台灣的ACG文化產業鏈，為何總是做不起來？

這個問題很多人會講到不同的答案，不如簡單看一下日本的例子。一開始手塚治虫畫漫畫時，他是在醫院工作的，漫畫只是興趣和兼職。他畫了好幾年漫畫，都是兼職的。當時產業鏈很簡單，就是報刊那些吃不活人的稿費。戰後日本的處境，比現在的臺灣更惡劣。

那時候動漫產業的泰斗是美國，特別是迪士尼的動畫日本拍馬也追不上。就像今天臺灣看日本一樣，有動畫、有漫畫，一整套產業鏈在，1955年還有錢到可以開迪士尼樂園，而那時候的日本都沒有。

面對已很成熟的迪士尼，手塚介入市場的方式，是超低成本製作，就是costdown。而且還算是非常惡劣的，包括把每秒的動畫格數大砍，低薪員工，只有嘴巴在動，兼用卡一堆技巧就是為了省錢，題材很多都是抄迪士尼的。比起迪士尼，手塚被人罵是劣質山寨動畫，放在今天的臺灣一定會被罵到狗血淋頭，把價格砍到美國人覺得不現實的地步。就算玩到這樣，他的公司還是賠錢，最後大量負債到想要逃去臺灣。

但這個大賠錢的血汗工廠，用自己的屍體埋下了產業的種子，吸收了之前倒掉的教訓，他的前員工創業成立SUNRISE、MADHOUSE，都帶著經驗重新適應市場。

在當年，兒童向的被迪士尼吃光，而日系的運動向和漫畫改編的也被大廠吃光（而且不算很賺錢）。那些小本創業的，也是從新市場開始的，那就是機器人動畫（賣機器人）和魔法少女（賣變身棒），剛好碰上那時候日本玩具商需要，也有些動畫廠改賣西方市場（世界名作劇場），加上新媒體「電視」的流行，供求一拍即合，日本動畫才開始走上了康莊大道，那時候，已經離手塚創業近二十年了。

從資金流你就看到，這個產業鏈的建立，是先由手塚壓低了成本，並花大錢買下血汗經驗，再配合新的媒體（電視，而不是電影），新的資金來源（玩具商、歐洲電視市場），供求配上才連得起來的。最終也和當初日本模仿的對象，也就是迪士尼不一樣，沒有變成主題樂園。

日本的經驗是說，你不能用別人的方式，把自己搞起來。日本做不出迪士尼，而做出了日本動畫。臺灣想跟日本的制度和現有形式做出來，基本上也不可能。早已被吃光的市場你是打不進去的，手塚做兒童動漫打不過米老鼠，SUNRISE想做改編漫畫也敵不過當年的大廠，同樣地，今天日本漫畫的市場，你也是難以直接用同樣的東西打進去。這是先手的優勢。

同樣地，開荒者的待遇，以及成品的質素，想要和直接和市場泰斗比較，也是不可能的。日本的動畫就是比美國便宜，日本的動畫格數就是比美國少。你要玩這遊戲就要接受你做出來的東西比別人便宜，人命也比別人便宜，多少的抄襲也跑不掉，自然地你也要預備吃著低薪時被一堆人罵你是山寨、慣老闆。

前人植樹，後人乘涼，當前人就是這樣，大部分人都只想當後人而已。沒有人會管你起步的時刻有多惡劣，做出C級作品已經是拚盡你的身家、以這麼少的資源做得出來有多麼了不起，只會覺得你不是3A就是糞作。

我常常見到有人談要做3A級作品，看不起那些B級、C級的，但實話說你看別人的歷史，基本上開荒的人，都沒有甚麼機會去做別人的3A級作品。在手塚的時代高級品就是迪士尼，你不會做回迪士尼，你只會做出另一種東西，如果你成功了，你也只會成為日後3A級作品尊敬的前輩，成為了別人的踏腳磚。

再看產業鏈的構成，你會發覺，核心是何處是處女地。新的資金來源，新的產業，新的營收模式，才有發展空間。所以是先看錢，再看做甚麼。也就是資本主義的本質，資本主導，連主題也會受出資者的影響，這也是很多創作者不願意的。但是就像日本一樣，創作者會找到自己空間，資本要你做機械人，你想寫時代劇，那就變成機械人時代劇。

用今天來比喻的話，就是走向網絡，然後依著利潤去做事，最後才找創作空間。這點上說，韓國就有在做，他們當然有政府支援，但不要忘了在政府支援之餘，他們做東西也絕對是以「先能賣出去」作為優先的，他們願意做一些傳統被看不起的東西，例如網絡漫畫、電競。這些東西在很多人眼中是不入流的，就像很多人堅持一定要出紙本書，因為「網絡作家」聽起來就低一點那樣。但通常要建立一些東西，就是要先做不入流、別人看不起的東西。

就算去到今天日本漫畫界，多少漫畫家的起家，就是去成人誌畫H漫，連《四葉妹妹》的作者都畫過。放下身段做市場會買單的東西，這是一個產業鏈最基礎的部分。

謙卑的從現在就能拿到現金與成功的東西做起，不管他是甚麼，他都是正確的。想甚麼政府的補助、甚麼產業鏈、甚麼政策、甚麼畫技、甚麼深意、甚麼歷史意義、甚麼藝術性都多餘，把沒必要的想法拋開。

在這一瞬間，直接做一些有人肯掏出100塊200塊幫你買的東西，比方說「收6000塊我幫你畫個甚麼角色被怎樣對待」的圖，多爛，多不能見人也沒關係，賣得出去，接觸顧客，從消費者手上拿到錢，不嫌少，不嫌髒，就是走在正確的道路上。而如果你的錢不是從消費者手上拿的，而是從一堆奇怪的手法，例如政府補助拿的，或者純粹靠家裡有錢，搞到自己手上沒有污泥，活得舒服，那是不會成功的。

寧可當個網絡漫畫家，也不要當個靠政府補助養的漫畫導師。而從一千個顧客手上拿到每人200元得到20萬，比起從大企業處接到40萬的案子更好。寧可畫個真的有人拿去打槍的H本，也比起被甚麼藝術獎提名好。想要把產業做起來，越直接貼近消費者越好。

夢想有甚麼大市場，我認為都也不必要，不如弄出幾千人每人肯掏200元支持你，加起來有幾十萬塊的東西就好，實實在在自己抓得住的小市場再擴大，比起花大錢動不動去大市場豪賭要實在很多。一個東西有幾千人認同，他只要改善就能擴大市場，丟去大市場打水票的，往往就是連錯了甚麼都找不出來。

我覺得原創執著論，是脫離市場的。市場這麼多年，原創性其實都不那麼高，大部分作品從畫面造型到故事，都一定有前人的影子，甚至差不多是直接抄的。商業世界一定如此，只是在學校裡都教你當藝術家，把藝術世界那一套原創至上論帶去。那些上位者、業界大大、藝術大師、教育業者的評語，如果沒能變成銷量的話，我覺得真的不那麼重要。

其實有時網絡上常說，有些 A片竟然有曲折的劇情，我就在想，日本人有一點從來不變，就是他們在現實面實現自己的理想。那個 A片編劇可能就是專業學校出身的，不是想做小電影，但他現實只能拍小電影，就直接在裡面放入深意與劇情，而不是在日本沒有進到電影產業給他發揮就停下來。這種做法才是值得效法的。

熱愛文化充滿理想的心，不如面對現實腳踏實地的心。想實現理想，就要面對現實，然後從現實中找出各種不理想的方法，再去做。做了有效的東西，就擴大，其實也不是真的那麼複雜。