當科技作為一種媒材：VR藝術的困境

「這是世界上最大的鑽石。」

「不是的，」吉普賽人說，「這是冰塊。」

馬奎斯的小說《百年孤寂》裡面，寫到吉普賽人吹笛打鼓的來訪，每次都為小村莊的人們帶來不可思議的發明與科技：冰塊、放大鏡、巨大的磁鐵等。老邦迪亞為這些有如魔法的展示完全迷住了，激發出狂熱的想像與欲望。

自從VR（虛擬實境）跟AR（擴增實境）、MR（混合實境）前幾年成為了藝術界熱門的話題，每一個重要的藝術博覽會或是雙年展中，不可缺少的，一定有一件相關的作品。不過事實上，真正了解其中技術的美術館策展人幾乎不存在；而能夠進到美術館展覽的VR藝術家，對技術掌握也十分有限，因此衍生出現了許多奇怪的現象，讓人不禁懷疑所謂利用科技創作的藝術，在資訊不對稱中，我們是否都只是激動的老邦迪亞？

莎士比亞的妹妹們《百年孤寂》舞台劇。

紐約的軍械庫藝術博覽會（The Armory Show）擁有超過百年的歷史，曾經是世界最重要的博覽會之一。隨著時間的汰換，全球化博覽會如Art Basel、Frieze的興起，近年幾經撤換總監，企圖帶來煥然一新的氣象；雖然仍是國際藝壇上每年的一大盛事，重要性卻每況愈下。去年的軍械庫博覽會，入口即是一個由佩斯畫廊代理的Studio Drift，Artsy與Microsoft Hololens合作的作品<Concrete Storms> 。

工作人員咧著陽光燦爛的笑容並且塞給我一個彩色糖霜杯子蛋糕，似乎非常想要鼓勵大家留下來排隊等待。經過十分鐘後，我終於戴上了眼鏡，在一個小方塊區域內看到一些勉強在漂浮飛動的碎石塊。看著工作人員期待反應的表情，最後我只能尷尬的匆匆逃走。

藝術產業封閉、不透明、對於新科技的運用十分落後，而藝術圈與其說是對於科技的興趣，不如說是出於新鮮感，畢竟，藝術的價值要經過歷史與長時間的焠鍊，藝術活動卻需要不斷的刺激。偌大的展場空間，穿梭其中衣著光鮮的業內人士，激動的談論這些新奇的裝置，發出嘖嘖的不知是真心或是虛張聲勢的讚嘆聲。

另一件同樣是Studio Drift的作品，在傳統的展位上拉起一個厚重的舞台簾幕，當簾幕緩緩拉開後，一個（有如）巨大石灰泥磚戲劇性的懸浮在空中，或左右前後的移動。這件看似神奇的磚塊，其實是利用氦氣氣球的原理——「新媒體藝術」、「科技藝術」這些如雷貫耳的名稱，藝術使用的技術，通常一點都不新，甚至常常是古董級的技術，但是通過藝術家的巧思，予人驚奇或是深刻的感受。

Drifter (2017) by Studio Drift  Installation view at The Armory Show

Photography by Kerry Ryan McFate, courtesy of Pace Gallery

前不久的惠特尼美術館雙年展，展出了一件原本應該令人不安的VR作品：一場赤裸的暴力事件。觀者（目擊者）必須雙手扶著桌沿的欄杆，直視一人被不斷毆打直到頭破血流最終倒下。儘管作品試圖探討暴力、窺視慾與道德等主題，很可惜的，受制於現有技術，VR並無法發揮身歷其境的感受，儘管那正好是創作者選擇VR作為創作媒介的原因。

動畫與遊戲、虛擬世界的緊密結合的聯想，因此目睹動畫人物發生的事件，與真人的情境感受是截然不同的。如果你曾經體驗過許多非常精緻的VR遊戲，那麼這件作品也會令你大失所望，藝術家為了製造頭暈的效果，將觀者的視角旋轉360度；為了呈現暴力，製作了一個並不太精細的動畫人物。這種嘗試，似乎也是VR藝術所面臨的困境，在各大雙年展、博覽會中，有如畫蛇添足般的存在，少了它卻又跟不上時代。

紐約新美術館三年展的VR 作品。Photo source : Jiaxi Yang

前面提到的佩斯畫廊，作為國際性前幾名的畫廊，在全球各大城市都有駐點：在紐約就有三個空間，倫敦、巴黎、北京、香港等，去年更成立了專注於藝術與科技的項目Pace Art + Technology，首展由teamLab在北加州展出。發源於日本的藝術團體teamLab， 是由一群「社會情報專家」（用戶界面工程師，數據相應的工程師，網路工程師，機械工程師，計算機視覺工程師，軟件架構師）、數學家、建築師、CG動畫、網頁設計師、平面設計師、藝術家等，組成的跨領域人才團隊。[1]

幾個月前，teamLab的展覽也巡迴到台灣，在華山文創園區的展覽針對親子市場主打許多大型投影互動裝置，同時也更廣大的接觸到藝術族群之外的觀眾。teamLab創立於2001年，儘管創辦人豬子壽之一開始就有許多創意的想法，卻也是從網頁設計做起、維持營運，拓展到美術館、博物館的互動裝置，近幾年一邊在畫廊以藝術團體的身份做展覽，另一方面也製作更多大型的商業項目，再成為自製巡迴展覽的公司，巡迴於亞洲多個城市。從佩斯畫廊、teamLab、以及其他許多近期興起的工作室，暗示了新媒體藝術的商業化將有別於過去數十年的傳統畫廊機制，而產生自成一格的模式。

科技作為藝術家創作的媒材，「科技」指涉的太廣泛，傳統的創作媒介：油畫、水墨、攝影、雕塑，甚至攝影，擁有上百、千年的歷史，藝術家在時間的長河中，得以傳承與精進技巧；科技作為一種媒材，汰舊換新的速度卻比不上藝術家熟悉的速度。VR、AR有如一種語言，說故事的創作者，還沒有學會如何掌握一種語言，浪潮已經推著人們的注意力前進了。

中國信託金融園區 teamLab的作品《Circulum Formosa》TeamLab, 2014, Interactive Digital Installation + Light Sculpture, LED, Endless, H: 14700mm W: 17200mm D: 3840mm, Concept design, production and execution supervisor: DEM inc.

「東西自有它的生命，只要喚醒它們的靈魂就行了。」吉普賽人說。

付了五里拉摸到冰塊的老邦迪亞，大叫著：「這是我們這個時代最偉大的發明。」

十年後回過頭來看這一篇文章，會有什麼感想？大概像是現在想起電子辭典與nokia3310的感覺吧。

註[1] http://tedxtaipei.com/the-future-is-now/speaker/speaker3-7.html

封面圖片來源：

Drifter (2017) by Studio Drift  Installation view at The Armory Show

Photography by Kerry Ryan McFate, courtesy of Pace Gallery

編輯：熊編