台灣藝術產業的發展原來已達如此規模，創下歷屆以來最大的展出面積，觀察現場民眾包含各種年齡層，年輕人佔有不少比例，不時可見社群打卡和購買收藏。這回除了認識幾位台灣新生代創作者，也觀摩海外藝術家的傑出作品，驚嘆之餘先用手機紀錄典藏，沉浸體驗的感受讓人非常滿足。
自由多元的創作風格形式
綜觀全場展示的平面畫作、雕塑作品、裝置作品、多媒體、甚至於數位的 NFT，有寫實主義、抽象意涵、卡漫人物、燈管技法等創作元素，匯集大作的視覺饗宴，流連觀賞相當過癮。
社群自媒體時代藝術家透過IG發表作品，呈現現代人的日常片刻，觀賞作品不禁覺得有生活周遭的熟悉感，我們透過網路媒介對外溝通展現自我，不就是這樣的既虛擬又現實。特別是經過濾鏡、修圖軟體的操作，色調和彩度的數位裝扮，讓外在面貌充滿網感的氛圍。
台灣藝術家黃柏勳曾經這麼說：「在不同城市裡生活，會遇到形形色色的人，聽到各式各樣的故事，久而久之自己也變成一個很會說故事的人，所以我的每個作品都代表著我人生中的某段歷程。」他的作品或許也承載了您的切身，述說過往您也待過某個處的生活風景。
西班牙藝術家 Javier Martin 以「Blindness」創作系列聞名，作品結合霓虹燈與拼貼畫作呈現，人物肖像以實體照片為主，背景類似噴畫構成繽紛且協調的風格，靈魂之窗被燈管遮住，似乎提醒大家凡事不要只用看的，用心感受更重要。
運用媒材嘗試多種創作呈現
牆上展覽作品畫作的精彩，有時候不進距離觀賞，將會只流於意象的欣賞，錯過藝術家對媒材的大膽嘗試與突破，或者是我孤陋寡聞、鮮少看展，不知道這樣的媒材早就被使用做畫。往往遠看只見表層形體，近看細節卻讓我瞠目結舌。
遠山渺渺、鬱鬱蔥蔥、溪畔人家、小橋流水，這幅畫作的意境淺而易懂。但技法上來論，它不是水墨渲染，也不是碳筆速寫，卻有幾分點畫的成分；趨近像前端詳畫作，猛然發現玄妙之處，居然是用釘子創作的！
轉進另一間畫廊的展示區，先是被一句英文感受到打氣 You are stronger than you believe. 再注視一會兒隨之心頭一嘆，這是由彩色繡線、亮粉和壓克力顏料構成的創作。獨特性的針線素材為台灣藝術家張恩慈所欲表達的內涵，藉著成像彰顯女性內在的堅毅，現場同時展出其他柔性力量的形象作品。
一幅幅斑駁、鏽蝕的肖像畫掛在展示牆上，好奇走近細瞧，雖然看似鐵板成形的版畫，但覺得不會這麼容易的答案，於是請教工作人員才恍然大悟。作者以油畫布為底，透過裝在奶瓶的顏料用手施力逐一滴落，再上繡粉使其有鋼板鏽蝕的錯覺，想要呈現這樣的質感很考驗作者佈局的細膩功力。
日本藝術家加藤智大 Tomohiro Kato 還有展出幾件公共雕塑的作品，大體上是以細薄的切面斜放構成主體，藉由光線透視環繞作品四周能帶來不一樣的感受。想像生活橫切面組成的日日光景，身兼多重身分的我們，站在不同角度觀察，就有不一樣的思維與體會。
單色畫的視覺饗宴媒材呈現
透過雙眼與色彩的互動，將主導我們對作品的第一印象。只用一種顏色是否過於單調呢？瞧瞧下方紅色成像的創作，主體輪廓與周遭的光影，並非繪製而成的。義大利藝術家圖里．西梅提 Turi SIMETI 將畫布與後方的自製駝圓形木具繃緊結合，利用材質在光線下的創造出表面與陰影的對比，這樣類似浮雕的單色畫，透過木具的數量和擺放位置，傳達極簡的意象概念。
南韓藝術家金泰浩的單色畫也出席這次的展出創作，將畫布上相同色系的顏料，雕鑿出不規則變化的立體空間，觀者從刀痕的深淺與密度的變化，自由感受平面畫作裡立體空間的呼應。四年前曾經來台發表「內在美學」的主題，展現了節制與秩序的美學節奏。
刮刀工具賦予藝術作品另一種風貌，藉由加與減、虛與實的堆疊和刮削，重新詮釋色彩的能量。藝術家 Atsuo Suzuki 這回展出的創作就是如此的風格。
藝術畫作展售小常識
這回逛展意外學習到畫作小卡的作業模式，除了讓觀者能了解作品的基本資料（藝術家、作品年分、主題、媒材、尺寸）外，也有的畫廊不希望觀眾看了小卡產生先入為主的觀點，如此反而影響欣賞作品的互動。
另外，當作品被收藏家購買後，小卡的角落會貼上小紅點；當然也有小藍點的設計，這時表示雙方還在議價，作品仍有機會提供其他收藏家參考。
延伸閱讀：2022《ART TAIPEI 台北國際藝術博覽會》觀後感（上）
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