照片本身的理解速度上還要快，由此可知一個圖像的畫面越是簡單符合線條的規則，其越容易符合美的感受，因為其辨識的速度較快，相較於過於複雜的細節，如果辨識困難，容易有限如迷宮視覺的產生。

第三篇主要是用文字邏輯的方式來分析相貌相似性的問題，較為複雜，雖然有提到關於照片的例子，但主要還是圍繞在文字上的探索。

雖然本書是1972年出版的書，但舊時代的觀點以現今AI的發展來看，仍會有不一樣的收穫，僅是希望能從中獲取更多不一樣領域的觀點，在拍攝的心態上與準備上能更加擴展眼界與方式，將美學的涵義灌注在未來的作品中，在這邊推薦給廣大的攝影創作者們。