文／蘇維 SUWEI（平面設計、繪本及藝術書創作者）
「當我做一本書時，我會以『書是藝術品』的心態看待所有製作過程。這個時代，書籍往往是從產品的角度，而不是作品的角度來製作的，但我希望讓讀者從拿到書的那一刻起，就能親身感受到一本書的重量、厚度、印刷方式、紙質。」[1]
初次認識韓國獨立出版社Somebooks的讀者，應該都會對其鮮明的設計風格留下印象：封面封底由兩塊灰色厚紙板（有時會搭配主題印上顏色）夾著內頁，直接用一層薄薄的書背膠帶固定[2]，沒有額外的書衣做保護；封面上看不見書名及華麗的圖像，通常只壓上一個小小的剪影作為故事象徵。
如此自成一格的繪本出版社，究竟是從何發展而來的呢？
從圖畫書到圖像書，以更大的眼光看向繪本
Somebooks的創辦人조선경（Cho Sunkyung）本身是繪本創作者，也是一名教育者。在2009年成立出版社前，於2003年創辦了SI繪本學校（Some Institute of Picture book），該校分為大學部及碩士班，課程內容不只繪本知識的培養，更有跨領域的課程架構，例如在繪畫技法、文學寫作、經典案例分析等基礎規劃中，另外擴展至商品設計及平面設計、哲學理論、社會審美觀、藝術電影賞析等面向的訓練。
其中最令人眼睛一亮的，則是在圖畫書（picture book）之外，提出另一項重要的研究類別：「圖像書（image book）」。例如將繪本創作視為藝術創作行為並實際製作的「繪本思維方法」課程、實驗各種裝幀方式如何結合敘事的「圖像書工作坊」、研究義大利前衛出版社 Corraini Edizioni 的藝術繪本案例（如最知名的Bruno Munari系列作品）、兒童繪本與設計師繪本的比較分析、藝術家書籍（artists’ book）系列講座⋯⋯等打破「兒童繪本」框架的書籍藝術課程，提供跳脫一般商業出版限制的繪本創作方法及思考方式。
由此我們能瞧出一些端倪，他們要選擇如此實驗性的裝訂方式、挑戰常規之外的書籍並非毫無根據，比起標新立異或樹立風格，這更是為了拓寬繪本的可能性。
조선경曾於專訪中分享自己創辦學校的理由：「商業出版有著很制式的結構。如果進入了那個模式，作家們就不是在創造自己的世界，而是忙著製作迎合廠商要求的某種產品⋯⋯無論是文學上、電影上、文化上、藝術上，什麼樣的嘗試，都該與商業性無關，讓實驗的題材更豐富。一直要有研究者，因為研究會使這個領域的田地變得肥沃，並使其他題材一起共同生長。」[3]
但他同時也承認，以上理念有個很重要的前提才可能實現——這些作品必須實際出版，並且進入市場機制中接觸更多讀者、激發更多討論，才可能慢慢累積出沃土的地基。
因此SI不僅只是一間學校，同時還創立了研究中心、畫廊、書店、圖書館等設施機構，以此建構出一套可以從課堂作品到展覽、甚至實際出版的運作體系，而Somebooks出版社正是為了完善這個系統而誕生的重要角色。
在突破性的裝幀方式背後，思考如何用一本書說故事
綜觀Somebooks出版的三十幾本書中，便有六本是創辦人조선경自己的作品。前兩本是以劇情故事為主的《The Blue Bird》、《Lalala》（同時也是故事相連的姐妹作）[1] ；後四本則更接近他強調的「概念性圖像書（conceptual image book）」，不僅展現了完全不同的創意，也都是書籍形式與主題概念緊密扣連的佳作，其中又以《Kiss》及《This is not a stone》令人驚豔。
《Kiss》對第一次翻閱的讀者來說可能會有點困惑，要在東翻西找之後才會發現原來是由兩本書對稱黏貼而成。《Kiss》平時可以對折收納，但當要閱讀時，首先需要將兩本書左右攤開，再開始一左一右的翻閱（當然順序可以完全隨心所欲）；全書沒有文字及劇情，每頁僅有一個不同的黑色剪影，猩猩、老鼠、鱷魚、蛇、孔雀魚⋯等，甚至還有一塊岩石！
這樣特殊的裝幀方式，正是這本書最重要的精髓所在：當我們左右攤開兩本書時，左與右的圖像會自然將嘴巴碰觸在一起，也就是說，每一個翻頁動作，直接化為了親吻的動作。
