釀專訪｜【​2024 TIAF 臺中國際動畫影展】焦點影人波赫士．勒培專訪：「我透過誕生與死亡的力量創作」

（編按）本屆 2024 臺中國際動畫影展「焦點影人」單元，特別安排法國動畫導演波赫士．勒培（Boris Labbé）的專題，放映八部跨越十五年創作生涯的短片作品。《釀電影》也獨家跨洋專訪波赫士．勒培，從創作的初衷、思考的流程、心目中的觀眾樣貌，到面對最新穎的 AI 技術的思考，深入淺出地進行了探討與分享。

釀電影（下簡稱釀）：導演好，你的動畫雖然常常在物體的 texture 上是手繪的，但是從結構、攝影到呈現「群體」與「重複」的創作哲學，很顯然都要借助電腦。能否跟我們分享你的典型創作流程？

波赫士．勒培（下簡稱波）：這真是個大哉問。事實上，每個作品都不太一樣，有時候我會從一段長時間的寫作開始（先進行 idea〔創意／想法〕的研究與發展），同時進行圖像和技術上的研究（這就包括電腦的運用了）；也有時我什麼都不寫，直接從技術和實驗開始。我會在初期進行大量的圖像和素材搜集，這可以幫助我推進和找到方向。也因此，我的創作常常都有多重的參考與指涉。而在視覺方面，有時候我用畫的，有時候我做攝影蒙太奇（photomontage），有時我會直接在影片中、用現成影像或 3D 技術進行測試……

整體來說，我的創作過程是有機的，而且我喜歡做實驗，為每個企畫找到適合的技術，而且盡可能地打破過往的習慣。

事實上，我們這個世代的電影人對傳統的電影創作素材大多很陌生，所以運用電腦、透過它來思考每個作品，對我來說是很自然的事。我會盡量嘗試發明新流程，這些流程往往始於一個簡單的想法和技術（比如在紙上畫畫，或是從循環〔loop〕結構出發），再試著把它的潛力發揮到極致。就像傳統的電影膠片技術發展到極致，便無法繼續存在了，電腦能辦到人手無法做到的事，反之亦然。所以我嘗試充分利用每一種可能性，並將它們發揮到極致。

釀：接續上題，既然需要借助電腦，尤其那些展現「大量」之美的場面，應該就不會只是對 3D modeling 軟體給予指令，還有程式的自動計算在其中。相較於其他的動畫創作者對於「AI 在藝術創作的使用」帶有擔憂與戒心，你是否想過 AI 的發展也許能對你未來的創作帶來什麼幫助呢？

波：當我最初看到新的 AI 工具時，其實是驚訝和困惑的，因為我沒想到機器可以自動作出如此精細的圖像效果。我當時想：我們怎麼會忽略了這天的來臨？它也讓我一度質疑自己的做法（以及藝術的未來），並且思考是否應該使用 AI。不過它也讓我非常好奇，所以就動手試試看，結果發現：使用 AI 其實很有趣！

所以我也跳了進去，想創作一個部分使用 AI 的作品──我作了《玻璃屋》（一部反烏托邦主題的、40 分鐘的音樂會電影，與作曲家 Lucas Fagin 合作）（編按：即本次放映的短片《玻璃屋》的長版）。既然今天的我們就像是生活在昨日想像中的「反烏托邦」，用 AI 技術來呈現這個矛盾，感覺很適合。

在 2022 年（創作《玻璃屋》）當時，還沒有那麼多關於版權和數據盜竊、或運用這項新技術背後的資本優勢落差……等等的爭論。如今，我則是依然偶爾會用 AI，但用得很少。對我來說，它並不會取代傳統工具，但一定會激勵藝術家們去改變自己，不論用它或不用它都是。

釀：你的許多作品，尤其譬如《墜落》，是由很多個內部不斷重複的段落組成的，這給我的感覺其實很像「音樂」。想請問，音樂（尤其古典音樂）是否是你的創作養分之一？

波：使用極簡音樂和重複結構的習慣，應該是來自我在早期聽了很多 Steve Reich 的作品，比如《Music for 18 Musicians》以及《Claping Music》等。但其實我什麼音樂都聽，而所有音樂（或幾乎所有的音樂）都奠基於某種節奏、重複、循環。

