《大藝術家》美國版海報
當電影從無聲邁向有聲、從黑白走入彩色，甚而從2D過渡到3D，並且蔚然成風時，法國導演米歇爾‧阿威納維奇（Michel Hazanavicius）卻反其道而行，借用黑白默片的形式，身兼編導二職完成新作《大藝術家》。導演的大膽嘗試與非凡才華，使得默片的先天條件──無聲與黑白影像──不再是限制，反而轉為創意表現的利器，讓現在的觀眾得以認識默片的美好之處。
電影的時空背景設定在1927年，正好是首部賣座有聲電影《爵士歌手》（The Jazz Singer，1927）上映的年代，也標誌著默片時代的結束。在這樣的時代潮流之下，原本走紅於默片的明星們紛紛面臨被淘汰的命運，包括自視甚高的喬治‧范倫丁（Jean Dujardin飾）在內；此時，一位原先默默無名的女星正逐漸崛起，她的鋒頭一步步地超越喬治，甚至是取而代之，成為搶盡媒體版面的風雲人物，她就是佩比‧蜜勒（Bérénice Bejo飾）。喬治的失志代表默片的漸趨沒落，佩比的走紅則象徵有聲電影的興起，兩人名聲的消長見證時代變遷的無情，相互提攜則體現出人的有情，如此通俗的劇情架構不難令人聯想到《萬花嬉春》（Singin' in the Rain，1952）等的經典電影。
導演之所以拍攝默片除了是基於自己的愛好，也想證明現代也能拍出好的默片，事實說明，《大藝術家》不僅成功地重溫古典，更融入現代的巧思，聲音的運用即為一例。在現在的有聲電影中，導演常會刻意將聲音抽離，藉以表現「此時無聲勝有聲」的美學境地，一如詩人簡政珍所言：「聲音美學上的極致在於聲音後的沉默。」同樣的道理，在默片的一片無聲──除了電影配樂之外──中，聲音的出現無疑是驚喜，也是戲劇張力的展現。電影中，共有兩處加入聲音，其一是當製片播放有聲電影給喬治觀賞，並直言「這就是未來電影的樣貌」時，喬治對此嗤之以鼻，之後他突然發現身旁的所有東西都有了聲音，諸如：玻璃杯碰擊桌面的聲響、電話鈴聲、狗吠、風聲、椅子磨擦地板的聲音等，只有他自己仍無法發出聲音。喬治的無聲照理說只存在於默片中，戲外的他應該無異於一般人，是能自由地發聲的，然而這回真實人生中的喬治竟和戲中同樣無聲，讓他頓時驚慌失措。導演藉由這場戲不僅點出電影從此走入有聲時代，也暗示了喬治被淘汰的命運，就像無聲的他被淹沒於聲音的洪流中一樣。
另一處的聲音則是出現在大紅大紫的佩比試圖協助喬治捲土重來，邀請他在新片中共跳踢踏舞之後。兩人舞畢，酣暢淋漓的喬治發出喘息聲，此時導演的「卡！完美！」讚嘆聲以及片場中的各種聲響也從銀幕中流瀉出來，一切是那麼的理所當然，喬治也沒有像之前一樣被聲音嚇到。喬治自然而然地融入有聲的世界中，顯示他終於從無聲的默片邁進有聲電影，不再像過去那樣排斥自己在銀幕上發出聲音──他總以為沒有觀眾想聽他說話──當然也象徵電影新人生的開啟。
默片的無聲消除通俗劇中所有可能過分氾濫的聲音──包括對白與哭聲等具情緒感染力的聲音──另一方面，無聲的基底使得導演更能有效地運用聲音，前述的兩場戲即為很好的例子。默片裡出現聲效與人聲等的聲音實屬破格，但這層破格置放在《大藝術家》中又顯得舉足輕重，與劇情緊緊相扣，可見導演的獨出巧思與編導功力。不過，就算遵循默片的規矩，導演一樣能玩出有趣的效果。
片中有一幕：佩比慌慌張張駕車去尋找喬治，因為心急，車開得左搖右晃；鏡頭換到喬治，他坐在燒毀的家中，拿出手槍放進口中，這時畫面轉到字幕卡，上頭只出現「砰」一個字。在默片裡，字幕卡不時穿插於影片之中，其功用除了提點時間與地點等的訊息之外，也會顯示劇中角色的部分對白，讓觀眾能了解對話內容，但是有時字幕卡也會使觀眾的理解產生歧異。「聲音無形，但它意味某種形象。」簡政珍如是說。在上述的橋段中，導演以字幕卡暫時中斷兩場氣氛緊張的戲，「砰」到底意味著喬治開槍的聲音，抑或是佩比的車衝撞到某物體的聲響？觀眾的一顆心不禁懸在那裡，直到下個畫面才得以解開疑惑。雖然這個部分並未出現真正的聲音，但導演緊抓觀眾的心理，利用影像、字幕卡與對聲音的印象，變出一場精彩又趣味盎然的聲音魔術。
顯而易見，以默片形式呈現的《大藝術家》沒有陷入無聲之中，反而巧妙運用無聲的聲音與有聲的聲音玩弄出意想不到的驚奇，為古典與現代的融合做出最佳典範，無怪乎這部默片能在各大影展與電影獎項中大放異彩。
【電影資料】
中文片名：大藝術家
英文片名：The Artist
導演：米歇爾‧阿威納維奇（Michel Hazanavicius）
出品國：France | Belgium
發行商：傳影互動（台灣）
影片年份：2011
色彩：Black and White
片長：100min