看著猩猩親吻老鼠、蜂鳥親吻鱷魚、豬親吻石頭等各種生物與無生物的親吻組合，雖然動作皆一致，但隨著圖像組合變換，感受自然也會不斷改變。在讀者各自的投射及聯想中，這本書結合了視覺與行為，用最純粹而直接的方式，讓「親吻」產生了無限種意義。
而《This is not a stone》則以相反的作法延續了「無限種意義詮釋」的概念，圖像只有一個石頭（而且還是一顆貨真價實的石頭！），安放於由120張挖了橢圓形中空洞的紙張層層堆疊而成的凹槽之內。
看著這顆石頭讀者都會不禁疑惑，為什麼書名取為「這不是一顆石頭」呢？
翻開書後可以發現，每一張內頁都寫上了文字：「This is not a stone. This is a gold, a silver, a lump of clay, a piece of steel, a block of sugar……」。隨著翻頁文字不斷變換，就像是一次又一次地反覆為石頭重新定義，而當「This is not a stone.」重新出現時，談論的主題便會切換；第一部分以「物質」為主軸，第二部分則成了「蔬果植物」，接著是「星球」⋯⋯各種主題不斷交替，直到最後一部分的「偉人」。在細數愛因斯坦、尼采、莫札特等歷史名人之後，最後一頁寫上了「and this will be I.」。
翻頁的過程中，一邊複誦文字，一邊看著石頭隨著內頁減少而逐漸探出頭來，心中的感觸也隨著敘述的不停變換而不斷翻飛出來。好似經歷了一顆星球的歷史，或是宇宙的寬廣神奇，有時卻又不禁思考起人生的意義。這本書將紙張體積的特性放大至極致，使得書本成為一種「容器」的同時，更結合哲學思考，將實體空間拓展至抽象空間，如同收納各種存在意義的小小宇宙。
當繪本數量與倖存受難者的人數一樣多，出版也成為作品概念的實踐
最後想再特別介紹學生出版品中，신혜원（Shin Heawon）的作品《들꽃의 노래》（《野花之歌》）。五顏六色的布製封面上印滿了綻放的白色蓮花，內頁卻近乎空白。仔細一看才會發現，原來是將白墨印製於白紙上，每一頁的正反面都印了一張老年婦女的臉孔，以及不同的野花。
這是一本關於日軍慰安婦受難者的作品，書中的花草皆為瀕臨絕種的品種。白墨印製於薄薄的韓國傳統手工紙上，讓翻閱過程產生出一種如霧似幻又搖搖欲墜的效果。作者希望透過圖像及印刷所呈現的情感，講述自己祖母及其他受難者如同瀕危野花般逐漸凋零的感受。
這本書於2014年出版時僅發行了55本，以紀念當時倖存的55名受難者，隨著其中兩位的離世，隔年二刷的數量也降為53本。這樣的出版形式，讓作品概念不只侷限於圖像及印刷，更讓出版本身成為一種概念的實踐：限量書所呈現的珍貴，不再僅是藝術品珍稀所產生的漂亮價值，而是直觀地提醒世人在限量之外，這些倖存的生命正在減少，另一種「沈重的珍貴性」。
從圖像的隱喻中、印刷的形式中，甚至從出版的策略中，這部作品展現了「一本書可以如何被閱讀」的各種可能性，而這似乎也完整體現了法文單字「livre（書）」的意義：
法文「livre」這個字，並不單單指稱具有印刷形式的書籍，而是一種文本的載體，必須根據其後的限定詞如「手搖捲筒的」、「翻頁簿本的」、「手抄的」、「印刷的」、「電子的」來確定它的物質屬性。
因爲此書讓讀者了解到，文本意義的產生與其閱讀效果的作用，皆與它的物質世界緊緊扣連在一起：從寫作者的文本安排到以書籍的樣貌呈現；從排版、印刷工人對文本的處理到圖書經銷業者的出版策略；從創作的智識環境到檢查制度。 這些物質條件與人文環境使「文本」成爲一本「書」，也影響它如何被閱讀。 [4]
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[1]〈BCC October: How To Make A Picture Book〉，RYSE Hotel每月舉辦之文化講座，2019
[2] 正式工法名稱為PUR膠裝，但與台灣常見的形式還是有所差異，是由Somebooks自行改良而成的裝訂型態。
[3] 〈可以與任何人分享的文化－繪本〉，童里繪本溫室/插畫培養皿，2022
[4]《印刷書的誕生》，貓頭鷹，2005
童里年度企劃｜繪本之外：收錄許多與眾不同的圖像書