話說回來，在某些現代音樂裡已經不是這樣了，有一部 Norman McLaren 的電影《卡農》，用電影的形式重現了卡農的音樂結構，就帶給我不少啟發。

釀：延續上題，在這樣的創作形式裡，你又是如何選擇搭配的音樂風格呢？

波：我和很多不同作曲家合作，他們本身也都是擁有個人風格、技巧和感知能力的藝術家。對我來說，真正重要的是與作曲家保持對話，才不會變成強加我的視野或特定風格在音樂上。

因此，我為一部作品找到合適音樂風格的方法，是先找到適合的人，通常是擅長當代和電子音樂的作曲家，再告訴他們我喜歡什麼、不喜歡什麼，同時也期待著被意想不到的聲音驚喜。

釀：再延續上題，除了接近音樂的性質，你的作品也常讓我想到數學。尤其在你的網站 bio 裡，也提到這些作品的概念跟機率有關。在這些創作的背後，是否你也對數學理論有過研究與感受呢？

波：是也不是，因為我既不是科學家也不是數學家。我的創作更偏向來自感性的邏輯：它既不產生任何結果（results），也不基於任何真正的理論。這麼說吧，我覺得自己更偏向一個「夢想家」，只是喜歡提出「看似」很數學的想像（有點類似荷蘭藝術家 M.C. Escher），但最終的成品終究是純然美學的。

話說回來，我確實對某些科學領域的東西很感興趣，比如結理論、混沌理論、分形理論以及基因學等等。

釀：藉由這樣的結構，你的動畫比起情節或故事，更像是在用「呈現一些 vignettes 」做為敘事，這是你期待的表達自我的方式嗎？

波：是的，我相信是如此，我對「全局」更感興趣，因此用 vignettes 來形容這些既是我的、同時也不是我的意念，真是個好說法。一個好的創作總是既聚焦於自己、也朝向他人（或整個世界）。

釀：你覺得自己的創作想表達的，比較接近「自我的感受」還是「對世界的觀察」？

波：兩者都有 :) 但或許可以微調一下座標軸來形容：我的創作更多是朝向內在、朝向想像，而非具體或「現實」的。

釀：在你的動畫作品裡，不論電腦繪圖或是手繪畫面的，我一再感受到的主題是「群體」的概念，以及「生命」的力量，包括生命找到出路的動力，也包括生命的誕生。這些是你時常在思考的問題嗎？

波：是的，我認為這對我來說非常重要。我通過構築生命的兩股力量──出生和死亡──來創作。而這並不是一種負面的眼光和詮釋：當一些事物消亡，另一些事物會重生，如此無窮無盡，十年、百年、千年⋯⋯過去，生命的存在本身，就是這個世界的創造力最紮實的例證。

為了生存下去，所有的生物都在用盡一切方法嘗試，演變出各種形狀、顏色、生物機制⋯⋯這些對於他們的生存，有時候很有幫助，有時候則顯得很荒謬。我對演化的機制非常著迷，那些小小的適應和調整，最終會導向非常緩慢、但強大無比的進化力量。

其實，這個過程也跟藝術很相似：你必須在創作生涯裡不斷地演化，適應新的情境、新的想法、新的工具，同時我們又跟那些在洞穴牆上繪畫的第一批人類有所連結。而動畫是能夠召喚這項連結的，關於時間與變形的，很好的藝術形式。

釀：最後，能否跟我們分享，在創作的時候你想像你的觀眾是什麼樣的人們？

波：通常我不太會去想觀眾的類型，而是比較順其自然。我的某些作品很適合兒童觀看（《吟遊詩人之詩》、《阿伊努紋飾》），另一些則更適合成人（《墜落》）。我努力讓我的動畫可以朝向所有觀眾（即使是比較實驗風格的），這也是為何，我同時也為劇院、公共空間、VR、展覽……而創作。每一種類的作品都會帶來新的觀眾，而不只是動畫影展的影迷們。

採訪、翻譯、撰稿：張硯拓
劇照、導演照提供：TIAF 臺中動畫影展